Reseña.- SUN DIAL.- “Return journey”

r-397328-1223150276.jpegSUN DIAL es probablemente la banda más destacada de la neo-psicodelia. Desde los inicios en 1.990, Gary Ramon dio un enfoque nuevo a los sonido lisérgicos que habían emergido a finales de los sesenta, siendo un referente para muchas nuevas bandas que retomaron aquellas vibraciones. En 1.993, tres años después de su fantástico debut, editaron “RETURN TO JOURNEY”. Tras muchos años agotada la edición original, Sulatron Records recupera este artefacto en una edición limitada a 500 vinilos. Un álbum lleno de sucios sonidos de guitarras distorsionadas, y una original combinación de elementos shoegaze y de la psicodelia más psicotrópica. Tratando de llevar esos sonidos pioneros en los años sesenta a una cuotas de locura no vistas hasta el momento, el multi-instrumentista Gary Ramon se convierte en un nuevo pionero en el vasto arco iris de la psicodelia transformando aquellas vibraciones en algo ruidoso y aturdidor.  Usando la herencia freak de los sesenta y tomando prestados, tanto elementos kraut, como melodías The Beatles, para dotarlas de sucios sonidos guitarras herederas del sonido Detroit popularizado por bandas como The Stooges,  Una vez allí, añaden vibraciones espaciales de los primeros Pink Floyd y sobre todo de sus compatriotas Hawkwind. Una mezcla explosiva que hace que estemos ante un referente de una nueva era para la psicodelia.

“Magic Potion”, el tema que abre el disco, es un ejemplo de como convertir un clásico en otro clásico. Sobre un tema original de los británicos Open Mind de 1969, construyen un corte proto-punk lleno de guitarras sucias herederas de The Stooges a las que insertan desarrollos y distorsiones en pura vena Hawkwind sobre melodías vocales más propias de The Beatles.  Un tema que muestra a SUN DIAL en un estado salvaje y cavernícola. rabía y fuerza sobr un sonido verdaderamente aturdidor que casi hace empequeñecer al original de Open Mind. ¡¡Toda una brutalidad de tema!!

Los pedales y distorsiones más psicotrópicas presiden “North Eastern”. creando un entramado caleidoscopico con una cadencia rítmica imperturbable que va evolucionando según avanza el tema. Una gema en bruto que los británicos van puliendo poco a poco.

“Fireball” es una especie de transición entre los sesenta más salvajes y la neo-psicodelia a través de la transformación de los ecos indie en lo que luego se convierte en el sonido shoegaze. Un contrapunto entre pesados riffs y melodiosas voces con un resultado espectacular. Uno de los temas destacados del álbum.

Otro excelente tema en una línea parecida al corte anterior es “Through you”. Shoegaze nuevamente con esas distorsiones características de todo el álbum. siempre bajo hipnóticos ritmos y con la pedalera de la guitarra echando humo. Diabólicos efectos que modulan cada acorde de la guitarra y una magnetizante y cálida voz.

“U.V.” supone una especie de interludio entre acordes floydianos cercanos a los primeros momentos en los que la influencia de Syd Barret parece estar presente.

Los catorce minutos de “Sun Stroke / Mind Train”, suponen la culminación de la experimentación. Una bestialidad de tema en el que el noise, el shoegaze y la psicodelia conviven bajo atmósferas espaciales con mucha influencia kraut. Una jam hipnotica en la que Gary Ramon deja fluir sus instintos más ácidos toda su creatividad sale a relucir sin ataduras. Con elementos inspirados en Syd Barret, el sonido de los primeros Pink Floyd está presente en su surcos, creando extrañas atmósferas que rozan postulados noise. Un tóxico y esquizofrénico tema en el que las voces ponen la cordura y el sosiego con todo su magnetismo.  

“Slow Motion” cierra esta travesía experimental con cálidas y envolventes atmósferas shoegaze en las que siguen teniendo un gran protagonismo las guitarras. El tema más sosegado probablemente entre toda la locura de ruidosas guitarras hirientes y atormentadas.

Sin duda hasta la aparición de SUN DIAL, probablemente la psicodelia estuvo dormitando durante años. los británicos la rescatan de ese sueño para hacer que siga en nuestros días, completamente viva. 

 

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Reseña: LITTLE VILLAINS.- “Philthy lies”

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“PHILTY LIES”  es otra curiosa edición del sello Heavy Psych Sounds que ve la luz. La banda LITTLE VILLAINS se formó en 2.006, pero nunca despegó como tal. Fue fundada por el legendario batería de Motorhead, Phil “Philthy Animal” Taylor, junto a Sr. James A Childs, guitarra de AVON y el bajista Owen Street.  Tras el fallecimiento de Phil Taylor en 2015 parecía el final del proyecto; sin embargo, Childs y Street sintieron que las canciones merecían ser escuchadas, y ahora acompañados por el batería Chris Fielden, están listos para descubrirnos su ruidoso legado como homenaje a su amigo.

Este debut es una rebanada de media hora de un pastel de ensueño de rock and roll. De alguna manera, como si se hubiera enviado del cielo es un regalo raro, ofreciéndonos la posibilidad de experimentar el talento excepcional y feroz del fallecido Phil una vez más. Temas que transitan a toda velocidad como si de una escena de Mad Max se tratara. Rock and roll diabólico  en los que el hard & heavy se codean con desérticos riffs de fuzz humeante y melodías de llegadas de los años noventa. Pero sobre todo fuzzzzzzz, mucho fuzzzz. 

Estribillos repetitivos con herencia grunge presentan cortes como “What on earth” o “Aattack”, donde las guitarras asesinas reparten fuzz a diestro y siniestro incorporando melodías sobre estructuras sencillas arropadas por una batería implacable. Ritmos punk en “Traitor” inmersos en una nueva espiral de fuzz salvaje con los mismos registroa vocales noventeros, o en tonos más garageros en “Running around”, sin renunciar al uso de las guitarra difusas ni un sólo instante. 

Más oscuros y lánguidos, “Water under the bridge” como su apertura como si de un triste tema de cabaret se tratara, va robusteciéndose paulatinamente sobre esquemas grunge en los que la banda incorpora pasajes de guitarras más psicodélicas.   Una especie de revival de los noventa con estribillos bien acoplados y efectivos. Sobresaliente trabajo en las guitarras y voces en tema serpentea con más sosiego que los cortes predecesores.

“In the head” supone la esencia pura del rock and roll en una nueva vuelta a los noventa. Coros que sobresalen entre las guitarras incorporando efectos y distorsiones más propias del desert-rock sobre melodías vocales más cuidadas y pegadizas.

Temas directos y breves como “Enemy” en el que el punk se viste de fuzz bajo los diabólicos ritmos de la batería y un impactante bajo. 

En las grabaciones se pueden apreciar las risas y conversaciones de los músicos al comienzo o final de los temas.

Lo cierto es que encontramos curiosas combinaciones que resultan efectivas como “Got to grips” , en el que las guitarras y riffs más propias del heavy-rock se reconvierten en momentos de psicodelia con buenas melodías.

Los dos minutos de “I am dying master” nos ofrece otra cara distinta. Heredando sonidos Zeppelin, el stoner y el hard rock más frenético logran un punto de encuentro amparados por la guía de la guitarra fuzz. ¡¡¡¡Energía en estado puro!!!

“Get out” ofrece la ternura de la banda sobre acordes apacibles bien estructurados. La melodía quita el protagonismo a los fuertes ritmos sin perder el aura desértico ni la vocación noventera. Un tema que va apagándose en la lejanía conforme va llegando a su final. Una paradójica agonía que quizás evoque al amigo perdido.

Las canciones se colocaron para el álbum en Unit A Studios en Palm Springs, California, en febrero de 2007. James A Childs produjo y diseñó Philthy Lies en una cinta de 2 pulgadas con el propietario de la Unidad A, Robbie Waldman, asistiendo a la sesión. Recientemente, James ha tallado cuidadosamente el sonido del disco para lograr la máxima justicia de las cintas originales, desde la mezcla hasta el máster, y es parte de su mejor trabajo hasta la fecha. 

“PHILTY LIES” es un testimonio del profesionalismo de Philthy Animal Taylor y es una prueba de que aún era un gigante del rock and roll, ¡incluso 15 años después de su partida de MOTÖRHEAD. El álbum verá la luz el 29 de marzo de 2019 a través de Heavy Psych Sounds Records!

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DZJENGHIS KHAN.- “Dzjenghis Khan”

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Heavy Psych Sounds rescata el álbum homónimo de DZJENGHIS KHAN que había sido  lanzado en 2007 por el sello holandés Motorwolf. La banda, con base en San Francisco, contó con el bajista Carson Binks (también en Wild Eyes and Saviors), el bateria Tommy Tomson y el guitarra Lane Rider

Este disco refleja la escena musical de esa época y sigue siendo una perla de rock ácido sin pulir. Recuperando el sonido heavy-psych en un momento en el que no había una escena real. Así se han convertido en unos “pioneros después de los pioneros”. Con un sonido sucio en su surcos, ácido, borroso y completamente en bruto. Con un ambiente de baja fidelidad pero que derretirá tu cara con sus fangosos riffs, haciendo que tu cabeza sufra una deflagración de fuzz.    

“Snake bite” abre el trabajo con un ritmo imperturbable de batería y solos corrosivos e incesantes. Una ondulación sobre el poder de los tambores en un tema instrumental que directamente vuela cabezas. 

La esencia hard rock setentera está presente en gran parte de los temas. muchos de ellos, dotándolos altas dosis de ese sucio sonido de Detroit, que se practicaba a finales de los sesenta.

“Wildcat” es un claro ejemplo de ello. Un tema en el que la instrumentación es más densa. Desgarros vocales con mucha influencia blues y una vocación de garage-punk. Una aspereza, con altas dosis de retro-rock, con riffs pegadizos, e incursiones salvajes de una aguda guitarra sobre la densidad del espeso ritmo. Un tema con fuerza y gancho.

Este tipo de sonidos son muy del gusto del sello italiano, donde ya hemos visto repetidas apuestas en este sentido.

La crudeza de los setenta más salvajes se manifiesta en “The widow”. Rock and roll y garaje con ritmos repetitivos como mucho groovy que poco a poco se van engordando.  

Todo un torbellino con una batería básica y matemática a su vez, sobre la que van elevándose riffs como mucha dietilamida en una línea que por momentos recuerda a CREAM vestidos de Johnny Winter, con interminables solos virtuosos. En esa enagenación de riffs, la batería pone orden para retomar la ondulación y el aparente control dentro del caos. Ahí aparecen esas voces gritonas y macarras herederas del garage más salvaje. 

El sonido Detroit, fiel reflejo del desencanto del proletariado de las fábricas de su barrios, vuelve a aparecer en “No time for love”. Un pegadizo ritmo con registros vocales que recogen toda la rabia en un tema en el que el blues está presente. Mucho groovy y toda la crudeza en sencillo y primitivo corte de poco mas de dos minutos.

Con un ligero cambio de tono, “Avenue A”, con ritmos cambiantes en los que los parones y acelerones se suceden, DZJENGHIS KHAN ejecutan un corte que me recuerda a  alguno de los temas más garageros de los alemanes WEDGE. Más anclado en sonidos de los sesenta, pero sin mostrar tanta rabia. Sencillez a través de ritmos y estribillos efectivos y divertidos.

Un pulsante bajo y una diabólica batería nos introducen en “Against the wall”. Otro tema en el que la vocación punk, hace acto de presencia. Voces garageras junto a solos corrosivos son llenan de un frenesí agotador con altas dosis de la psicodelia más dinámica.

Pesados y fornidos riffs aparecen en “Black saint”. Un cambio de registro en las voces ayuda a un tema que muestra un empaque distinto. Si, los ritmos siguen siendo frenéticos y explosivos, pero la voz ahora está más contenida, con una mayor calidez. La suciedad ahora se espesa en pura grasa a través de los difusos sonidos de un riff que se repite hasta la saciedad.

Emulando a Iggy Pop, pero con tintes trágicos y misteriosos, “End of the line”, nos devuelve a un machacón ritmo de bajo, en un sonido mas denso en el que no faltan a su cita los hirientes solos de la guitarra. 

Perdiéndose en una entrada de solos de guitarra y bajo, con unos susurrantes platillos, “Rosie”, vuelve a repetir la fórmula Wedge. Voces sesenteras, sobre una difusa y gruesa instrumentación, sobre la que se van coloreando riffs ondulantes. El incesante bajo marca el devenir de un tema que se va volviendo más lisérgico sobre unos efectos que se olvidan de los ecos garageros, para acabar construyendo toda una jam en la que bajo y guitarra no cejan en su lucha por copar el protagonismo, con la intensa mirada de unos efectos envolventes a lo largo de sus ocho minutos de fuzz rebosante.

Con un completo cambio de registro, “Sister Dorien”, cierra el disco, con una guitarra acústica que en nada se parece a lo que habíamos escuchado hasta el momento. Con el mínimo apoyo de un bajo discreto, construyen un agradable tema a modo de epílogo.

DZJENGHIS KHAN se formó en San Francisco en 1977 por tres jóvenes sabios cuyas identidades han sido objeto de mucha especulación a lo largo de los años. Aunque se han escrito muchos tomos y varios “eruditos” del rock se han llegado literalmente a la locura al tratar de descubrir minucias como sus nombres y colores favoritos, el único hecho acordado por este país son las publicaciones musicales legítimas (el “Big Three”, tal como están ” Lo que se sabe es que ninguno de ellos tenía experiencia musical previa ni sabía lo que era en realidad. El resto es meramente conjetura. A principios de siglo, la banda estaba formada por Binxebus Eruptum en el bajo, Lane Rider en la guitarra y Tommy Tomson en la batería. Se desconoce qué miembro cantó. Ninguno de estos hombres tuvo ninguno de los miembros originales ya que hubo aproximadamente 333 cambios en la alineación en este momento de la carrera de la banda, pero esta cifra ha sido ampliamente discutida. Convencidos por el empresario holandés Guy Tavares de abandonar sus vidas en S.F. y mudarse a Den Haag (Holanda) en 2007, la banda grabó lo que se convertiría en su penúltimo L.P. que fue lanzado por Motorwolf y Leafhound Records.

Estas compañías se declararon en bancarrota y la mayoría de las copias del lanzamiento se destruyeron poco después; y ahora son recuperadas por el prestigioso sello Heavy Psych Sounds

 

 

 

NEBULA.- “Demos & Outtakes 98​-​02”

a3695877429_10El guitarrista Eddie Glass y el baterista Ruben Romano formaron NEBULA en 1997 luego de separarse de los pioneros del rock del desierto FU MANCHU, y finalmente reclutaron al bajista Mark Abshire. Este power-trío se especializa en rock pesado empapado de retroalimentación, incorporando dosis liberales de rifle Black Sabbath, psicodelia y rock espacial. La banda lanzó una serie de EPs antes de pasar a los álbumes de larga duración como 1999 “TO THE CENTER” y 2001 CHARGED. Se han distinguido principalmente como una unidad viva muy trabajadora.

Ahora ve la luz “DEMOS & OUTTAKES 98​-​02” Para gozo de los seguidores más acérrimos de la banda. Cinco temas inéditos y alguna versión encontramos en este disco que hará las delicias de los fans de NEBULA. Los moradores del desierto que se metieron en el garaje para descargar su fuzz nos regalan tres versiones entre la que destaca ‘Stagnant Pool’ de los británicos  LeafHound, junto a  otros registros en directo como  “Nervous Breakdown”, original de The Black Flag rescatando el sonido proto-punk de Detroit heredero de The Stooges. Versiones alternativas de clásicos como ‘Charged’ o ‘To The Center’, así como el primer tema compuesto por Eddie Glass, ‘Whalefinger’, en el que tocaba la batería, y que originalmente fue publicado como cara B de sencillo. Cortes inéditos como ‘Sun create’, un sorprendente blues ácido con una guitarra diabólica. Apetecibles y siempre salvajes con una difusa aura desértica.

NEBULA crea puro rock de expansión consciente impulsado por la guitarra del siglo XXI. Son la culminación de exploradores del rock, como Jimi Hendrix, MC5, The Stooges y Mudhoney, que subieron una muesca, llevados al siguiente nivel y abriéndose paso a través del espacio. NEBULA difundió su evangelio a través de su música y lo que están predicando dejará a la congregación en el suelo. 

En 2017, la banda decidió reeditar tres de sus trabajos iniciales cruciales a través de Heavy Psych Sounds “Let it Burn” de 1998, “To the Center” de 1999 y Dos EP de 2002, que incluye el material publicado originalmente en “Sun Creature” de 1999 así como el split Nebula/Lowrider. Las reediciones se están realizando para celebrar el vigésimo aniversario de la banda y serán escalonadas a partir de enero, febrero y marzo de 2018.

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BLACK HELIUM.- “Primitive Fuck”

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Si las semillas esparcidas en la década de los setenta por los británicos HAWKWIND han llegado a los más remotos confines del planeta, no debe sorprendernos que muchas de ellas hayan quedado en Londres. De esas semillas y de otras procedentes de otros paisanos como THE SWEET, sale esté disco transgénico. Psicodelia oscura y difusa con voces y estribillos glam-rock que no dudan en recoger legados de THE STOOGES así como ecos del kraut más hipnótico para llevarlo tirarlo todo por a un pozo doom.

Acompañándose de épicos riffs, distorsiones y efectos espaciales BLACK HELIUM tejen un entramado de surcos dinámicos, penetrantes conjugando la acidez y la pesadez. 

Temas con riffs retro presagian un viaje psicotrópico de tonos espaciales e insistente ritmo, ofreciendo un robótico paseo por espacios de inquietante psicodelia tenebrosa. (“Wiched witch”). Momentos de desplome de unos riffs que decaen en susurrantes atmósferas lisérgicas que acaban explotándonos en la cara con una bofetada de riffs stoner con voces que nos trasladan a los tiempos mas gloriosos del Detroit de Iggy Pop

A través de cautivadores y cálidas voces nos seducen en temas como “Courtains at the mausoleum” con coros que construyen un anestesiante caleidoscopio psicotrópico en el que a través de una pausada y deliciosa psicodelia kraut, consiguen el que probablemente sea el tema más destacado de éste “PRIMITIVE FUCK”. Unos surcos que rezuman belleza y colorido floral con unos lánguidos tonos.

Lo cierto es todo un festín encontrarse con un debut de estas características. Cuando crees que sabes por donde va el camino de los británicos, éstos dan un giro para pasar de llanas calzadas a la más abrupta de las pendientes. 

La conjunción de distintos elementos llega a  su culmen en el tema que cierra y da nombre al disco. predominantemente doom, en “Primitive fuck” no falta la psicodelia, voces proto-punk, difusión espacial hawkwindiana.. Un cesto en el que cabe todo.   

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KILLER BOOGIE “ACID CREAM” (Heavy Psych Sounds)

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La formación italiana compuesta por Gabriele Fiori (BLACK RAINBOWS) (guitarras y voces), Luigi Costanzo (batería) y la incorporación de Nicola Consentino (bajo) nos presenta su segundo trabajo tras su debut de 2.015 (DETROIT) de la mano de Heavy Psych Sounds.

El trio comenzó a trabajar en “ACID CREAM” en la primavera de 2.017. El proceso de grabación incluyó pistas en vivo exclusivas no editadas anteriormente, tratando de recoger la crudeza de su directo en una atmósfera alegre.

Una gran portada de la mano del prolífico artista sueco Robin Gnista, sirve de perfecto envoltorio para esta colección de lisergia y jams que rinde tributo de alguna manera a bandas de la escena de Detroit de finales de los sesenta, como MC5 y THE STOOGES.

“ACID CREAM” se abre con “Superpusher‘69”. Una introducción de apenas un minuto y medio llena de efectos de distorsión. A continuación “Escape from reality”. Tres minutos de rock and roll stonerizado con un estribillo pegadizo y repetitivo. La aspereza hace acto de presencia desde el primer momento.

El disco nos ofrece en su conjunto una colección de riffs crudos, con una atmósfera vintage, recreando la locura de finales de los sesenta con dosis de stoner, guiños proto-punk, proto-metal, todo ello aderezado con ácido.

Los ritmos stoner-retro como los contenidos en “Atomic race” son una tónica a lo largo del disco. Fuertes ritmos junto a riffs repetitivos y pegadizos.

Killer-Boogie

“Am i demon” sigue la línea de los sonidos retro, esta vez con un portentoso trabajo de batería. High energy!!!!! Los registros vocales evocan sonidos del siglo pasado con gran acierto.

A través de “Let the birds fly” KILLER BOOGIE se toma un respiro con una pseudo-balada en la que los medios tiempos dominan el corte, con un subyacente órgano de fondo que le da sabor añejo al tema.

Si antes señalaba que en su conjunto, estamos ante un disco lleno de energía, el respiro del tema anterior sirve para retomar las fuerzas en otro tema en el que  hard rock más arcaico llena el ambiente con primitivos riffs, y un estribillo vacilón. “Dino-sour” recrea fielmente momentos setenteros.

La herencia de la escena de Detroit se pone de manifiesto en “Brother in time”. El toque proto-punk de los MC5 sirve para encadenar riffs repetitivos y asesinos, con una batería machacona.

Los italianos se toman otra pausa en un nuevo interludio de un ridículo minuto de guitarra blues en “Mississipi”.

Como si de una apisonadora se tratara, “The black widow” nos aplasta. A paso lento pero firme el ritmo machacón golpea nuestra cabeza solo amortiguado con una sucesión de solos de  guitarra que silencian por momentos la base rítmica de batería y el bajo para desembocar en una bacanal sonora llena de riffs, antes de quedar exhaustos en la parte final en la que tanto las voces como las instrumentos se calman en un lisérgico final en el que el órgano aparece de nuevo en la lejanía.

Si la escena de Detroit, tenía su punto macarra, KILLER BOOGIE también lo tiene. “The day of the melted ice cream”  suena sesentero, descarado, vacilón. Los coros tienen gran culpa de ello. Un sonido STOOGES menos revolucionado y con guitarras más limpias. La cadencia de la batería en el tema está acorde con las voces.

Para cerrar “ACID CREAM”, volvemos a un corte retro, con tintes lisérgicos. “I wanna a woman like you” mantiene a partes iguales el tono hard con los ecos proto-punk., con guarnición de creama ácida.

Un trabajo que por momentos puede parecer lineal, pero que en sus surcos contiene una diversidad de estilos que se entremezclan entre sí manteniendo un tono alegre y rítmico que lo hacen un disco divertido.

 

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