Reseña: MARTIN RUDE & JAKOB SKOTT DUO.- “The Discipline of Assent”

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Los músicos daneses Martin Rude (SUN RIVER) y Jakob Skøtt (CAUSA SUI) se unen bajo el proyecto MARTIN RUDE & JAKOB SKOTT DUO para crear un disco desafiante que rinde tributo a innovadores del jazz como Miles & Trane, Mingus o Sun Ra. Es completamente habitual ver a los miembros de CAUSA SUI en distintos proyectos en los que poder experimentar sin ataduras, aquí una vez más, su batería lo consigue. Estamos ante un trabajo no apto para todo tipo de oídos, un álbum que no entra al oyente a la primera, y que probablemente solo los más fanáticos del género puedan entender, pero aún así, tras varias escuchas, uno puede comprobar que hay mucha calidad en sus temas. Sustentado en la exploración de distintos ritmos de percusión arropados por bajo y sintetizadores principalmente, “THE DISCIPLINE OF ASSENT” juega con el free-jazz y la psicodelia exótica con un sonido estratificado en distintas capas improvisadas con algún elemento raga. El álbum fue grabado en una sesión el 3 de marzo y contó con la colaboración de Jonas Munk en la parte de sonido, antes de la edición efectuada por el propio Jakob manteniendo el espíritu de la improvisación.  Estamos ante la libre creatividad de dos talentosos músicos que plasman distintas atmósferas en temas dispares que no te dejarán indiferente. 

“THE DISCIPLINE OF ASSENT” está disponible vía El Paraiso Records.

“Flaiss & strands” nos introduce a un trabajo en el que la experimentación y la fusión son su leitmotiv. Ecos jazz sustentados en la increíble batería de Jakob jugando con distintos ritmos entre efectos para sumergirse en una especie de free-jazz no apta para todos los oídos. El resultado es un corte aparente inconexo en el que los instrumentos parecen ir completamente por libre. 

Recreándose con los tambores, “A new revival” muestra un gran trabajo de apoyo en el bajo de Martin. Creando una extraña atmósfera psicodélica y con la percusión algo más contenida en el avance del tema, el magnetismo del bajo nos invita a una exploración sideral apoyándose en los sintetizadores. 

En una apacible escenario de intrigante psicodelia “Aurelius Dye” adornado con aromas exóticos el dúo construye un compacto tema lleno de aromas refrescantes y la vez narcotizantes. Una belleza magnética hace que todo esté mucho más ensamblado y se muestre como un tema al uso, en detrimento de la libre experimentación. 

“Setenta y tres” supone el vértice del triángulo en el que la psicodelia los sonidos kraut y el jazz se unen en pos de un único fin. Sobre una atmósfera avant-garde los tambores vuelven a ser los protagonistas en este entorno de libre creación. 

Volviendo a la estructura tradicional de canción “Sequoia sketch” habita en un espacio de apacible psicodelia con suaves acordes bajo un manto lisérgico que cubre una estructura más sinfónica. 

Con vibrantes ritmos y un bajo lleno de magnetismo, “The slip” se construye ladrillo a ladrillo, De una forma anárquica y rodeado de extraños efectos el tema coge forma manteniendo la libertad compositiva.

“The short sun” retoma el espacio psicodélico vistiéndolo de una ambientación más campestre. Incorporando elementos sinfónicos sobre unos ritmos algo más contenidos van tejiendo un corte atmosférico con bellos y luminosos pasajes ensoñadores. En esta ocasión el dúo construyen un corte susurrante y plácido alejándose de alguna manera de la experimentación de la mayoría de las canciones del álbum. 

Los hipnóticos sonidos de vanguardia hacen acto de presencia en “Random treasures”. Inspirados en momentos free-jazz el tema contiene todo un catálogo de ritmos que juegan con los tiempos entre los extraños desarrollos de los sintetizadores. Aún así, el tema posee un gran magnetismo gracias a la cierta inclinación kraut que Jacob imprime a sus tambores.

Para cerrar el álbum nos encontramos con el tema más largo. “Mountain montage” con sus más de once minutos contrasta con la mayoría de los temas que rondan los tres minutos. El corte nos susurra con mágicos acordes de psicodelia exótica con los tambores y platillos mucho más contenidos. Un espacio de calma sobre bellas y delicadas armonías en las que la guitarra toma el protagonismo para regalarnos acolchados pasajes que nos acarician con delicadeza. En contra de lo que suele ser habitual, la larga duración del tema no presenta la experimentación que podría intuirse, sino que por el contrario consigue la canción más “al uso” de todos este peculiar trabajo. Un tema compacto, bien hilvanado, y que pone el colofón con brillantez a un trabajo en el que la experimentación es su meta. 

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Reseña: QUEEN MARSA.- “Queen Marsa EP”

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Los mallorquines QUEEN MARSA nos muestran todas sus credenciales con la magnífica carta de presentación que supone su EP debut “QUEEN MARSA EP”. Enraizados en el proto-metal de comienzos de los 70’s y en los momentos más vibrantes del hard rock salvaje de aquella década, no dudan en hacer uso de diferentes estilos para enriquecer sus temas. Ecos llegados del Seattle de los 90’s o arenosos y crujientes riffs más propios del desierto de California, así como pinceladas lisérgicas son elementos bien elaborados por QUEEN MARSA para crear un trabajo de puro rock primitivo salvaje.  Con influencias de Led Zeppelin o con el legado de bandas como Budgie, sus cinco poderosos temas golpean al oyente con contundencia sin olvidarse de los eternos Black Sabbath para aportar oscuridad en algunos momentos. Temas que se balancean entre riffs crudos y rudimentarios sobre hilos de heavy-blues ácidos más propios de Free. La ahogada y desgarradora voz de Manuel Pintos se desenvuelve con habilidad entre las espirales de las guitarras de Xavi y Toni para recordarnos que el rock clásico continúa tiniendo un gran espacio en la escena contemporánea. Precisamente trabajos como este, son los que me hacen seguir creyendo en el rock puro,  hecho con honestidad, sin poses. Cinco cortes de pura energía rock and roll ejecutados con esa actitud macarra tan propia del género en su inicios. Con mucho aroma vintage, las canciones logran pulirse para que no suenen añejas, y su contenido tenga notables elementos del stoner y desert-rock más contemporáneos, pero sin olvidar nunca de donde venimos. Todo un soplo de aire fresco desde las Islas Baleares que esperemos se extienda como una tormenta por los confines del continente, porque con este trabajo QUEEN MARSA, bien merecen tener el reconocimiento por un trabajo bien hecho.

Con trabajos previos en otras bandas como GRUPO SALVAJE, ZOMBI CARS, ROÑA o NOLO, QUEEN MARSA está formado por: Manuel Pintos (Voz), Xavi Cárceles (Guitarra),  Jaume Rado (Guitarra), Toni Coronado (Bajo) y Juan Bonet (Batería).

Disponible vía Discos Macarras y Runaway Records los temas fueron grabados en Can Puc Produccions por Enric Hernaiz, y masterizados por Hay Zeelen en Mastering Recording, avalado por su trabajo con formaciones como PRODIGY, SATYRICON o SEPULTURA.

Desde sus primeros riffs, “Cyclops” me evoca el sonido de BUDGIE, especialmente por ese registro vocal tan particular de Manuel, algo que va a ser una constante en todo el EP.. Hard rock en estado puro con el que la banda mallorquina nos golpea desde el primer riff, con ese regusto a puro rock setentero. Ecos proto-metal conjugados con buenas melodías y giros desérticos entre solos asesinos y alguna que otra pincelada psych. Sus surcos rezuman el sudor del rock atrevido, sin complejos crear un tema salvaje e irreverente.

Con una introducción más contemporánea, “Pretty witch” hereda ciertos momentos Sabbath, en un tema que se contonea entre momentos más propios del heavy-blues y una vocación stoner. Un groovy pegadizo y algún tono macarra hacen que el tema serpentee entre pasajes ácidos con esa ahogada y desgarrada voz y espacios más desérticos, en una efectiva conjunción a caballo entre Free y una banda desert-rock. 

“Ashes of pompey” desnuda cualquier complejo que pudiera tener la banda. Sus casi cinco minutos, y siendo el tema de mayor duración del álbum es un espacio perfecto para poner en el escaparate toda la calidad que atesora el quinteto. Un paseo por un bosque psicotrópico en el que los hongos mágicos parecen expandir efluvios lisérgicos sobre un acompasado y magnético bajo, el tema mantiene la esencia 70’s para conjugar con ecos más propios del sonido del Seattle de los 90’s e incluso con aditamentos del sonido del desierto. Una combinación efectiva de elementos que hacen que sea el corte más rico en matices de todos el trabajo. 

“Blood eagle” combina el proto-metal primitivo con un grueso sonido de bajo entre vibraciones arenosas impregnadas de ácido. La banda crea toda una nebulosa presidida por unos diabólicos tambores entre riffs hirientes que se desangran en una hemorragia de acidez. 

El trabajo cierra con “Bite my soul”, tema en el que el legado Zeppelin se muestra sin complejos entre riffs que se retuercen bajo un ritmo cadente que se inclina a un escenario más propio de los primeros setenta. Rock salvaje, crudo y primitivo que se cimbrea seductor para invitarnos a un frenesí de puro hard-rock con aroma vintage. Siempre usando las afiladas guitarras en el momento justo para que nuestra atención no decaiga ni un solo instante.    

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Reseña: TEN FOOT WIZARD.- “Get out of your mind”

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Potentes riffs construidos sobre temas con un fantástico groovy que jugetean con el blues, el funk y el hard-rock de los 70’s sin renunciar a la pesadez stoner y el metal, conforman el tercer trabajo de los británicos TEN FOOT WIZARD. Temas vivos y cautivadores en los que siempre vas a encontrar algo que te atrape. Uno de esos trabajos que puede seducir a amantes de diferentes géneros ya que aquí todo fluye de una forma natural y versatil y el equilibrio entre lo clásico y la pesadez contemporánea hace que pueda ser un gancho para un amplio espectro de publico.  Muchos encontrarán un aroma a Clutch, pero escarbando en sus surcos, también podrás disfrutar de un álbum fresco y atractivo en el que el rock es el protagonista, sin mas. Sin tomar prisioneros, y con un propósito de entretener, los británicos viven el rock’n’roll y la fiesta. Con sus riffs juggernaut, ritmos sexys y voces ardientes, la banda mezcla himnos de rock que se sienten bien y salpican polvo arenoso en unos temas divertidos y pegadizos, sin fisuras. Blues con sabor añejo y un groovy irresistible colorean temas arenosos y pesados que se miran en el hard-rock más clásico y primitivo.  “GET OUT OF YOUR MIND” es un álbum que transmite buenas vibraciones del primero al último tema, algo absolutamente necesario en los convulsos tiempos que vivimos, y que hará que a estos chicos se les respete en una escena que necesita de este tipo de propuestas. Con las cartas puestas encima de la mesa, solo queda disfrutar de gran un disco de rock and roll sin aditivos.

TEN FOOT WIZARD son Gary Harkin (voces y guitarra) Adam Henry (guitarra), Jonny Banyard (batería y percusión) y Emlyn Spiers (bajo). “GET OUT OF YOUR MIND” está disponible vía Bear of Zeus.

Namaste dickhead” nos ofrece un hard rock stonerizado con una grave voz llena de gancho y un feeling blusero. Un tema que posee un magnífico groovy y en el que destaca ese bajo que nos golpea con fuerza. Rabia vocal con distintas modulaciones bajo un ritmo que ondula acelerándose por momentos. Una sensación retro invade un tema que muestra una gran solidez, contundencia y que resulta de lo más pegadizo, sin prescindir de unas buenas dosis de fuzz extenuante.

Por un escenario en el que los ritmos funky están muy presentes, “Broken man” se nutre de psicodelia y blues con un sabor añejo, pero con resultado moderno y contemporáneo. El tema contiene arrancadas de fuerza arenosa bien aliñadas entre el espíritu funky tan presente en muchos de los temas del álbum. Avanzando hacia dictados stoner retro, el corte se contonea antes de arrollarnos con riffs stoner al uso bajo una avalancha arenosa bien trabajada.

“Noble lie” nos invita a balancear las melenas al viento con sus riffs de corte retro y ese fantástico groovy. Blues rudo de aspecto vintage y rock clásico sin renunciar a un groovy que funciona a la perfección con la inclinación funk entre esas fantásticas armonías vocales y ese ritmo contagiosos. Ramalazos de fuerza con riffs hirientes y humeantes como homenaje al mejor rock clásico, un buen ejemplo de cómo hacer rock de siempre con calidad.

Nuevamente esos atrayentes ritmos funky con un aroma parecido al que el mismísimo Brant Bjork nos viene mostrando en sus últimos trabajos aparece en “Summer love”. Con este nombre tan evocador estamos ante un tema luminoso en el que el crujiente sonido del bajo nos cautiva en una ceremonia de seducción para caer rendido a sus pies. Toda una montaña rusa llena de energía que invita a la fiesta arenosa bajo su estela de fuzz poderoso y efectivo.

Con olor a garito de carretera, “Get out your mind” y sus cadentes ritmos nos muestran el blues cadencioso. Cautivadoras armonías vocales y riffs retro con clara vocación desértica van modulando un corte que contiene garra y fuerza a partes iguales. Una conjunción de sonidos retro con guiños a Zappa que nos saca de la monotonía entre fantásticas guitarras y pegadizos ritmos entre algún tono psych.

Sin contemplaciones, “How low can you” y sus frenéticos riffs junto a ese bajo crujiente nos pone banda sonora a un viaje por el desierto con el blues como bandera. Stoner, blues y hard rock arrollador entre efluvios de peyote. Rudo, crudo y atrayente el chamánico tema no duda en acercarse a dictados casi doom. Un tema que ruge con fuerza para ahuyentar los malos espíritus entre riffs monolíticos y gruesos e intoxicantes pasajes.

Caminando por senda del stoner-doom, “Working towrds a bitter” es el corte más plomizo de este notable y versátil trabajo. Con terroríficas voces guturales salidas de las alcantarillas más infectas, los británicos dan gusto a los amantes de los sonidos más crudos y metálicos. Un tema que muta su carácter en su segunda mitad, para transitar por atmósferas psych en un turbio ambiente intoxicante. Sus efectivos riffs stoner son custodiados por un monolítico e impactante sonido de bajo.

Con un carácter rudo pero seductor, “King shit of fuck” nos ofrece una canción de hard-rock stonerizado de mucho peso. Serpenteantes ritmos que combinan heavy-blues y desert-rock entre ritmos pegadizos y una gran luminosidad. Como ya es habitual la fuerza inicial se transforma en atmósferas lisérgicas denotando que estos chicos no se encasillas en un único sonido, sino que son capaces de construir temas versátiles y resultones. Incluso, en su parte final hacen que los teclados construyan un relato con ciertos tonos épicos.

Formado en Manchester en 2009, TEN FOOT WIZARD comenzó como un grupo de rock stoner, pero rápidamente comenzó a incorporar elementos de punk, metal, blues, funk y psicodelia en una mezcla embriagadora de libertinaje sexy y difuso. Las apariciones en vivo junto a artistas respetados como Karma To Burn, Scissorfight, Pentagram, Witch Mountain o Elephant Tree han convertido a Ten Foot Wizard en un fenómeno en sus directos.

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Reseña: KINGNOMAD.- “Sagan Om Rymden”

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Con dos álbumes a sus espaldas y un split junto a BONEHAWK, los suecos KINGNOMAD en su nuevo álbum “SAGAN OM RYMDEN” consiguen un resultado estimulante a través de moldear los sonidos hard-progresivos herederos de los 70’s en una elegante combinación de melodías, órganos vintage y guitarras refinadas bajo una sólida y atractiva base rítmica. El cuarteto sigue evolucionando a terrenos más altos, sin detenerse. Supongo que algún día se descubrirá la fórmula secreta que hace tantas y tantas bandas llegadas de Suecia puedan elaborar trabajos con sonidos retro de tanta calidad, dotándolos de un aspecto atemporal y por otro lado contemporáneo. Un álbum que se aleja de estereotipos para combinar vientos de oriente con la tradición escandinava sin ningún tipo de fisuras en temas rezuman una frescura que en ocasiones  se echa de menos en algunas propuestas progresivas por la técnica, que de usar la música como lo que es, un vehículo para transmitir, y aquí, con unas composiciones impecables logran trasladornos sentimientos y sensaciones de una manera fluida. “SAGAN OM RYMDEN” ofrece un agradable paseo al oyente por atmósferas delicadas y acogedoras en las que no hay sitio para la monotonía. Tendiendo un puente entre el pasado y el presente, el cuarteto consigue sonar autentico. Un trabajo en el que los sonido retro cobran una nueva dimensión a través de temas serpenteantes, plácidos y exóticos en los que todos los elementos están medidos con mesura para que nada resulte excesivo. Siempre tomando la medida a las dosis de psicodelia, de ritmos pesados y de elegancia, pero sin caer en lo empalagoso y que bebe de la fuente inagotable de la escena progresiva sueca de los años setenta con su característico tributo a la tradicional y el folclore. Sin duda, KINGNOMAD sin hacer ruido, pisan fuerte con este álbum editado por Ripple Music.    

Mr. Jay (voz, guitarra, piano, sintetizadores) nos da pistas sobre el origen del sonido contenido en el álbum: “Cuando comencé a escribir este álbum, partí con una nueva perspectiva. Me sentí inspirado por los antiguos gigantes suecos del rock progresivo como Kaipa, Bo Hansson y Kebnekajse: de hecho, el título del álbum es un gran “sombrero para el difunto y genial Bo Hansson. Recogí instrumentos con los que no había escrito cosas de Kingnomad antes, como guitarra clásica, piano o poner el capo en lugares extraños”. en la guitarra eléctrica. Entonces empezarían a aparecer canciones extrañas y maravillosas “.
 

KINGNOMAD son:
Mr Jay – Voz, guitarra, piano y sintetizadores.
Mano – Batería, percusióny coros
Marcus – Guitarra y MicroKorg
Maximilian – Bajo y coros

“Omniverso” va directamente al grano, explorando los sonidos hard-progresivos de los 70’s adorna su cuidada instrumentación con pegadizas y seductoras voces y coros melodiosos. La banda deja claro que posee una inquebrantable base rítmica en un tema con paradas y acelerones, pero siempre mirando al frente. sus estilizadas guitarras afloran con elegancia arropadas por esos teclados que en un segundo plano cubren el tema con un sonido protector. Un mundo progresivo más propio del siglo pasado en el las melodías se conjugan apacibles pero vibrantes. 

En un ambiente más oscuro e inquietante, “Small beginigs” con su cadente ritmo entre notas envolventes de teclado nos adentra en un bosque mágico del que afloran voces melodiosas que nos acarician en un relato sombrío coloreado con pinceladas psicodélicas. Bajo un magnético ritmo en el que el bajo toma el protagonismo para señalar el camino a seguir en esa enigmática penumbra en la que se desarrolla. En un espacio más confortable, la guitarra se contonea seductora entre cuidadas voces creando hechizantes pasajes que no pierden la tensión. Nada parece inquietar a los suecos en su composición, tomándose cada nota con la calma requerida. 

Una alocada batería inicia “The Omega Experience”. un tema que se debate entre el proto-metal más primitivo y un escenario de blues en tonos vintage. Teclados, melodías y cambios de ritmo en un tema ondulante en el que los efectos aportan la acidez.  Un corte lleno de garra con extraños efectos que crean un inquietante y aterradores momentos mas propios de una narrativa de ficción que continúa mamando del manantial progresivo de los 70’s en el que el hammond aflora con brillantez, mientras las guitarras ponen la nota hard. Una perfecta conjunción de fuerza y buen uso de las melodías, algo que podemos encontrar en todos sus temas. 

Instalados en ese escenario psico-progresivo“Tillbakablick / The Usurper King” el tema más largo del álbum con sus mas de ocho minutos, hace evolucionar la esencia progresiva hacia unas vibraciones mas contemporáneas. Acercándose incluso a la frontera post-rock, y con delicadas incrustaciones psicodélicas, bajo un cadente y colorista ritmo las acarameladas voces nos susurran en un escenario luminoso. Combinando con destreza sus aterciopeladas melodías en una elegante primera parte, se despeñar por los cauces del hard-progresivo más ortodoxo. Consiguiendo un perfecto equilibrio entre lo pesado y lo elegante, sus reconfortantes voces nadan entre riffs más pesados en constantes giros y piruetas que hacen cambiar el carácter de la canción.  Culminando con buenas guitarras en su parte final, el tema es un antídoto contra la monotonía. 

Instalándose en un escenario más exótico, “Universe” es un tema colorista  que se nutre de ornamentos orientales dejando brillar las guitarras en todo su esplendor.  Incluso el mismo registro vocal toma exóticas modulaciones para mimetizarse con esas tonalidades singulares. Evolucionando hacia sonidos más psico-progresivos sus riffs se balancean seductores bajo unos inconmensurables tambores. Sus coros ensoñadores parecen alejarse de esos sonidos que tantas veces hemos visto llegar del norte de Europa para dejarse llevar por vientos mediterráneos llenos de frescura.

En un álbum de estas características no podía faltar un guiño al folclore, y este es “The Fermi paradox”. Una tema que se gesta sobre acordes acústicos de linaje tradicional con un canto que parece evocar a los ancestros en un ambiente de melancolía. Con un sonido que me recuerda a Jethro Tull en su modo más rural y campestre logran crean un bellísimo tema desde la más completa sencillez. 

Tras la relajación del corte anterior, “The creation hymn” se sumerge en una atmósfera progresiva bajo delicadas melodías y una instrumentación de lo mas atrayente. Sin estridencias van construyendo un corte suave con olor vintage. Delicado y seductor, el tema juega con las guitarras en ondulantes pasajes que aportan color a los tonos pálidos en los que se desarrolla. 

“On the soulders of giant” abre majestuosos con unos teclados más propios de los 80’s y ritmos más pesados.  Buscando el equilibrio entre lo liviano y lo plomizo, la seductora voz trata de arrullarnos entre los marciales tambores. En un entorno en el que conjugan tanto elementos progresivos como momentos hard, e incluso algún pasaje soft-rock, el corte se deja llevar por estilizados solos de guitarra que nos acercan a un escenario más psicodélico. En una línea a lo que habíamos visto semanas atrás en el último álbum de los noruegos SHAMAN ELEPHANT, el tema posee una gran riqueza compositiva conjugada en una sencilla apariencia que esconde mucha calidad en su interior.  

“The Unanswered Question” cierra el álbum por una senda experimental que toma algún elemento kraut para crear un nuevo tema hard-progresivo lleno de hipnotismo. Sus repetitivas armonías nos narcotizan para mecernos entre ondulantes pasajes del buen rock-progresivo contemporáneo. Guiños jazz y los juegos de las teclas crean un espacio de confort lleno de vida en el que se alejan de alguna manera de los ecos retro para ofrecer un tema actual en que los ritmos y armonías van transformándose en busca de un objetivo común. ·El resultado es mas que notable.   

KINGNOMAD se formó en 2014 en un pequeño pueblo forestal en el norte de Suecia. Mejores amigos y vecinos, Jay y Marcus tenían el deseo de crear una mezcla de sonido de los años 70, agradables arreglos vocales inquietantes y letras que pudieran llevarte a mundos oscuros y distantes. El maestro del bajo Maximilian fue reclutado rápidamente, junto con el legendario baterista punk Andreas. Se grabaron cinco canciones y llamaron la atención del sello independiente estadounidense Ripple Music, que lanzó cuatro de ellas en su serie de vinilo dividido ‘Second Coming of Heavy’.
En 2017,  KINGNOMAD lanzaron su álbum debut MAPPING THE INNER VOID”, una pieza psicodélica pesada llena de paisajes sonoros lovecraftianos. Las canciones siguieron llegando, lo que llevó rápidamente a su seguimiento “THE GREAT NOTHING” en 2018. Con el nuevo baterista Mano a bordo, crean este maravilloso  “SAGAN OM RYMDEN”.

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Reseña: ASIMOV AND THE HIDDEN CIRCUS.- “Flowers”

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Todo un trance devocional por atmósferas de psicodelia pesada con exóticos aromas orientales el que nos ofrecen los portugueses ASIMOV en su cuarto álbum “FLOWERS”. Un fascinante trabajo lleno de espiritualidad construido sobre bellas melodias cautivadoras. En esta ocasión el trío incorpora a Joana Guerra para un determinante trabajo con el violonchelo y a Peter Wood en la segunda guitarra lo que hace que todos los temas adquieran dimensiones épicas. El álbum conjuga la psicodelia de bandas como LAMP OF THE UNIVERSE o YAHOWA 13 junto a otros elementos más propios de la escena stoner dotando sus ritmos tribales de gran fuerza. Aquí todo es bello, sólido y a la vez liviano y sugerente. Todo un canto seductor que invita a la meditación con momentos west-coast y atmósferas de gran acidez con una lisergia amortiguada por ese mágico sonido del cello y unas voces y coros completamente seductores. La versatilidad nos lleva a encontrar ecos mediterráneos en una apuesta que explora el exotismo entre brumosas atmósferas con olor a incienso. Los riffs pesados complementan los vaporosos momentos psicotrópicos creando un apacible y logrado caleidoscopio sonoro  para conseguir un espacio meditativo y reflexivo que nos aleje de lo terrenal. Los temas se balancean entre cuidadas melodías de las que aflora toda la fuerza unas poderosas guitarras que consiguen introducirnos en un agujero negro de confort narcótico. Sin duda, “FLOWERS” es el mejor trabajo de una banda con un década de trabajo a sus espaldas, en la que no ha dejado de madurar huyendo de cualquier estereotipo y sin titubear a la hora de enriquecer sus temas con distintas texturas e influencias.  

“FLOWERS” está disponible vía Irene Records Vinil Experience 

El trabajo parte con “People of the mountain sermon”, Un tema presidido por la psicodelia con aromas orientales. Entre hipnóticos ritmos el misticismo de la voz aireada con exóticos vientos pseudo arábigos los portugueses crean un mantra sonoro de proporciones monumentales. Un tema gratificante y lleno de magnetismo, una de esas canciones que tras la primera escucha te ha atrapado en unos surcos llenos de una belleza meditativa ideal para la introspección. Relajante y sanador cada uno de sus acordes sirve de terapia anti estrés bajo sus bellas melodías con olor a incienso.  

Entre acordes acústicos y riffs heavy-psych se va cocinando “The seeker”.  Un corte con aroma a west-coast lleno de una espiritualidad heredera de bandas como YAHOWA-13 en el que no faltan los solo ácidos y corrosivos. De aspecto frágil pero con unas entrañas sólidas fluye con toda su fuerza entre su vocación mística. 

“Until the morning comes” levita entre hipnóticos acordes sobre coros chamánicos para elevarse sobre un escenario más stoner sin renunciar a sus genes psicodélicos.  Sin duda su misticismo sigue latente entre riffs que se elevan ofreciendo una dimensión algo más pesada.

En una línea parecida, “Shaman sacrifice”, aporta intensidad con sis prietos riffs. Un tema con cadentes ritmos que nos invita a un paseo por boscosos parajes entre tambores tribales que auguran que algo va a suceder. En esa espesura psicotrópica se desarrollan momentos ensoñadores de gran fuerza en una combinación efectiva y atractiva. Huyendo de los mantras, los portugueses experimentan con sonidos que no abandonan la psicodelia colorista en la que se mueve todo el trabajo. El tema es el escenario para el desarrollo de buenos solos entre una cuidad y compleja instrumentación. 

Bajando la intensidad y dejándose llevar por un nuevo mantra, “Shadows of the summer” con sus cadentes ritmos nos va guiando por una nueva ruta psicodélica. Coqueteando con los sonidos heavy-psych más ortodoxos construyen un tema lleno de hipnotismo. Partiendo de la calma el tema evoluciona lentamente a un entorno más ácido en el que las guitarra van creando una bacanal con sus punzantes y humeantes solos entre exóticos pasajes que mantienen esa mística oriental. 

Bajo acordes acústicos con un cierto aroma mediterráneo nace “The merchant”.   otro tema con olor a especies en el que los aromar de oriente colorean unos ritmos atractivos y espirituales. Seducidos por el misticismo oriental, los elementos folclóricos aparecen entre coros de tonos arábigos entre una intoxicante neblina psicotrópica. Entre violines y el sonido del cello, el tema nos traslada a momentos medievales en un relato de cuentos y leyendas del pasado alejándose de los ritmos pesados y tomando elementos más tradicionales.  

“The healer” cierra el álbum por una senda mas pesada que los temas anteriores. Sin perder la espiritualidad predominante en “FLOWERS” los repetitivos riffs soportan los chamánicos coros creando un espacio hipnótico y ritual que atrapa al oyente.  Un espacio turbio y narcótico que se colorea con el cello en un ritual magnético y cautivador. Un escenario casi kraut que no ceja en su empeño de crear un atractivo tapiz colorista que sucumbe al espacio espiritual que hace que nos alejemos de la realidad para entrar en un mundo mágico. 

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