Reseña: MR. BISON.- “Seaward”

Un cautivador viaje musical único y salvaje lleno de psicodelia y delirios de fuzz virtuoso, así como numerosas incursiones progresivas conforman el que probablemente sea el mejor álbum del trio italiano.. Si algo puede llamar la atención de MR. BISON, es la ausencia de bajo y la dupla de guitarras que crean verdaderos muros de sonido, una circunstancia que pasa desapercibida al escuchar ‘SEAWARD’, el cuarto álbum del trío italiano. Un trabajo conceptual que se inspira en la leyenda de las siete perlas del mar Tirreno y en un horizonte imaginario. Narrando mitos estrechamente relacionados con el mar, desde la magia de las Sirenas y el sacrificio de Andrómeda hasta las heroicas aventuras de Ulises y la despiadada maldición de Escila. Temas chamánicos que se sumergen en frondosas atmósferas psicotrópicas. Sin bajar el pistón en ninguno de los temas, presentado cada canción con gran cohesión para lograr un éxtasis abrumador.  Su inspiración entre mitos y leyendas hace que consigan reflejar las siete perlas del Tirreno en un collar en forma de canciones que son siete joyas con muchos kilates. Pesado, psicodélico y por momentos monumental, el álbum no tiene pausa en su relato, todo fluye con agilidad. Poderoso y grandilocuente consiguen excitarnos y relajarnos a partes iguales lo cual es todo un aval para sumergirse en su escucha sin complejos.

Cuando en un mismo trabajo logras conjugar vibraciones de bandas aparentemente tan dispares como Hendrix, Earthless, Genesis, Sabbath, Pink Floyd, Motorpsycho (especialmente) o King Crimson con el sonido de las más punteras bandas del stoner, es que algo están haciendo bien. Si a eso añades juegos vocales más propios de Crosby, Stills & Nash, podríamos decir que estamos ante toda una joya de la orfebrería musical de la escena underground contemporánea. Psicodelia pesada, hard de los setenta desarrollos progresivos y blues se unen en la causa común que supone ‘SEAWARD’; el resultado es sencillamente brillante.

El LP fue grabado por Matteo Barsacchi habiendo sido mezclado y masterizado en Audio Design Recordings por el productor Jordan Andreen (Earthless, Sacri Monti), la portada fue obra de Robin Gnista ‘SEAWARD’ está disponible vía Subsound Records y Ripple Music.

MR.BISON son: Matteo Barsacchi (guitarra y voz), Matteo D’Ignazi (batería , voces y efectos) y Matteo Sciocchetto (guitarra y voz).

Una intr0ducción atmosférica en ‘Seaward’ el tema que abre y da nombre al álbum, da paso a poderoso riffs Stoner entre voces místicas. En un espacio psico progresivo de gran pesadez el tema desprende aromas a 70’s. La efectiva combinación de las dos guitarras en distintos planos permite que el tema se muestre monumental… Los poderosos tambores que marcan el devenir del tema son contrarrestados por desarrollos de guitarra embutidos en sonidos psicotrópicas. Los italianos abren de una forma grandilocuente adoptado armonías que gravitan entre Yes y los contemporáneos dictados stoner. ¡Sin hacer prisioneros!

Esos ecos del heavy-progresivo de finales de los 70’s aparecen también en ‘From the abyss’ Arrancadas de furia frenética se conjugan con dulces melodías que amansan la fiera. Delicados y susurrantes pasajes progresivos nos arrullan en un canto seductor. Una de las características de la banda es esa complejidad compositiva que hace que los temas pasen por distintas fases en un balanceo constante entre lo pesado y ampuloso y los delicado y sutil. Aquí las guitarras vuelven a brillar con luz propia. Desde momentos heavy-rock hasta otros sinfónicos el tema no deja espacio para el aburrimiento.

La psicodelia pesada de ‘In the storm’ florece vigorosa para deambular durante casi ocho minutos por un espacio cambiante y principalmente psicodélico. El tema es un perfecto escaparate para el desarrollo de toda la capacidad compositiva del trio. Largos pasajes con momentos algodonados más propios de Genesis, entre repetitivos ritmos casi stoner logran combinarse sin que nada resulte superfluo. Otro corte psico-progresivo de gran pesadez que crea distintos espacios entre la relajación y lo aturdidor.

‘Oudeis’ se sumerge en esa enigmática atmosfera narcótica en la que vive el álbum mostrándonos toda la fuerza de una banda que también sabe ofrecer momentos casi doom con momentos Sabbath. Nuevamente exuberantes desarrollos de la dupla de guitarra emprenden una huida al pasado con pasajes proto-metal en los que la neblina nos envuelve. Desgarradoras armonías vocales complementan este coctel explosivo de estilos. Momentos heavy-rock con pasajes que nuevamente me evocan a Yes, especialmente por las voces y coros.  Guitarras que aúllan cual lobo en la noche con la luna como testigo aparecen en un frenesí arrollador que muta constantemente en sus formas y sonidos. El tema que más huele a 70’s, contiene momentos verdaderamente desgarradores.

Rezumando Hard rock de muchos kilates con momentos más propios de Earthless, ‘The sacrifice’ evoca parajes campestres con ciertas dosis de melancolía en un relato fornido y penetrante. Toda una bacanal de solos entre esos tambores que lo arrollan todo. Fuerza, pesadez, y contundencia aparente desordenada que finalmente parece encontrarse en un punto en común. A pesar del frenesí, los vestigios del género progresivo italiano de los setenta aparecen entre pesados enardecidos riffs que nos golpean una y otra vez.

Los ondulantes y repetitivos riffs de ‘Underwater’ parecen anunciar el presagio de toda una epopeya en su apertura. Con sonido más propio de Motorpsycho, los italianos crean una espiral de sonidos arrulladores y reconfortantes entre su densa instrumentación. Con una aparente anarquía consiguen hacer que las piezas encajen. Sus oscilaciones tonales preceden a momentos psicodélicos con aromas setenteros. Buenas melodías vocales entre las tupidas armonías consiguen crear un entorno aparentemente apacible, pero lleno de fuerza, como demuestran sus desgarradores pasajes vocales.  Una modulación que se balancea entre cautivadoras atmósferas.

‘The curse’”, entre una explosión de fuzz se desarrollacon constantes oscilaciones. Susurrante y cálido, sin perder su aura psicodélica va evolucionando con lentitud hacia espacios más pesados. En un espacio nebuloso el trio se mueve con destreza para sacarnos a entorno más luminosos y grandilocuentes. Sigue resultando fascinante comprobar como dos guitarras y una poderosa batería consiguen crean un corte de semejantes proporciones. Aromatizando el tema con esencias orientales consiguen que hacernos partícipes de su narrativa.

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Reseña: ELECTRIC MOON.- “Live At Freak Valley Festival 2.019”

En la primavera de 2019 por fin se alinearon los astros para mí, y además, por partida doble. Desde hacía mucho tiempo estaba entre mis objetivos poder visitar el mítico festival alemán, y también poder ver en directo a ELECTRIC MOON, afortunadamente para mí, en la última edición de Freak Valley Festival, ambos deseos se cumplieron. Teniendo en cuenta que desde hace un tiempo tengo un estrecho contacto con su guitarrista Dave, propietario del sello Sulatron Records, tener la posibilidad de encontrarnos en persona hace que su show y este álbum sean especiales para mí.

En activo desde hace más de una década y con más de 20 álbumes publicados (muchos de ellos en directo), ELECTRIC MOON son todo un referente en la escena psicodélica espacial de tintes kraut. Sus largas jams improvisadas son un escenario para la experimentación más psicotrópica, y en este su nuevo álbum, lo dejan patente. Tras varias horas de festival la media noche había llegado y con un cielo amenazador, la tormenta hasta ese momento nos había respetado, pero otro tipo de tormenta iba a descargar sobre nosotros. Un escenario cubierto de luces azules y el silencio recibían al trío alemán. Sula, Lulu ya habían tomado posiciones en el escenario, y afinaban sus instrumentos antes de que el “viaje” comenzara. Los efectos de Sula y los platillos de la batería de Pablo, con una Lulu arrodillada en el escenario junto a su bajo, nos iniciaban en una odisea lisérgica de tintes espaciales llena de misticismo. Si por algo han destacado siempre ELECTRIC MOON es por su capacidad para las improvisaciones psicodélicas y en esta ocasión no iba a ser para menos. Su show transitó por insondables espacios que hacían que nuestros cerebros despegarán de la tierra para visitar una nueva dimensión como refleja este álbum con un impecable sonido.

LIVE AT FREAK VALLEY FESTIVAL 2019’ está compuesto por tres largas jams que rondan los 20 minutos cada y dos temas que completan los setenta minutos de su duración. Con la formación que los vio nacer con Dave Smith (Sula Bassana) a la guitarra y casio, Lulu Neubeck (Komet Lulú) al bajo y Pablo Carneval a la batería nos ofrecen un trance hacia una dimensión sensorial en la somos estimulados por sus magnéticos desarrollos instrumentales. Reverberaciones, efectos y ritmos kraut herederos de sus paisanos de los 70’s y pioneros del género, completan un álbum mágico. Todo un hechizo sensorial para los allí presentes, pero también para los que disfruten del álbum en el calor de su hogar. ‘LIVE AT FREAK VALLEY FESTIVAL 2019’ es el reflejo de una noche mágica en la que ELECTRIC MOON, dejaron patente el porqué de la reputación que atesoran.

El concierto fue transmitido en vivo por el canal alemán Rockpalast y la masterización y mezcla corrió a cargo del reputado Ranko Snchenidr en un trabajo que refleja a la perfección el sonido que pudimos vivir “in situ”.

LIVE AT FREAK VALLEY FESTIVAL 2019” está disponible en CD vía Sulatron Records, y será editado en vinilo vía Rock Freak Records.

El álbum abre con ‘Increase’, entre efectos y loops el trance hacia dimensiones desconocidas parte de una forma hipnótica. Sin ningún tipo de prisa van construyendo un espacio gravitario que tarda en comenzar a elevarse. Algunos acordes místicos completan la ceremonia de despegue hacia el interior de esa “luna eléctrica” llena de un magnetismo que nos atrapa irremediablemente. La fase del despegue culmina con unos impactantes solos de guitarra y unos tambores que aportan una fuerza inusitada a la nave nodriza de la banda. Tras siete minutos de larga introducción, ya no hay vuelta atrás. Todo envuelto entre sustancias psicotrópicas el tortuoso viaje hacia los confines del universo ha comenzado. Su apuesta de rock espacial evocadora de los dictados de Hawkwind, robustece el tema entre efectos a mod de estrellas fugaces. Llegados aquí todo se vuelve alucinógeno. Puro rock ácido y pesado sin perder sus genes espaciales que explota en un frenesí implacable que nos golpea con todo su poder entre incesantes efectos hasta el alunizaje final en algún remoto lugar de los confines del universo. Un tema intenso y envolvente que hace las delicias de los presentes como demuestra la ovación registrada.

Con una introducción en una línea más floydiana ’777’ da paso a un torbellino de rock ácido entre incesantes ritmos kraut. Un tema pesado con mucho fuzz que nos envuelve en una orgía ácida llena de hipnotismo. Una arrolladora jam ejecutada a la velocidad de la luz que pasa por encima del oyente dejando un rastro desolador en sus diez primeros minutos. Tras la tempestad llega una aparente calma para tomar fuerza y rearmarse tornándose más espacial sin perder su ímpetu. Tras un cuarto de hora de intensidad el tema reposa flotando en espacios siderales de los que sale con gran intensidad retomando su carácter inicial. En su parte final. Apoteósico y exuberante. 

Sin salirse de los dictados kraut, ‘The picture’ tema incluido en el álbum ‘THEORY OF MIND’ sigue incidiendo en el carácter más espacial del trio. ELECTRIC MOON crean una espiral lisérgica de proporciones descomunales. La faceta más contundente de la banda queda reflejada en los repetitivos ritmos entre los efectos siderales de una de las bandas que mejor domina el género. Una vorágine de efectos con el bajo de Lulu golpeándonos con fuerza en un hechizo implacable que nos traslada a lo desconocido entre robóticos ritmos.  La experimentación en estado con arrancadas endiabladas y parones para reponer energías en una nueva odisea espacial llena de pesadez. Un tema ruidoso y con una energía endiablada.

El álbum continúa con “D-Tune. Un tema de ocho minutos perteneciente a su álbum ‘LUNATIC REVENGE’’. En el que el misticismo regresa gracias a las bellas armonías que exhuma la guitarra de Sula. Un corte con el que no necesitas alucinógenos ni sustancias psicotrópicas ya que en cada acorde puedes encontrar tu dosis. Aquí van más directo por un camino más clásico sin abandonar la constante experimentación innata en la banda. Rock ácido en estado puro sin perder la vocación espacial.

‘Der Mondsenator auf dem Weg zur Erde’ cierra el álbum con tres minutos acústicos llenos de belleza en los que Sula se toma las cosas con calma acompañado de la percusión de Pablo y que fue grabado en una sesión acústica que ofrecieron en el backstage. Un complemento perfecto del que no se pudo disfrutar en el escenario principal.

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Reseña: ACID MOON AND THE PREGNANT SUN.- “Speakin’ Of The Devil”

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“SPEAKIN’ OF THE DEVIL” es el álbum debut de la banda de Tel Aviv (Israel) ACID MOON AND THE PREGNANT SUN, una especie de supergrupo formado por Aviran Haviv y Omer Haviv bajista y guitarra de THE GREAT MACHINE en unión con diversos músicos de la escena israelita. Un cuidado y delicado trabajo en el que no vas a encontrar riffs poderosos y esa actitud punk que caracteriza a la banda, sino que te vas a embarcar en un túnel del tiempo a la California mas florida de finales de los sesenta, a las vastas praderas en las que la banda sonora es la música country y americana, al rock ácido de los primeros 70’s entre exóticos aromas mediterráneos de psicodelia colorista, o la los momentos garage rock más primitivos. Su evocadora portada, es una invitación a explorar un contenido al que hace justicia. Siempre ofreciendo el lado más melódico en canciones que rezuman sentimientos y que inevitablemente nos evocan épocas pasadas. Siempre es agradable ver a unos músicos saliendo de la zona de confort del estilo que les hace populares para, sin ataduras experimentar con otras vibraciones que nunca han visto la luz. En esta ocasión, se percibe a una banda llena de frescura, una banda que se mueve como pez en el agua por estilos que probablemente nunca nos hubiéramos imaginado, pero que a la postre, supone todo un regalo para el oyente. Son distintas las influencias que podemos encontrar en estos surcos, desde un sonido evocador de Jefferson Airplane, hasta momentos de loner-folk, más propios de un híbrido entre Johnny Cash, Marc Benno o Tom Waits. Puede parecer algo demasiado meloso, pero por el contrario el groovy contagioso de los primeros Rolling Stones también aparecen para brillo a alguno de los temas. Unas canciones que también tomas prestados los sonidos tradicionales de su tierra, para adornar unas canciones bien construidas. La participación de gran numero de músicos israelitas más habituados a distintos estilos, solo hace que enriquecer a este proyecto llamado ACID MOON AND THE PREGNANT SUN. La pregunta es: Después de este sobresaliente álbum, ¿La banda tendrá continuidad con nuevos trabajos?? Como decía Bob Dylan: “La respuesta está en el viento….”

El álbum abre con los sonidos americana de “I love you”, aderezados con psicodelia aromatizada de tonos orientales. Entre armonías garage-rock el tema nos traslada al espectro mas underground de los 60’s. Cuidadas melodías con bordes ásperos y primitivos. un tema ondulante y envolvente que guarda un espacio para atmósferas lisérgicas que lo hacen cambiar de aspecto. Un tema fresco y pegadizo que supone una magnífica carta de presentación de este nuevo proyecto. 

Con una apertura mas rockera, “Speakin’ of the devil” se viste con el sonido de los 70’s. Evocando ambientes rurales los aromas sureños arropan una quebrada sobre medios tiempos. En un escenario casi country la desgarradora voz se balancea entre acordes acústicos. Un bello tema con olor  a brisa campestre por una senda que me evoca a Marc Benno o Delaney Bramlett. Evidentemente estamos ante un sonido alejado del que practica THE GREAT MACHINE, por lo que no salgo de mi asombro. En una nueva pirueta controlada, la parte final se desarrolla en ritmos boogie rock más dinámicos entre buenos solos de guitarra. 

Juegos de percusión nos introducen en “Creatures of the abyss” para hacernos flotar en algodonadas atmósferas sureñas con acolchados prados. Con los teclados y la percusión como protagonistas y entre arrancadas y parones, el tema coquetea con elementos jazz, folk, y hasta progresivos para ofrecernos una cara distinta de la que comenzó. Ornamentos exóticos dan dar brillo a otro notable tema lleno de calidad.

En un espacio más progresivo y con reminiscencias freak “Wide”, rezuma sabor a west-coast y a bandas como TRAFFIC. Olor a marihuana y flores en el pelo con ecos de JEFFERSON AIRPLANE por los cuatro costados. Con buenos momentos psicotrópicos la canción es un caleidoscopio multicolor. Ritmos hipnótico y pegadizos que nos sumen en un viaje ácido de mucha calidad.  Sintetizadores y efectos completan un tema que cualquiera, tras su escucha, dataría en la California de 1967. ¡¡¡Absolutamente brutal!!!

Latiendo con acordes acústicos “Brith sky at night” nos seduce con su bella melodía y la calidez de una voz que denota melancolía. Otra bella canción sencilla y llena de sentimientos con cuidados y delicados acordes de gran sencillez.  Una armonía repetida entre sutiles ritmos que acaba atrayéndome de nuevo. 

Instalados en esas apacibles atmósferas, los israelitas construyen “Save me”. Nuevamente los ecos west-coast con ritmos stonianos van construyendo otro espacio colorista con sabor a 70’s. Un tema que van moldeando con cuidado usando distintas influencias sonoras. siempre con pincelas, consiguen moldear un tema que conjuga elementos eléctricos y acústicos entre guitarras coloristas y riffs mas propios del dúo RichardsJagger en los primeros años de los Stones. Una canción envuelta en un atrayente manto vintage. 

A modo de epílogo “Sparrow”, nace de sosegados acordes de tonos rurales llenos de melancolía. El folk triste de voz aguardentosa entre Johnny Cash y Tom Waits fluyendo entre armonías con ecos sureños con desgarrador relato de añoranza y melancolía pone el epílogo a un sorprendente y sobresaliente trabajo. 

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Reseña: ANDROMEDA SPACE RITUAL.- “All Shades Of Perception”

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Los polacos ANDROMEDA SPACE RITUAL tratan de poner en nuestros oídos un pedazo del universo con su álbum debut “ALL SHADES OF PERCEPTION”. Si, nuevamente otra banda nacida en Polonia dominando los confines de la psicodelia pesada con maestría. No se trata de obsesión personal con este país, pero cada día nos vuelve a sorprender una nueva formación de la escena underground polaca con un álbum magnífico. Un caso probablemente digno de estudio, pero de cualquier manera, me gratifica enormemente. Llevamos tiempo comprobando como se manejan estas bandas con el psycho-doom, pero ANDROMEDA SPACE RITUAL parece querer ir mas allá, y explorar los límites del espacio exterior embarcados en una nave que toma su energía de la  ayuhuasca o de dietilamida, para crear verdaderos espacios psicotrópicos que invitan a dejarte llevar por su magnetismo. Su vocación espacial queda de manifiesto en cinco largos temas en los que las atmósferas narcóticas carentes de gravidez, se exploran con gran acierto. Pasajes que se construyen con calma, sin dejar nada al azar, y que a la postre suponen un apetecible plato gourmet para los amantes más puristas de la psicodelia del Siglo XXI. Heavy-psych a veces ortodoxa, pero en otras ocasiones, que toman rasgos de ciencia ficción, en una narrativa cinematográfica que consigue hacer partícipe al oyente del trance sensorial al que nos invitan cada uno de sus temas. Con algunos pasajes floydianos contrastando con otros más pesados, el cuarteto no reniega de la electrónica, si bien en pequeñas dosis. La guitarra emanando efluvios lisérgicos arropada por el sutil sonido de unos sintetizadores que cumplen su papel con el soporte de un poderoso y cadente bajo.  “ALL SHADES OF PERCEPTION” contiene algunos de los mejores pasajes de psicodelia espacial que he escuchado en mucho tiempo, por lo que invito a cualquier amante del género a que se una a este viaje sensorial a través de los confines del universo. 

ANDROMEDA SPACE RITUAL son: Marcin Bis (guitarra), Mariusz Łyżwa (batería), Dominik Spasówka (sintetizador) y Kamil Lasonczyk (bajo).

“Signs of the unseen” pone la nave espacial polaca en funcionamiento entre efectos siderales. Acordes netamente lisérgicos van creando una atmósfera que nos invita a todo un viaje sensorial. Ensamblando con esmero las notas más graves con una guitarra que gusta del uso de los pedales nos sumergen en un mundo mágico en el que todo sucede con una gratificante calma. Bellos pasajes que invitan a un trance en el que lo terrenal no parece tener cabida. Flotando entre narcóticas nubes los pasajes drone aportan esa mística atrayente que enriquece su psicodelia. Lo espiritual y lo sensorial dominando un entorno en el que los asteroides son los invitados en esa nueva dimensión. Aquí encontramos gratificantes efluvios que nos reconfortan y atrapan en un tema para escuchar bajo luz tenue en un ambiente relajado. El corte poco a poco se va tornando más aturdidor entre una tormenta de efectos y sintetizadores envuelto en el sonido de la galaxia embarcados en la nave psicotrópica de los polacos. El tema contiene alguno de los mejores pasajes de psicodelia espacial que he escuchado en tiempos. Quince minutos magnéticos y hechizantes que dan cuenta de la calidad de esta fantástica banda.
El sonido de los sintetizadores abre “Lazarus”. Inmersos en ese escenario espacial, a diferencia del corte anterior, la guitarra desaparece en su tarea de aportar la acidez a los temas para dejar el espacio en el que la propuesta electrónica adquiere el protagonismo con los sintetizadores como únicos actores.  
“Relay” trascurre bajo pasajes heavy-psych de manual añadiendo elementos exóticos al sonido de la guitarra. Una guitarra que nos invade con solos psicotrópicos de los que de cada nota emanan sustancias lisérgicas que van directas a nuestras neuronas. Generando un clima hipnótico el bajo y una cadente batería hacen el resto en un tema pesado que no pierde esa estela espacial en la tan bien se mueven. Tras los tres primeros minutos, la canción gravita hacia espacios desconocidos en lo más profundo de la galaxia con una narrativa casi cinematográfica describiendo el inquietante transitar por esos entornos intergalácticos.  La banda consigue absorber al oyente haciéndole partícipe de un relato que pasa por distintas tres fases diferenciadas para acabar diluyéndose en un entorno clónico del que partió. Toda una odisea psico-espacial de dimensiones descomunales construida desde la pausa y la calma.
Con una apertura de tintes floydianos, “Bulletcluster!” nos sumerge en nuevo espacio sonoro con insondables y atrayentes pasajes en los que cada nota se percibe con completa nitidez. Abriendo nuestros sentidos el tema nos atrapa en un entorno más hostil en el que nuevamente el hipnótico bajo nos hechiza para sumirnos en otra bacanal sensorial. Sustituyendo a una ingesta de ayahuasca, el carácter sanador del tema nos redime de las malas vibraciones para ofrecernos un mundo irreal con nueves de colores sobrevolando entre una pesadez subliminal en el que nos hacen caer atrapados. Como epilogo, un majestuoso y épico órgano pastoral pone el cierre al tema.
“Telepath” nos reitera la invitación a los enigmáticos espacios siderales en los que el silencio es el amo. Casi a hurtadillas, cada nota aflora en un génesis particular. Rock espacial en estado puro, en el que los vestigios de Pink Floyd vuelven a aparecer en una lenta pero implacable evolución adornada con bellas melodías de ensueño. Todo un despertar a un nuevo mundo regido por ecos post….. Entre una bruma espacial y sus efectos, la banda se inclina por pasajes que flirtean con los estándares post-rock antes de engrosar sus riffs a un territorio más propio del stoner instrumental. Estos chicos parecen conocer bien todas las fronteras de la psicodelia, explorando todos sus confines hasta fusionarlo con otras reverberaciones afines.

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Reseña: HAMMADA.- “Atmos”

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Después de un par de EP’s y varios single HAMMADA publica su álbum debut “ATMOS”. Los prometedores singles que había publicado como adelanto de este trabajo hacían prever que algo grande estaba por llegar. Tonos vintage sobre ritmos arenosos con altas dosis de fuzz lisérgico y una cruda voz que nos traslada décadas atrás. Un collage efectivo en el que los monolíticos riffs stoner-doom con un terrorífico sonido bajo se conjuga entre efluvios heavy-psych con una resultado que nos aleja de la monotonía. El cuarteto de Freiberg se ha tomado su tiempo desde su fundación en 2012 para publicar su primer larga duración, pero sin ningún género de dudas, la espera ha merecido la pena. una hora intensa y vibrante en la que los muros de sonido son coloreados con bellos pasajes lisérgicos. A caballo entre el sonido arenoso de bandas como LOWRIDER y los dictados de la psicodelia pesada alemana de bandas como Rotor o Colour Haze consiguen crear un álbum monumental, lleno de una épica atrayente que consigue absorber al oyente entre sus surcos. Huyendo de la monotonía,  cada tema tiene algo que aportarnos, siempre ondulantes, crudos y pesados, pero también delicados y sorprendentes, HAMMADA tienen la facilidad de modular sus canciones dotándolas de elementos que hacen que resulten de los mas atractivas y cautivadora. Con alguna pincelada llegada de los 70’s e incluso con leves momentos blues, la vocación stoner de la banda no admite dudas, pero tampoco las admite su faceta más “viajera”. un viaje, que siempre nos ofrece grandes momentos de felicidad. Sus canciones se caracterizan por numerosos cambios de ritmo, una mezcla equilibrada de melodías atmosféricas y paisajes sonoros más duros, así como voces potentes.

HAMMADA son: Kristian Schulze (voces y organo) Christian Döring (guitarras y sintetizadores), Lenz Fiedler (bajo) y Sönke Tautorus (batería) “ATMOS” fue grabado, mezclado en Barren Rock Studio y masterizado en Yeti Cave Sounds. 

Una introducción atmosférica con sintetizadores es el punto de partida de “Occasus”. Sobre un entorno heavy-psych el cuarteto alemán nos embarca en un viaje en el que los tonos vintage se sustentan en sólidos ritmos que se colorean con efluvios lisérgicos. Crudos, sus crujientes riffs stoner combinan elementos de psicodelia con ecos llegados de los 70’s. Un tema colorista con vestigios del sonido ROTOR en sus surcos y una voz que juega con registros melódicos en contraposición con otros mucho más desgarradores en una ondulación constante. La combinación de sus crujientes riffs con los efectos crea un barrera de sonido infranqueable. Todo un muro de fuzz que protege las vibraciones más psicodélicas que constantemente incorporan. Como si no quisieran renunciar a nada, consiguen un tema efectivo y colorista a caballo entre el desert-rock más ortodoxo y los ecos heavy-psych bajo la sombra de vibraciones más propias de los 70’s. Incluso aparecen alguno momentos en los que los teclados aportan sutiles pinceladas progresivas entre crudos momentos casi doom.

Sin esconderse, en “NOX” se decantan por stoner más arenoso aderezado con una turbia neblina creada por los teclados. Desert-rock ortodoxo en un tema crudo y con las aristas rugosas bajo riffs que golpean con fuerza invitando a mover las melenas al viento.

Como si se tomaran un respiro, “Heliokratia” nace desde la calma de unos acordes en los que se perciben genes blues. Siendo fieles a su pesado sonido consiguen aderezarlo para que nada resulte monótono. Incisivos solos ácidos se incrustan en esa portentosa y fornida linea de bajo que no deja de crujir constantemente. Incorporando pasajes con wah-wah hacen que el tema tome un camino más psicotrópico en el que añaden sugerentes pasajes vocales. El atronador bajo regresa para tomar el protagonismo  en un tema versátil que contiene muchos aditamentos y buenos pasajes de guitarra.  Tras momentos atmosféricos en los que la psicodelia brilla con luz propia el tema culmina en monumentales momentos de pesadez.

Sin duda HAMMADA sabe moverse bien en los espacios stoner doom, pero como demuestra “Ether” también saben salir airosos de momentos mucho más narcóticos e intoxicantes. El tema mantiene un curioso y efectivo equilibrio entre las dosis de fuzz humeante y la tormenta arenosa que crean con sus riffs. Una tempestad de la que salen rayos lisérgicos que nos chamuscan sin remisión. Con guiños a Colour Haze consiguen que el tema fluya dinámico y cautivador. 

Sin perder esa stoner innata “Helios” se deja seducir por ecos hard-rock entre cuidadas armonías en una perfecta combinación de crudeza y aire fresco que hace huir de la monotonía. Con desgarradores momentos llenos de épica a lo largo de sus casi diez minutos recorren distintos escenarios que hacen que la banda se vacíe por completo en un brillante tema que conjugan momentos stoner-doom  con otros más sugerentes. 

“Azimut” fue uno de los adelantos que  la banda nos ofrecía hace semanas. Aquí la impronta heavy-psych brilla sobre monolíticos. Un tema lleno de garra que bien puede convertirse en el santo y seña de una banda que no escapa del legado Rotor a pesar de la contundencia y querencia hacia escenarios más stoner-doom y sobre todo con la ruda voz de Kristian Schulze.  Lo cierto es que cada uno de los temas contenidos en “ATMOS” resulta ser un plato muy apetecible de digerir. No es demasiado habitual encontrarnos con el sonido del órgano en cortes de stoner arenoso pero este es un punto a favor de HAMMADA, ya que saben hacerlo con maestría para obtener un brillante resultado. 

Este extenso álbum cierra con “Domizil”, toda una paradoja de 15 minutos. Una línea de bajo que parece que vaya a quebrar es el punto de partida de una odisea en la que atronadores tambores ponen el contrapunto a la magia de las guitarras. Psicodelia entre un manto protector de teclados en un segundo plano emprenden un tortuoso camino en el que los vestigios de Colour Haze brotan espontáneamente entre la fuerza de esos crepitantes riffs. Un agreste transitar en el que mantiene la mirada al frente entre ese turbio e intoxicante muro de sonido. Un entorno mágico en el que las notas fluyen de manera natural. Tras el derroche de la primera parte del tema, los pesados riffs van desapareciendo para dejar espacio y reverberaciones más propias de una nueva dimensión. Embarcados en esa exploración por insondable espacios psicotrópicos la banda baja las revoluciones para seducirnos entre efectos por su lado más psicodélico. Una banda que parece tener el corazón partido y que no quiere renunciar a nada.  

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