Premiere, entrevista (español-english) y reseña del nuevo álbum de APE SKULL “FIELDS OF UNCONSCIOUS”

Presentamos en exclusiva el tercer álbum del trio italiano APE SKULL, “FIELDS OF UNCONSCIOUS”. La banda nos desvela todos los detalles del álbum (lee la entrevista abajo-read the interview below).

Han pasado cinco largos años desde que “FLY CAMEL FLY”, su último álbum viera la luz recibiendo multitud de halagos por la calidad que atesoraba una banda que parece salida del túnel del tiempo. Instalados en el sonido de comienzos de los 70’s con Hendrix como profeta, y bandas como Cream, Edgar Broughton Band o tantas otras como referentes, APE SKULL están de vuelta. ¡Y de que manera! La espera finalmente ha merecido la pena. Tras un tortuoso camino y mil problemas par conseguir un sello que publicará sus nuevas canciones, el trio romano se muestra en plenitud de facultades creando un álbum sobresaliente de rock “vintage”. Sin poses y plenos de autenticidad, su sonido sale de sus entrañas con naturalidad. La efectiva combinación de blues, funky, psicodelia, soul y puro hard rock ácido, hará sin ninguna duda las delicias de los amantes más puristas del rock a la vieja usanza. Habrá quien les califique como “retro” y no les faltará razón, pero escuchando “FIELDS OF UNCONSICIOUS” no tienes la sensación de que los romanos copien a nadie, lo cual es un importante aval. Tras todas las dificultades para que este trabajo vea la luz, incluida una impresión de prueba del vinilo defectuosa con dos introducciones cortadas, por fin podemos disfrutar nuevamente de la magia de APE SKULL. Tres tipos que saben tocar sus instrumentos con maestría y que sacan lo mejor de si mismos por una causa común, no en vano cumplen con todas las características del power trío al uso, como tantos que florecieron en la década de los 70’s, a pesar de que estemos en pleno siglo XXI. Personalmente me produce gran satisfacción que finalmente puedan ver como su creatividad puede ser compartida con todos sus seguidores. Estamos ante cerca de cuarenta minutos de puro ROCK ÁCIDO con mayúsculas, sin artificios.  

APE SKULL son: Giuliano Padroni (batería, voz solista y coros), Fulvio Cartacci (guitarra y coros) y Pierpaolo Pastorelli (bajo y coros) “FIELDS OF UNCONSICIOUS” fue grabado y mezclado en Track Back (Toulouse) por Jameerl Abdul Kebab, correspondiendo el diseño y arte de la portada a Marcello Crescenzi y Susanna Doccioli y producido por APE SKULL y Sronk Records.

Sobre auténticos y genuinos tonos vintage, sin artificios ni poses, “Fields Of Unconscious” con esos tambores briosos, la guitarra oscilante y una poderosa línea de bajo crean un tema con un groovy vacilón y sugerente que nos invita a disfrutar de un guateque en el que las melenas al viento conviven entre pantalones de campana y camisas de flores. Como ya nos han demostrado en sus anteriores álbumes APE SKULL parecen salidos de la máquina del tiempo. Puro hard-rock y blues rock entre humo cannabico. El corte funciona a pesar de no tener una complicada composición, sencillo pero sencillamente genial.

Con rasgueos Funky, “All Thats I Want” con sus vivaces ritmos y un Flow que te atrapa, desencadena la fiesta por todo lo alto. Wah wah esparcido entre vibraciones que por momentos toman el legado Hendrix, y que por otros recuerda al Santana más desmadrado. Una efectiva fusión de blues hiriente que contagia al oyente sin remisión. Solos asesinos en esa orgía rítmica con cierto aspecto negroide, funky, soul y blues se incrustan en hard rock bajo una esfera luminosa más propia de cualquier club de Harlem. La combinación de estribillos y coros en una revisión del Hendrix más funk. ¡Sumible!

Entre ondulantes riffs retro, “Freedom” y un ritmo aparente cansino los solos de Fulvio emulan al Dios de Seattle. Un manto psicodélico envuelve un corte ácido y penetrante lleno de sentimiento. Todo un viaje con distintas etapas en el camino, con momentos para la pausa entre atmósferas lisérgicas, colinas más tortuosas y sobre todo una luminosidad aplastante. Es difícil destacar a cualquiera de sus componentes ya los tres son virtuosos de sus instrumentos. Si a ello unes la capacidad creativa para hacer que todo sea divertido, el resultado es de lo mas apetecible. Seguramente el tema que cumpla más los estereotipos de rock contemporáneo a pesar de que en él encontramos ecos más propios de RARE EARTH.

“I’m Coming Home, Baby” se deja llevar por el blues en una atmósfera festiva al igual que el resto de los temas. Coros y estribillos pegadizos entre solos y ritmos ondulantes. Difícilmente podrás quedarte parado con el groovy contagiosos que el tema contiene. Ramalazos boogie-rock en un tema que huele a bourbon y parece ambientado en un club de carretera de comienzos de los setenta. El claro ejemplo de que con muy poco se puede hacer una canción que funcione.

Los cantos tribales de los nativos americanos introducen un tema que el trío romano viene interpretando en sus directos desde hace años. “Heya” la canción de Robert Markley, J.P.Stalling cuya mejor interpretación pertenece al álbum de 1970 “Cosmic Blues“ de los alemanes JERONIMO, cobra una nueva dimensión en manos de APE SKULL. Una versión ácida que se deja llevar por una atmósfera humeante entre los cantos rituales. Rasgueos de guitarra sobre una batería sostenida y los chamánicos cantos se combinan con pasajes puramente 70’s. Aquí prescindiendo de los teclados, puede que no sea tan corrosiva como la de los alemanes, pero desde luego, mantiene toda la esencia aumentando la duración de la original.

Los ecos Hendrix aparecen nuevamente en “Glory Days”. Otro tema de blues ácido con voces rotas y cálidos pasajes más propios del genio de Seatle. Un tema desgarrador en el que el tempo es más pausado pero los registros vocales consiguen clavarse en el oyente. Sus repetidas armonías dejan espacios instrumentales llenos de tórridos momentos. El trabajo de batería imprime una gran fuerza a un tema que parece avanzar sin mirar atrás.

El álbum cierra con “Atom in the sky”. Riffs que me evocan a RAM JAM y su mítico “Black Betty” son el claro ejemplo de que estos chicos viven instalados en el hard-rock de los 70. Sin complejos y sin imitar a nadie el rugoso tema contiene una efectiva armonía entre riffs más difusos y crudos. Unas melodías vocales de lo mas sugerentes colorean un tema lleno de dinamismo a pesar de su rugosidad. Seguramente el tema más pesado de todo el trabajo ofrece una montaña rusa de emociones plagada de momentos ácidos y evidentemente vintage en el que los platillos chasquean sin parar en una bacanal de ritmos poderosos.

ENTREVISTA:

DenpaFuzz: ¿Cómo habéis pasado todos estos años hasta que éste, vuestro tercer álbum ha sido realizado?

APE SKULL : Seguimos probando y creando nuevas canciones, como siempre lo hemos hecho. De hecho, entre álbumes creamos muchas canciones nuevas o ideas sobre lo que podría ser una pista nueva, pero muchas de ellas quedaron incompletas o no llegaron a nuestros LP. De hecho tenemos muchas grabaciones, unas 30, que están aparcadas en nuestro Youtube

DenpaFuzz: Tras dos álbumes publicados con el sello Heavy Psych Sounds, FIELS OF UNCONSCIOUS será publicado por Skronk Records. , ¿A qué se debe ese cambio? Y ¿Cómo ha sido esa etapa hasta que habéis encontrado un sello con el que publicarlo?

APE SKULL: Este disco sale producido por nosotros y por Skronk Records. Esta es una elección ligada sobre todo a un querido amigo, así nos complació. Nosotros debemos mucho a Heavy Psych Sounds Records y estaremos muy felices de poder colaborar de nuevo con ellos en nuestro próximo disco.

DenpaFuzz: Hablemos de contenido del nuevo álbum. Si tuvieras que explicar a alguien que nunca ha escuchado a APE SKULL, ¿Cómo definiríais su contenido?

APE SKULL: Esta no es una respuesta fácil de dar. Nos gusta pensar que si tu tienes que explicar con precisión y con largas descripciones lo que creas, tal vez
en alguna parte hay algo mal. Dejando la libertad de encontrar lo propio manera y recibir el mensaje con el propio estado de ánimo podría ser un logro. Sin embargo, el significado es único y absolutamente no puede ser abrazado por que odian a los “diferentes o a “los otros.

DenpaFuzz: ¿Cuál es la fuente de inspiración de la banda para componer los temas? ¿En qué bandas os fijáis (si es que lo hacéis en alguna) para componer vuestras canciones?

APE SKULL : Honestamente, cuando estamos en la sala de ensayo, tocamos instintivamente, ven sube con un riff, una idea y sigue adelante. No pensamos primero en qué hacer y cómo hacerlo, qué matiz o banda necesita estar presente. Cada uno pone su línea, su carácter en él. Todos los géneros musicales que te gustan, las canciones que te encantan escuchar, tu favorito artistas y bandas son la materia prima que crea, en un sentido musical, tu personalidad. No es necesario convocarlos cada vez. Creemos que este es el caso para casi todos los músicos.

DenpaFuzz: Aunque en ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ el blues sigue presente, parece que ese sonido es menos evidente que en vuestros álbumes previos, ¿Es una apreciación mía o habéis querido ampliar de alguna manera el horizonte de vuestro sonido cuidando más las composiciones de las canciones?

APE SKULL: Quizás esto podría ser subjetivo. Nos parece que en este hay más o menos los mismos ingredientes que los otros nuestros álbumes, tal vez simplemente se cocinan con especias ligeramente diferentes. Pero obviamente somos muy interesado en entender por qué se puede entender de esta manera.

DenpaFuzz: También encuentro más vibraciones negroides en alguno de los temas, como “All Thats I Want” o ‘Freedom’, un camino muy acertado en mi opinión.

APE SKULL: Nunca hemos escondido estos matices y nuestra pasión por lo afro
músicos estadounidenses. Podemos escucharlos en muchas canciones de álbumes anteriores, como en “Make Me Free”, pero también “So Deep” tiene una base funky. En youtube puedes encontrar nuestra versión improvisada de “Comin ‘Home Baby” de Ben Tucker, pero también sonidos más ásperos. Nos gusta vagar, sin barreras.

DenpaFuzz: En “Fly camel fly” eran Damnation of Adam Blessing con “Driver”, ahora Jeronimo con el himno “Heya”, ¿Es esto un homenaje a alguna de vuestras favoritas? “Heya” la venís interpretando en vuestros directos desde hace años, ¿Era el momento de homenajearla en un álbum?

APE SKULL: Siempre hemos incluido un “homenaje” en nuestros álbumes, tiene su significado: la referencia a géneros y sonidos que están en nuestro trasfondo pero también para interpretar la canción con nuestra personalidad, obviamente esperando tener éxito con esta.

DenpaFuzz: Al margen de que tras varias escuchas del álbum haya podido percibir alguna vibración que me puede evocar a determinadas bandas de los 70’s, es evidente que especialmente en los dedos de Fulvio se percibe el amor por Jimi Hendrix, ¿Qué tenéis que decir a esto?

APE SKULL: Este es un hecho innegable. En verdad, todos nosotros, tal vez como todos, hemos asimilado y metabolizado lo que más nos llamó la atención y nos formó nosotros a partir de una edad temprana. Jimi es JIMI.

DenpaFuzz: Con estos tiempos convulsos en medio de esta pandemia que nos está asolando, ¿Cómo se presenta el futuro próximo respecto a la posibilidad de subiros a un escenario para presentar vuestro nuevo álbum?

APE SKULL: Es difícil pensar en eso ahora, es una situación que requiere respeto y altruismo. Estaremos felices de volver al escenario pronto porque significa que hemos dejado atrás esta terrible situación. Esperando que algo cambios para mejor.

DenpaFuzz: Muchas gracias por vuestras palabras y espero que pronto podamos vernos de nuevo en un concierto vuestro. ¿Os deseo mucha suerte en esta nueva etapa!

APE SKULL: Muchas gracias por tu trabajo y tus palabras. Si esperamos verte pronto y brindar por algo grandioso. ¡Larga vida al rock.!

INTERVIEW (ENGLISH):

DenpaFuzz: Until this, your third album has been made, how have you spent
all these years?

APE SKULL: We kept trying and building new songs, like we always have. In fact, between albums we created a lot of new songs or ideas about what could be a new track, but a lot of them remained incomplete or didn’t make it onto our LPs. In fact we have a lot of recordings, about 30, which are parked on our youtube.

DenpaFuzz: After two albums released on Heavy Psych Sounds, FIELDS OF UNCONSCIOUS will be released by Skronk Records. why this change? And how was that time until you’ve found a stamp to publish it with?.

APE SKULL: This album comes out produced by us and by Skronk records. This is a choice linked above all to a dear friend, we were pleased that way. We owe a lot to Heavy Psych Sounds Records and we will be very happy to collaborate ith again for the next our album .

DenpaFuzz: Let’s talk about content from the new album. If you had to explain
to someone who has never listened to APE SKULL, how would you define its contents?

APE SKULL: This is not an easy answer to give. We like to think that if you have to explain accurately and with long descriptions what you create, maybe somewhere there is something wrong. Leaving the freedom to find one’s own way and to receive the message with one’s own state of mind could be an achievement. However, the meaning is unique and absolutely cannot be embraced by those who hate the “different” or “the others”.

DenpaFuzz: What is the band’s source of inspiration for composing the tracks?
What bands do you look at (if any) to compose your songs?

APE SKULL: Honestly, when in the rehearsal room, we play instinctively, come up with a riff, an idea and move on. We don’t first think about what to do and how to do it, what nuance or band needs to be present. Each of us puts his line, his character into it. All the musical genres you like, the songs you love to listen to, your favorite artists and bands are the raw material that creates, in a musical sense, your personality. There is no need to summon them every time. We think this is the case for almost everyone musicians.

DenpaFuzz: Although in ‘FIELS OF UNCONSCIOUS’ the blues is still present, it seems that this sound is less evident than in your previous albums, is it an ppreciation of me or have you wanted to expand in some way the horizon of your sound taking more care of the compositions of the songs?

APE SKULL: Perhaps this could be subjective. It seems to us that in this album there are more or less the same ingredients than the others our albums, maybe they are just cooked with slightly different spices. But obviously we are very interested in understanding why it can be understood in this way.

DenpaFuzz: I also find more black music vibrations on one of the tracks, such
as “All Thats I Want” or ‘Freedom’, a very successful path in my opinion.

APE SKULL: We have never hidden these nuances and our passion for afro american musicians. We can hear them in many songs on previous albums, like in “Make Me Free” but also “So Deep” has a funky base. On youtube you can find our improvised version of “Comin’ Home Baby” by Ben Tucker but also rougher sounds. We like to wander, without barriers.

DenpaFuzz: In “Fly camel fly” were Damnation of Adma Blessin with “Driver”,
now Jeronimo with the hymn “Heya”, Is this a tribute to any of your favorites?
“Heya” you’ve been performing it on your live shows for years, was it time to honor her on an album?

APE SKULL: We have always included a “tribute” in our albums, it has its own
meaning: the reference to genres and sounds that are in our background but
also to interpret the song with our personality, obviously hoping to succeed in
this.

DenpaFuzz: Apart from the fact that after several listens of the album he could
perceive some vibration that can evoke me to certain bands of the 70’s, it is clear that especially in Fulvio’s fingers there is a love for Jimi Hendrix, what do
you think about this?

APE SKULL: This is an undeniable fact. In truth, all of us, perhaps like everyone, have assimilated and metabolized what struck us most and formed us starting from young age. Jimi is JIMI.

DenpaFuzz: With these convulsive times in the midst of this pandemic that is
ravaging us, how does the near future present itself regarding the possibility of
getting on stage to present your new album?

APE SKULL: It’s hard to think about it now, it’s a situation that requires respect and altruism. We will be happy to be back on stage soon because it will mean hat we have left this terrible situation behind. Hoping that something changes, for the better.

DenpaFuzz: Thank you very much for your words and I hope that soon we can
meet again at a concert of yours. Do I wish you much luck in this new stage!

APE SKULL: Thank you very much for your work and your words. Yes, we hope
to see you soon and toast for something great. Long live rock
!!!

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https://www.facebook.com/skronkrecords

Reseña: ARCADIAN CHILD.- “Protopsycho”

PROTOPSYCHO’ es el tercer álbum de los chipriotas ARCADIAN CHILD. Tres años han pasado desde que su psicodelia aromatizada nos sorprendiera con su debut y ahora en 2.020 vuelven a demostrar que aquello no fue obra de la casualidad. La brisa del mediterráneo instalada en su psicodelia algodonada con exóticos aromas de oriente hace que la escucha de ‘PROTOPSYCHO’ resulte de lo más placentera. La afirmación de su cantante y guitarrista Panagiotis Georgiou parece dejarlo claro: ‘Protopsycho’ es un ritual psicodélico pesado que viene de lo profundo. Hicimos una inmersión profunda en nuestras almas, rompimos los platillos y doblamos las guitarras azotando

Las embriagadoras fragancias de los chipriotas nos embarcan en un viaje a las mil y unas noches entre las olas mediterráneas y su cálida brisa en un navío sólido y bien custodiado por pesados riffs stoner que se acoplan con precisión. Con momentos más pesados y seguramente dejando de lado los ecos más pop de su primer trabajo, ARCADIAN CHILD se consolidan como una banda sólida que sigue la estela de All Them Witches, (con los que tiene muchas similitudes en su sonido) pero manteniendo su personalidad. Como representantes de la encrucijada entre oriente y occidente saben conjugar esas delicadas y ancestrales vibraciones con pasajes de gran pesadez. Siempre apacibles pero sólidos, cada tema nos ofrece algún aliciente nuevo con el que deleitarnos. Sin duda, estamos ante una banda que se consolida en la escena gracias a trabajos como este, lo que no supone ya ninguna sorpresa. Su embriagadora psicodelia a buen seguro, hará correr ríos de tinta en los próximos tiempos.

PROTOPSYCHO’ está disponible vía Bitter Tea Records, Rebel Waves Records/ Ripple Music y Kozmik Artifactz. Producido por Andreas Trachonitis  y  ARCADIAN CHILD fue grabado y mezclado por Andreas  Trachonitis  en el estudio once63  en Nicosia y masterizado por Mickey Allred  en  Nashville.

Letras: Panayiotis I.G. Música: ARCADIAN CHILD

Desde los primeros acordes de “Snakecharm” podemos intuir a lo que nos enfrentamos. Magnéticos y profundos pasajes de psicodelia mística en una atmósfera reconfortante. El tema se va construyendo sin prisa, adornado con melodías exóticas y cantos folclóricos, los vientos orientales invaden una canción llena de belleza que parece seguir la ruta que al otro lado del océano iniciaron All Them Witches. Seguramente estamos ante una versión oriental de los de Nashville. Un tema catártico en el que no faltan riffs pesados entre sus embriagadoras fragancias.

Los ritmos del folclore tradicional están presentes en “Wave High”. Un tema que conjuga pasajes psicodélicos llenos de fuerza con los ritmos tradicionales procedentes de las antiguas civilizaciones del mediterráneo más oriental. La encrucijada entre oriente y occidente nos ofrece momentos deliciosos en los que la psicodelia más atmosférica y colorista nos invade con dulzura.   

En un ambiente más misterioso, “Sour grapes” entre nebulosas lisérgicas parece arrullarnos con toda su magia. La cálida y penetrante voz Panagiotis fluye entre narcóticos pasajes de psicodelia en línea Dead Meadow. Esa pausa en su desarrollo hace que el tema penetre en nuestros sentidos ofreciéndonos melancólicos momentos en los que asoman los pasajes exóticos en un espacio entre sombras que por momentos resulta inquietante, pero a su vez narcótico. Crujientes pasajes de bajo elevan el tema a un escenario más cercano a postulados Stoner, lo que hace que el corte adquiera consistencia.  La parte final se deja llevar por lánguidos pasajes más cercanos a All Them Witches.

“The Well” se sumerge en embriagadoras atmósferas llenas de misticismo. Su exotismo nos eleva a una dimensión sensorial en el que la redención del alma parece encontrar su espacio. Delicado, y lleno de belleza el tema se desarrolla en un florido jardín que lentamente se va elevando a una luminosidad cargada de romanticismo. Acariciándonos con cada acorde, el trío no duda en ofrecer su faceta más aterciopelada. Un reconfortante tema que acaba explotando con su pesadez en una conjunción de calma y fuerza como pocas veces habíamos visto a ARCADIAN CHILD. Esos momentos fortalecen un tema que evoluciona con una gran fluidez para mostrar las dos caras de una banda que tiene claro su objetivo.

Los atractivos acordes de “Bitter tea” nos devuelven a los dictados de All Them Witches. Místicos, chamánicos y sobre todo repletos de una tractiva belleza, hacen que el tema se eleve en un génesis hechizante que nos sitúa en un espacio con tonos casi progresivos. El contrapunto de los rugosos riffs del bajo dirige el tema a un espacio más pesado en el que siguen sintiéndose igual de cómodos que cuando sacan a relucir su origen mediterráneo. Aquí los ecos alternativos de los noventa parecen querer unirse a una fiesta en la que lo trascendental está muy presente.

Dejando de lado la parte trascendental “Bodies of men” se inclina hacía un espacio de rock psicodélico heredero de los sesenta en el que el blues asoma con timidez. Un tema de rock ondulante con un estribillo más pegadizo sobre armonías de rock con tonos retro. Firme, variado y sobre todo con un carácter más dinámico que nos sitúa en un mundo terrenal alejado de la mística.  Aquí los chipriotas se muestran mucho más directos.

“Raising fire” se construye con cadentes riffs que nos sitúan en el espacio místico en el que la banda mejor parece moverse. Una atractiva melodía llena de fuerza hace subir las revoluciones de una manera contenida. Hipnótico y cálido, el tema crea un estado catártico en el que la psicodelia nos masajea entre efluvios lisérgicos. Los tonos trascendentales nos ofrecen una atmósfera protectora entre la intrínseca pesadez del tema. Sus momentos desgarradores adquieren un gran protagonismo en la parte central del tema para cambiar su carácter en su parte final en la que los psicotrópicos revolotean sobre nosotros crean una particular atmósfera lisérgica. 

Para cerrar el álbum, “Protopsycho” el tema que da nombre al trabajo se desarrolla entre cálidos registros vocales. Adquiriendo tintes nostálgicos entre rugosos riffs que aparecen en esos nebulosos pasajes nos devuelven al sonido de los chicos de Nashville. El tema puede reflejar a la perfección el personal sonido de ARCADIAN CHILD.

ARCADIAN CHILD es un cuarteto de rock psicodélico mercurial con sede en Limassol, Chipre. Psicodélicos, potentes y embriagantes, ofrecen su diverso rock fusionado con un ambiente tropezado, patrones alucinógenos y arrebatos catárticos. Con sonidos que rivalizan con las sirenas chillonas del Mediterráneo hasta los oscuros fuelles de Occidente, ARCADIAN CHILD transmite su ritual psicodélico en sus espectáculos en vivo llenos jams donde extienden sus vibraciones hipnóticas. Con un swagger embriagador, riffs sofisticados y letras intencionadas su música resuena a lo largo y ancho. Su álbum debut de 2017 “Afterglow” fue ampliamente aclamado y recibió un apoyo convincente de la creciente escena neo-psicodélica internacional y los rockeros psicodelia de Limassol firmaron con Ripple Music con sede en California en enero de 2018 para reeditarlo en todo el mundo en vinilo. Su esperado estudio de segundo año fue lanzado el 23 de noviembre de 2018 a través de Ripple Music y Rogue Wave Records y recibió múltiples críticas delirantes, llegando a muchas listas de fin de año con los mejores álbumes de 2018. En octubre de 2019, se emparejaron con el sello underground líder “Kozmik Artifactz” para un lanzamiento en vinilo de su tercer álbum que será lanzado el 9 de octubre de 2020

https://www.facebook.com/arcadianchildband

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https://www.facebook.com/bittertearecords

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Reseña: KAVEE.- “Metempsychosis”

Refugiado en el nombre de KAVEE, Valerio Willy Goattin, guitarrista de SLAP GURU y GALAVERNA saca sus demonios en un álbum acústico mediante el que recorre misteriosos paisajes alejados de los ritmos pesados y de esos arrebatos de rabia a los que nos tiene acostumbrados en SLAP GURÚ. Un escape acústico hacia la dimensión onírica de la música en el que saca sus tormentos en temas llenos de sentimiento dando un paso más en su multidisciplinar trabajo como músico Vestido con el traje de loner-folk, combina relajados temas que habitan en grises atmósferas enriqueciéndolos con elementos progresivos y un aura psicodélica. También el blues aparece tímidamente en sus composiciones. Sencillez y pausa para componer un álbum que nació de la pandemia y el aislamiento y en el que se desnuda emocionalmente. Sus cuidadas melodías y el sosiego resultan ser un aliado para la construcción de canciones profundas que se instalan en sonidos más propios de la Europa de los 70’s en contraposición con el sonido más americano de la discografía de SLAP GURÚ. El sólo se basta para desdoblarse tocando guitarras acústicas y eléctricas, banjo, batería, percusiones, bajo, armonio, sitar para crear un marvillos0 álbum de acid-folk bajo su cálida y hechizante voz. Seguramente los más eruditos podrán encontrar dispares y prestigiosas influencias en su sonido, pero en esta ocasión prefiero quedarme únicamente con el resultado, sin buscar más allá. La respuesta está en una atenta escucha del álbum para poder apreciar todo su potencial que es mucho.

¿Con qué nos sorprenderá en la próxima ocasión?

“Metamorphosis”, el tema que da nombre al álbum nos muestra la sutileza acústica con calmados acordes bajo una tenue aura psych. En una atmósfera gris en la que la melancolía se describe entre tonos folk que nos acarician con delicadeza. De aspecto sencillo, su interior contiene suficientes elementos compositivos que delatan su riqueza. Una tierna conjunción de guitarra acústica y eléctrica resulta todo un acierto que aporta más brillo a esas texturas evocadoras de un oscuro y frio día otoñal frente al fuego. Podríamos decir que estamos ante un tema folk, pero en él no faltan elementos progresivos.

Sin abandonar el camino recorrido en el corte anterior, “The lost of the sun” sigue esa ruta folk-prog arropando la cálida y sugerente voz de Willy. Un corte introspectivo con elementos sinfónicos en ese marco de tristeza, algo que es un denominador común en todo el álbum. Con el punto de vista puesto en los 70’s los acordes de guitarra y la voz parecen mirar al pasado, un pasado gris y melancólico.

Con un mayor protagonismo de las melodías “Indian summer” manteniendo el tono folk, nos ofrece un sonido más europeo del que nos tiene acostumbrados con SLAP GURÚ. Un espacio propicio para incorporar instrumentos tradicionales que son coloreados con finos y elegantes solos de guitarra eléctrica. Un susurrante tema con un persistente zumbido en un segundo plano, como si todo estuviera dispuesto en distintos estratos sonoros añadiendo una atmósfera algo psicodélica.

“Like Morphine” es un bello tema construido sobre múltiples arpegios sobre aparecen susurrantes melodías que nos acarician con delicadeza desde su intrínseca sencillez. De corta duración, pero lleno de intensidad.

Como si buscara la luz “Interstellar” parece querer sacarnos de las atormentadas canciones anteriores para buscar espacios más luminosos. Con un pequeño giro en el registro vocal, la rabia se vislumbra en contraposición con las acarameladas melodías vocales de los temas precedentes. Como si hiciera un ejercicio de redención, los demonios salen de las entrañas. Siempre con gran acierto, la guitarra despliega con mesura unos atractivos solos que complementan la base acústica con la que nace.

“An october evening” con el registro vocal más quebrado y una repetición de acordes va construyendo un tema más rugoso y aguardentoso. En una explosión de fuerza todo se acelera con un vertiginoso ritmo en una caída a tumba abierta.

Ecos americanos afloran en “Awakening”, un tema construido sobre una base blues en los que Valerio pone mayor énfasis con un registro vocal desgarrador. La brillantez de la guitarra electrificada sobrevuela los ritmos acústicos.

El álbum cierra con “0101”, un breve epitafio de un minuto con el que pone colofón a un trabajo notable a través del cual nos transmite sentimientos y estados de ánimo desde la sencillez.

https://www.facebook.com/Kavee-100870115101095

Premiere & reseña: SUCCOPUSS.- “Zuckerguss” (español/english)

(English below)

Os presentamos en exclusiva “ZUCKERGUSS” el nuevo álbum de los austriacos SUCCOPUSS.

SUCCOPUSS es un trío de blues pesado de Viena (Austria) y sus raíces inconfundibles y su trasfondo musical se basan profundamente en el Blues.
Krystof Hümer & Tobias Paul formaron la banda en 2013 a los que se unió Michael Westerkam se unió a la banda con su inconfundible saxofón y coros conviertiendose en un elemento indispensable en el sonido de las banda. El trío toca una interesante mezcla de jazz, blues y hard rock aderezado con voces empapadas de ron con algún tema cantado en español como es el caso de “Comer”, en el que los ritmos latinos se fusionan con el blues canalla de garito de luces tenues.

“Swine” nos ofrece fuertes dosis de boogie rock y rockabilly a ritmo frenético en contraste con “No Pain” un corte en el que el blues nuevamente es leit-motiv de la banda arropado por las vibraciones jazz salidas del saxo de Michael, o la elegante “Jean Luc” y húmedo y seductor tema con tonos canallas evocador de algún club nocturno en medio de la madrugada.

La versatilidad del álbum hace que encontremos temas como “Giftler” en el que los pasajes vintage se adornan con una atractiva y sutil psicodelia con el blues presente como en el resto del álbum.

“0110” se desarrolla bajo un sonido sucio en el que el blues y garage-rock se unen en una causa común adornados de efluvios lisérgicos y las habituales dosis jazz.

Entre atmósferas más psicodélicas “Satana” pone la nota ácida a un trabajo crudo pero fresco sin renunciar al blues más pegajoso y seductor. Aquí la banda nos ofrece su corte más experimental.

“Lucky Luke” cierra el álbum con acordes de piano prescindiendo de los registros vocales y mostrando el amor de la banda por el jazz y el blues bajo ritmos de cabaret.
Esta constelación de sonidos ya se podía escuchar en su aclamado EP homónimo lanzado en 2017.

Es el primer álbum de larga duración y marca un hito en la historia de la banda.
Las 10 canciones fueron grabadas por Daniel Schatz en Primitive Studios Vienna en 2019.
Grabado, mezclado y producido por Daniel Schatz
Masterizado por Martin Scheer
Arte y diseño del álbum por Lena Göbel
Diseño y gráficos web por Imaginería Del Mar Muerto

ZUCKERGUSS” está disponible a partir de hoy a través de StoneFree Records en los siguientes formatos:

Limited Edition Vinyl
Limited to 200 Pieces – 12“ Gatefold 180g Black Vinyl 33rpm
Limited to 100 Pieces – 12“ Gatefold 180g Solid Gold Vinyl 33rpm
Limited to 500 Pieces – Digipak CD
Pressed by Austro Viny

Consíguelo aquí:

http://www.stonefree.co.at/zuckerguss.html?fbclid=IwAR1IqP_EvRgwNuHW_cZuREZ2psdfGo6wf5tr-x6_x2iiqWVl1G-8IAv2w0g

Tracklist:

  1. Alchemist // 02:25
  2. Comer // 03:56
  3. Swine // 01:58
  4. No Pain // 03:27
  5. Giftler // 06:45
  6. Shag Yo Egedre // 03:33
  7. 0110 // 03:49
  8. Jean Luc // 06:43
  9. Satana // 06:33
  10. Lucky Luke // 03:38
    Total Length: 42:47

English:

We present you exclusively “ZUCKERGUSS” the new album by Austrians SUCCOPUSS.

SUCCOPUSS is a heavy blues trio from Vienna, Austria, and their unmistakable roots and musical background are deeply based on Blues.
Krystof Hümer & Tobias Paul formed the band in 2013 and Michael Westerkam joined the band with his unmistakable saxophone and backing vocals becoming an indispensable element in the sound of the bands. The trio plays an interesting mix of jazz, blues and hard rock seasoned with rum-soaked voices with some song sung in Spanish such as “Comer”, in which Latin rhythms merge with the blues rogue disreputable club. “Swine” offers us strong doses of boogie rock and rockabilly to a frenetic rhythm in contrast to “No Pain”, a track in which the blues is once again the band’s leitmotif wrapped in jazz vibrations from Michael’s saxophone, or the elegant “Jean Luc” and wet and seductive theme with rogue tones reminiscent of some nightclub in the middle of the morning.

The versatility of the album makes us find songs like “Giftler” in which the vintage passages are adorned with an attractive and subtle psychedelic with the blues present as in the rest of the album.

“0110” takes place under a dirty sound in which blues and garage-rock come together in a common cause adorned with lysergic effluvia and the usual jazzy doses.

Among more psychedelic atmospheres “Satana” puts the acid note to a raw but fresh work without giving up the most catchy and seductive blues. Here the band offers us its most experimental song.

“Lucky Luke” closes the album with piano chords, dispensing with the vocal registers and showing the band’s love for jazz and blues under cabaret rhythms.
This constellation of sounds could already be heard on his acclaimed self-titled EP released in 2017.

It‘s the first full length album and marks a highlight in the bands history.
The 10 songs were recorded by Daniel Schatz at the Primitive Studios Vienna in 2019.
Recorded ,Mixed & Produced by Daniel Schatz
Mastered by Martin Scheer
Album Artwork & Design by Lena Göbel
Layout & Web Graphics by Imaginería Del Mar Muerto.

Limited Edition Vinyl
Limited to 200 Pieces – 12“ Gatefold 180g Black Vinyl 33rpm
Limited to 100 Pieces – 12“ Gatefold 180g Solid Gold Vinyl 33rpm
Limited to 500 Pieces – Digipak CD
Pressed by Austro Vinyl

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Track list:

  1. Alchemist // 02:25
  2. Comer // 03:56
  3. Swine // 01:58
  4. No Pain // 03:27
  5. Giftler // 06:45
  6. Shag Yo Egedre // 03:33
  7. 0110 // 03:49
  8. Jean Luc // 06:43
  9. Satana // 06:33
  10. Lucky Luke // 03:38
    Total Length: 42:47


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Reseña: BLURRED REFLECTIONS.- “Blurred Reflections”

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Los duros tiempos del COVID han conseguido que algunos músicos aprovechen el confinamiento para componer, y en esta ocasión, Maurice Eggenschwiler, guitarra y cantante de BLUES FUNERAL y SANCTUS BELLUM ha aprovechado la cuarentena para desarrollar su proyecto en solitario bajo el nombre de BLURRED REFLECTIONS. Toda una paradoja que nos brinda la oportunidad de deleitarnos con un EP maravilloso en el que el músico de Houston se viste de etiqueta para componer seis bellas canciones que se alejan de las vibraciones pesadas a las que nos tiene acostumbrados con su banda. Toda una elegante exploración de sonidos en los que el jazz y la música progresiva quedan reflejadas con destreza como gran fuente de inspiración para que Maurice cumpla un antiguo deseo al explorar este tipo de terrenos musicales saliendo de su zona de confort. “BLURRED REFLECTIONS” examina nuestra relación con la naturaleza, la mente musical, el fracaso pasado, la introspección y la fortaleza del individuo. Musicalmente, las canciones se inspiran en bandas como: Opeth, Anekdoten, Steven Wilson, Al DiMeola, Camel o King Crimson, que son influencias cruciales para Maurice, incluyendo una instrumentación con elementos como piano, melotrón, órgano, cuerda de acero y guitarra acústica de nylon, así como guitarra eléctrica.

“Fallen sun” , en ese ambiente progresivo que preside todo el trabajo se deja llevar por delicadas melodías desarrolladas en un ambiente sinfónico. Elegantes pasajes de guitarra que toman elementos jazz conforman un aterciopelado corte en una relajada atmósfera en la que la lánguida voz de Maurice nos susurra con mimo. 

Sin salir de esa acolchada estancia en la que se desarrolla el tema anterior, “Green hallways” incide más en los elementos jazzísticos,  entre cuidados juegos de voces y coros arropados por un sinfonismo lleno de melancolía. 

Con las notas del piano clásico “Painted gray” se abre a luz desde la gris atmósfera de la que nace. Un tema sobrio que transita en un espacio soft-rock, progresivo en el que los ecos jazz siguen presentes como en la gran parte de los temas. Bajo ese ambiente melancólico, la belleza de los pasajes de guitarra dotan la canción de una elegancia sublime. 

Otra oda a la elegancia encontramos en “Stars in the void”. Melancólicos pasajes jazz se adornan con una delicada instrumentación para crear un nuevo espacio de belleza que bebe de las fuentes del sinfonismo de los setenta. Tonos grises en un derroche de sensibilidad compositiva. 

“Weightless Darkness” Es un paseo instrumental por pausadas atmósferas en las que la dualidad de guitarra acústica y eléctrica crean un espacio de belleza y relajación. Aquí, sin prisa el músico se deja llevar por momentos en los que la psicodelia aparece con moderación  para arrullarnos a través de dulces acordes que denotan la calidad que como músico tiene. 

Recuperando las voces y saliendo de la melancolía presente en prácticamente todos sus temas, los ritmos más pesados crea Gripped By Something More”,  el tema más luminoso de todo el trabajo. Diseñando las melodías para masajearnos, los elementos progresivos toman un gran peso en una de las canciones más elaborada de un trabajo sencillo pero maravilloso.