Reseña: RED SCALP.- “The Great Chase In The Sky “

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Un nuevo brote de la cantera polaca que sigue dándonos cada día más y mejores álbumes. Aquí el quinteto polaco trata de aportar más riqueza a su sonido con una experimentación sobre atmósferas progresivas que recubren su verdadera vocación de psicodelia pesada. Un trabajo bien producido que en cada tema contiene multitud de matices y giros. Sin perder su admiración por los nativos americanos, los cantos rituales y los ritmos ancestrales rinden nuevamente pleitesía a sus antepasados, esta vez sobre marcadas estructuras progresivas. Un equilibrio entre la pesadez y las melodías que refleja el giro que algunas bandas están tomando en un sonido que en muchas ocasiones se queda anquilosado y repetitivo. Es toda una alegría que bandas de la calidad de RED SCALP se inclinen hacia esa experimentación progresiva que solo hace enriquecerles como ya vimos en bandas como ELDER. Toda una puerta abierta que nos llena de esperanza y que demuestra que la reinvención es posible en beneficio de versatilidad. Temas hechos con esmero que logran transmitir sensibilidad y estados de ánimo en los que el peso de los teclados y vientos aporta enorme dosis de frescura a su psicodelia pesada sin que esto signifique renunciar a nada, sino abrir nuevos horizontes; algo muy de agradecer.    

“Mothertime” y sus siete minutos parte con la cortina sónica tejida por los teclados y sintetizadores a modo de introducción, una de las características de este nuevo álbum. A partir de ahí la banda da paso a una efectiva combinación de momentos heavy-rock con espacios hard-progresivos. El predominio de las teclas entre la espesa base rítmica hace que su sonido sea ciertamente monumental. melodías heavy-rock acarameladas y empalagosas sobre exuberantes ritmos entre corros y solos virtuosos que recuperan sonidos mas propios de los ochenta. La dualidad de las guitarras entre los densos pasajes crean un espesura de sonido apabullante. En el tema, y gracias a los cuidados sintetizadores se aprecian vibraciones progresivas en una banda que no pierde su vocación de recuerdo a los nativos americanos.

El sinfonismo de “Chase” y su aura lisérgica nos  prepara para la gran épica que está por llegar. Un cadente e hipnótico bajo y la guitarra aflorando con sutileza entre las oscuras atmósferas,  nos sirven de preludio de un tema que evoluciona engrandeciéndose en su caminar. Riffs mas propios del doom aparecen majestuosos. Los cantos rituales indios describen el entorno místico en el que se desenvuelven los polacos.  Cantos entre la bruma invocando a los ancestros. tras un silencio los ritmos hard-prog con fuertes guitarras y bien cuidadas melodías vocales, se elevan entre esos ritmos stoner-doom. Una composición tupida con riffs que se repiten. Sin embargo encontramos un contraste con el sinfonísmo progresivo y una voces más propias de cuatro décadas atrás. Lo nuevo y lo antiguo unido para marcar el nuevo rumbo tomado por RED SCALP en este trabajo. Siguiendo de alguna manera el camino abierto por ELDER en sus últimas entregas, los sonidos de instrumentos de vientos aparecen sutilmente entre los pesados y oscilantes riffs. Toda una bacanal de efectos y una diabólica batería en un auténtico ritual de guerra en el que se aprecia una gran riqueza compositiva. Una atrevida combinación con un sabro añejo en la que los momentos heavy-progresivos sirven de soporte a los fornidos y difusos ritmos entre solos virtuosos.

“Sacred space” sirve de escenario a unas atmósferas que sin perder su vocación progresiva se recuestan mas en escenarios de psicodelia pesada. Los ritmos tribales de los nativos americanos son descritos desde el sosiego. Resonancias ancestrales con profundas voces con efectivas melodías adornan un tema profundo, atrayente y calmado. El saxo aparece esplendoroso demostrando que los polacos quieren aportan frescura a su música.  Un giro inesperado de los muchos que tenemos en el álbum nos embarca en una espiral del pesados ritmos de tonos  sobre los que se incrustan afilados solos. Constantes oscilaciones y serpenteos van elevando la intensidad del corte. Una gran cantidad de matices que llevan a los polacos a decidirse sobre los espacios heavy-progresivos tan presentes en todo el álbum. Unos pasajes en los que los teclados se muestran esplendorosos. Pesado, oscuro y sinfónico, el tema va moldeando cada acorde sin que el sonido plomizo de la banda se resienta. Todos estos nuevos elementos no hacen sino enriquecer su sonido. 

“Gunsinger” uno de los temas destacados de “THE GREAT CHASE IN THE SKY” se deja llevar por la veneración de los ancestros con sus cantos tribales en atmósferas de psicodelia pesada. Candente, lisérgico, y lleno de efectos deja al descubierto su lado más psicotrópico. Llamas que se elevan al cielo en busca de la redención y danzas en la noche llenas de magnetismo.

El álbum se cierra con “Slide”. Un tema de diez minutos marcado inicialmente por esos omnipresentes teclados. Tenebroso y lleno de misterio, el relato aquí demuestra que el quinteto trata de perfeccionar su sonido hacia nuevos horizontes.  Densos, pero cuidando las melodías Un cadente bajo en una ambiente ciertamente chamánico que explota con pesados riffs mientras las melodías vocales siguen fieles a su sensibilidad sentimental. Pasajes de stoner ortodoxo se mezclan entre la ampulosa instrumentación. toda una danza envolvente que cesa al dictado de una guitara acústica que hace dar un nuevo giro al tema antes de la espiral que nos espera en su parte final. Un tema lleno de épica. 

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Reseña: SURYA.- “Overthrown”

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“OVERTHROWN” es una de esas gratas sorpresas que nos encontramos de vez en cuando. El primer álbum de la banda de Jerez de la Frontera que irrumpe en la escena con la fuerza de un huracán. Después de haber publicado en el año 2.017 un EP,  Antonio Hierro (voces y guitarras), José Moares (guitarras y sintetizadores), José Mª Zapata (bajo y percusión) y Carlos Camisón (batería, guitarras y voces) graban en Estudio 79 a los mandos de Rafa Camisón, y con la masterización de Mario G. Alberni. en Kadifornia los ocho temas que componen este álbum conceptual que navega entre las aguas de los sonidos arenosos salidos de los desiertos californianos en los noventa y las corrientes hard-rock que nacieron en la década de los setenta. Un equilibrio que se sostiene en poderosos ritmos aliñados con un exuberante fuzz y riffs monolíticos sin renunciar a cuidadas melodías que se recuestan en remansos psicodélicos en los que se vislumbra una cierta esencia andaluza. El resultado es un atractivo y atrayente trabajo que fluye con soltura en cada uno de sus temas y acaba por sorprendernos gracias a la madurez que refleja cada uno de sus temas. Guitarras que su superponen en distintos niveles para conformar temas prietos y efectivos que se colorean con distintas influencias para acabar construyendo un sólido oleo multicolor.  La temática del álbum se circunscribe la venganza de un hijo que fue repudiado por su padre, conformando cada tema un capítulo de dicha historia. 

“Tales of the great Fharats” parte con pegadizos y repetitivos riffs stoner que no se andan con contemplaciones. Directos a la yugular derrochan fuzz bajo esquemas ortodoxos de rock desértico que nos golpean con fuerza.  Un tema que acaba ondulando sin salirse del camino y en el que encontramos una poderosa y fornida línea de bajo que contrasta con la finura de los solos de las guitarras. Ciertos vientos sureños refrescan el envite al que nos someten refrescan el tema con tonos setenteros en su parte final.  

Sobre unos cimientos sencillos pero efectivos, “Sundazed” parece seguir la estela del corte precedente. un olor a “noventas” se percibe especialmente en la cadencia vocal junto a sus difusos riffs. Un puente de ida y vuelta que sirve de espacio para construir una autopista de fuzz a través de la cual contar la historia de Fharats ardiendo por el conjuro de su hijo. Serpenteando sobre el riff que está construido, finalmente acaba modulándose hacia espacios más psicodélicos en su última parte. Sin perder su vocación arenosa el tema cae en ciénagas lisérgicas. unas arenas movedizas que hacen que el tema gire en una espiral que acaba diluyéndose poco a poco.

Largas rectas de autopista, desierto y fuzz nos evoca “Crystal gate”. Con un riff repetido el tema transcurre con un cierto aroma retro. Un corte pesado que mantiene la frescura y dinamismo con su contagioso ritmo. Sus cálidos tonos siguen la constante del resto de temas, aquí de una forma algo más serena y lineal. El corte más largo del álbum incluye algún momento progresivo en sus surcos. su larga duración permite más la experimentación con otros sonidos. La lucha entre padre e hijo queda abierta a tenor del resultado del tema con un final en el que los jerezanos descienden a plácidos pasajes más psicodélicos. 

A modo de continuación con el tema anterior, “Thousand years bridge” mantiene la vocación psico-progresiva. Calmados acordes semi-acústicos y susurrante voces nos envuelven en un agradable manto. Su magnetismo difiere de la fuerza de los temas precedentes, variando aquí la propuesta musical. Una agradable sorpresa que nos da muestra de la versatilidad de la banda narrando de forma aleatoria la historia sobre la que se basa el álbum. 

“Golden tower” rescata la senda desértica para avanzar guiados por un inquietante bajo a través de amplios espacios en los que el fuzz humeante regresa con fuerza. componiendo en dos estratos distintos, la base rítmica se colorea con profundos solos de guitarra que se estiran en una exploración psicodélica.  Aquí la banda parece sentirse cómoda y eso se nota en el acabado del tema que rezuma aroman noventeros en sus riffs. Tras la muerte del padre, el hijo contempla su reino. toda una serpiente multicolor en la que el desert-rock zigzaguea con gruesos e incisivos riffs en bucle entre tonos llegados del sur que evocan momentos de gloria de la escena andaluza.

Volviendo a los sonidos acústicos, “Turtle shaman”, describe el ocaso a través de arpegios que retratan su habilidad y técnica. Con distintos elementos estilísticos van construyendo un oscuro relato instrumental en el que las voces progresiva herederas de los setenta hacen que el tema se incline a momentos progresivos. giros inesperados que se desatan en una estampida rítmica que acaba por arrollarnos en otro ejemplo colorista de que la banda no se aferra a un estilo concreto. El resultado es un tema lleno de magnetismo que relata como se adquiere la sabiduría a través ese chaman encontrado en sus viajes y que le sirve al hijo para el conjuro que acaba con su padre. 

Una nueva sorpresa nos espera en “Begone”. Hard rock cavernícola con tonos funk y un groovy alegre y cadencioso. Fuzz y wah wah a la vieja usanza tiñe de ocre un tema que podríamos considerar algo vintage pero que todavía vigente. Sin sonar a rancio, su sencilla estructura resulta ser lo suficientemente efectiva para que se cumpla la máxima de que a veces “menos es mas”. Aquí no  encontramos complicados desarrollos, sino hard rock sin pretensiones. 

“No Further” cierra el álbum con una inquietante línea de bajo sobre pasajes heavy-psych que se elevan ondulando como banderas guiadas por el viento. La suficiente dosis de fuzz como para ir elevando la intensidad sin renunciar a momento psicodélicos sin perder su cadencia rítmica en ningún momento. Un fujo constante que permite avanzar sin mirar atrás. 

“OVERTHROWN” supone una magnífica carta de presentación que nos confirmar el renacer de la escena andaluza con un nuevo retoño que se una a la cada vez mas larga lista de nuevas banda que tantas satisfacciones nos están dando en los últimos tiempos. 

El álbum ve la luz con la unión de los esfuerzos de pequeños sellos nacionales que siguen apostando por nuevas bandas, lo cual es todo un reto que los aficionados debemos de agradecer y que poco a poco a de ir dando sus frutos. El álbum se encuentra disponible a través de  Spinda Records, Surnia Records, Monasterio de Cultura, Violence In The Veins, Bandera Records, Sacramento Records, Odio Sonoro, Gato Encerrado Records, Discos X Mil y Noizeland Records.

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SEID.- “Weltschmerz, Baby”

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La veterana, aunque no demasiado conocida formación noruega SEID,  publica su quinto álbum “WELSCHMERZ, BABY” via Sulatron Records.

Una banda formada en 1993 y que sigue ofreciendo producciones de alto nivel. Melodías pegadizas, voces en su noruego natal, guitarras difusas y elementos kraut, psicodélicos y progresivos en las que los sintetizadores juegan un papel fundamental.

Tambores y distorsiones con inquietantes voces y coros pseudo-orientales inician el periplo de “Haukove”. Teclados y sintetizadores nos trasladan a un entorno de tintes  espaciales que me evocan el último disco de SUNDIAL siguiendo los dictados de la kosmiche-music en su faceta más electrónica. Con momentos ya vividos por Jean  Michel Jarre hace años, la locomotora noruega avanza acelerándose hipnóticamente a golpe de una veloz batería.

Desde la lejanía, los sintetizadores van haciendo acto de presencia envueltos en un halo de efectos espaciales, con voces femeninas saliendo de una megafonía futurista. Una locución robótica que va cediendo paso a una instrumentación trippy para pasar a un segundo plano creando un clima de misterio futurista intergaláctico en “Trollmannens Hytte”

Mucho más intenso, y psicodélico, sin perder los tonos espaciales, la guitarra marca un tema en el que voces marciales, describen una pista ampulosa que da un giro hacia entornos palaciegos. Satan i Blodet”, entre lo oriental y lo clásico va perdiendo el vigor para relajarse en atractivos momentos en los que una guitarra de corte árabe destaca entre efectos de orquestales efectos y violines bajo los auspicios del rock más progresivo.

Momentos de xilófonos y sintetizadores encontramos en “Weltschmerz, baby!  con inquietantes ritmos kraut, efectos y voces arias crean un clima psico-progresivo de tintes electrónicos.

En temas como “Coyoteman” SEID se muestran más apacibles y lisérgicos. Atractivos acordes y coros pseudo-floydianos, construyen un tema que no reniega de florales estructuras de guitarra fuzz.

Los acordes orientales se repiten en “Moloch vs Gud” en la que los lejanos coros apaciguan la atmósfera que crea una batería en un tema más experimental que acaba uniéndose “Mir (Drogarna börjar värka)”. Espacios psico-progresivos con una nítida linea de bajo describe una psicodelia borrosa y más electrónica que se combina con agradables melodías y apacibles voces.

SEID son: Jörgen Kosmos (guitarra y voces), Burt Rocket (guitarra y coros), Janis (guitarra), Jan Spaice (batería y órgano) Morgan (sintetizadores y teclados). 

 

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BRUJAS DEL SOL.- “II”

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Su segundo álbum y con un título escueto, “II”. Los de Ohio, nos ofrecen en este segundo larga duración un  compendio de sonidos atmosféricos que beben de la psicodelia más épica y narcótica, del kraut rock hipnótico, de la ampulosidad de desarrollos de rock progresivo, y de los sonidos espaciales más difusos y psicotrópicos. De aquí el hecho de no que no necesiten otro nombre que describa su interior. Si quieres poner tú el nombre, solo tienes que zambullirte de las agua por las que la BRUJAS DEL SOL hacen navegar su sonido. A veces calmadas, a veces bravas y turbulentas, y en ocasiones generando un verdadero tsunami sonoro. 

DenpaFuzz, no se hace responsable de los daños que este disco puede causar en tus neuronas, pero si no lo escuchas, te perderás algo grande.

Aquellos que disfrutan de ritmos hipnóticos, guitarras moduladas difusas, síntesis analógicas pulsantes y canciones que combinan influencias progresivas, de rock espacial y pesadas apreciarán ‘II’.

Con efectos de sintetizadores comienza la travesía en “Teenage Hitchhiker” un baño intenso de psicodelia cuyos acordes me recuerdan a Supertramp. sobre esa base, las guitarras comienzan a remar hacia las aguas de colores de una lisergía narcotizante. Un bajo diabólico hace el resto, mientras en tema se cingla para acabar en ampulosas en las que el post-rock parece ser su dueño.  

Pomposo se presenta “Shea rage”. partiendo de escenarios más suaves pero ornamentales, los poderosos de riffs de guitarra ácida, inclina el devenir del tema hacía escenarios de psicodelia pesada, para trasladarla a espacios siderales, creando una pista, intensa, absorbente, voluptuosa y a su vez, pesada. 

Caminando por una psicodelia post-apocalíptica, en la que los efectos fuzz brillan con luz propia. “Sisterlace” ofrece grandes momentos floydianos de absoluta mística, que se engalanan con espesuras sonoras cercanas a Tundra. Con una concepción más arenosa y ácida toman momentos Hawkwind con largos efectos , un bombo implacablemente hipnótico, e intensidad de fuzz que genera heridas con su furia. Una pesadez difusa, intensa y aturdidora.

Rozando terrenos más electrónicos, los sintetizadores, y los efectos de las guitarras generan en “Fringe of Senility” un ampuloso y tenebroso crujido sobre una robótica en pura vena de kraut cósmico con la peculiar voz de Adrian Zambrano. Uno de los pocos momentos no-instrumentales del disco.

Evolucionan de lo casi imperceptible, “White lights”, evoluciona de forma autómata a espacios hard-psych, donde las guitarras se robustecen, creando en denso espacio lisérgico con lejanas voces alternativas, sobre escenarios kraut, que mutan a territorios más propios de unos Pink Floyd del siglo XXI. Alternativos, hipnóticos y psicotrópicos sin renunciar a la psicodelia.

La experimentación de BRUJAS DEL SOL, llega a culminar fusionando sus sonidos por espacios cercanos a lo industrial visto desde estancias espaciales. Con intensidad y dinamismos, hacen de “Polara”, un corte, algo diferente, pero esto solo es en apariencia. Internándote en él vuelves a descubrir que aparecen Pink Floyd, si escarbas en sus acordes finales.

Donde no tienes que escarbar demasiado para volver a encontrarte con sonidos floydianos es en “Spiritus”. Si la pista comienza con un derroche de acidez guitarrística, unos narcotizantes espacios sonoros, el globo viajero de los de Ohio, aterriza con acordes rosáceos en atmósferas densas en las que el vacío y la desolación se palpan. Una vez allí, se tornan nuevamente a bellos y atractivos territorios post-rock. La vuelta se produce nuevamente a los dictados heredados de chicos del fluido rosa.

Ésta entrega se publica via Kozmik Artifactz y a buen seguro, sorprenderá a más de uno por la inmensa calidad que contienen sus surcos.

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ROTOR.- “Sechs”

a0322574577_10La fiabilidad de la maquinaria alemana queda reflejada en ROTOR, con su sexto trabajo “SECHS”. Tras veinte años de existencia desde su formación en 1.998, el cuarteto alemán sigue fiel a la solidez de sus discos anteriores, con una instrumentación densa a la vez que sutil y elegante. Caminando en un espacio indeterminado entre la psicodelia, el stoner y lo progresivo, tres años después de su anterior disco, se edita “SECHS”.

Este verano desde DenpaFuzz comprobamos en vivo como suena alguno de los siete temas que componen este disco, y lo cierto que si hay algo que se pueda decir de ROTOR es que es una banda solvente, particular y sólida, que probablemente no tenga el reconocimiento que merece. Una solidez y densidad que no está reñida con bellos momentos en los que las armonías se vuelven atractivas y reconfortantes. Hablamos de una formación que no se prodiga, ni en sus directos, ni en sus discos. Seis trabajos en veinte años no son muchos, lo que quiere decir, que la banda sigue su propio ritmo, sin complejos.

En “SEUCHS” no encontramos demasiados cambios respecto a sus anteriores trabajos, lo cual, teniendo en cuenta la gran calidad que atesoran, no es nada negativo. Transitando por los terrenos en los que más cómodos se sienten, los berlineses, el dinámico ritmo de “Falsher damfer” y la densa instrumentación a la que nos tienen habituados. lo convierten en un tema que conjuga la pesadez con lo liviano. Largos solos de guitarra cercanos a los dictados de COLOUR HAZE, pero con el propio sello personal, le ubica en una esquina en la que las aristas stoner, las progresivas y las psicodélicas se unen. algún riff de tinte más clásico aparece entre el fuzz del que tanto gusta la banda. Se evidencia la clara distinción entre guitarra rítmica y solista, cada una ejerciendo su propio rol. Un bello final acústico que baja la intensidad pone el broche de oro a un corte que nos hace presagiar, si todavía no lo teníamos claro, que ROTOR se encuentra en plena forma. 

Más complejos y oscuros, en “Allmacht” arremeten con sonidos más graves, gracias a un bajo pulsante, con solos de guitarra generadores de un cierta aura misteriosa. La instrumentación se inclina hacia territorios de sinfonismo progresivo, sin perder la parte psicodélica que también forma parte de sus genes. Avanzando por territorios más pesados, que son aliviados por cierto sinfonismo que hace que acaben decayendo en finos pasajes en los que parece faltar el color, creando un cromatismo grisáceo que se desvanece poco a poco.

“Ferner liefen”, arremete con ritmos stoner, gruesos y plomizos, para desdoblarse en la dualidad de guitarras que ondulan y serpentean por sus poderosos surcos. La guitarra devuelve el sosiego a un tema de corte “gordo”, pero refinado, lo cual es una de las características de la banda. Por otro lado, cabe señalar que todos los temas salvo el epílogo final duran entre los seis y siete minutos, lo que les permite desarrollar su potencial sin trabas, sin parecer monótonos, ni demasiado vivaces. 

Las primeras notas de “Abfahart” nos sugieren tensión en entornos misteriosos. La descripción se realiza a base de ampulosos riffs repetitivos que transitan por los vastos dominios de la psicodelia pesada, territorios sobre las guitarras sobrevuelan entre la densa bruma que genera la maquinaria instrumental de ROTOR. Fuzz combinado con un ritmo plomizo pero dinámico, que resulta arrollador por momentos.

Con tonos más progresivos, los lánguidos pasajes de la guitarra se incrustan en la calmada y repetitiva base rítmica que sostiene “Vor dem herrn”. Una nueva experimentación instrumental que va ensanchando sus notas, con constantes cambios de ritmo, y ondulaciones que llegan a coquetear con momentos post-rock. Un simple flirteo que regresa a esos faraónicos espacios más progresivos en los que no faltan alguna dosis de oscura psicodélica.

Con un lento caminar de acordes de bajo, y una batería evolutiva, “Druckverband” a través de sosegadas estructuras con tintes orientales, las guitarras fusionan la magia y el misterio. En entornos exóticos, pero con atmósferas cubiertas de un manto de oscuridad presidiendo la intriga, bien arropado por un ritmo repetitivo e hipnótico por momentos.

Una locución con voz femenina pone el epílogo sobre hermosos acordes acústicas en un escaso minuto en “Würdigung”, tema que cierra este brillante trabajo publicado bajo el sello Noisolution.

Esperemos que la banda no desfallezca, y a pesar de no prodigarse, continúen otros veinte años más dándonos satisfacciones en forma de nuevos trabajos. Lo de prodigarse sobre los escenarios, ya me lo dejaron claro este verano, cuando les preguntaba por la posibilidad de visitar España, algo que en un principio no parece demasiado probable, ante la escasez de shows que hacen fuera de las fronteras alemanas, pero no cejaré en el empeño y en poco más de un mes les insistiré con esa posibilidad en tierras holandesas, donde DenpaFuzz estará para contaros el último show de su tour 2.018.

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BOURBON.- “Fuente Vieja”

7a638bb2-32bd-4dd3-a771-1771c0f54b8cTras dos discos en los que primaba el hard rock clásico de origen setentero, con pinceladas psicodélicas, el trío  gaditano compuesto por los hermanos Raúl y Álvaro Guerrero y Juanma Gonzálvez, en “FUENTE VIEJA” van más allá.

Con tan solo escuchar unos segundos del tema que abre el disco, ya presiento que estamos ante algo grande. Como en una vuelta a mi adolescencia los sonidos que fluyen de “Si veis la luz, corred” evocándome momentos en los que uno quería comerse el mundo al son de grupos que cantaban en español, a diferencia de la mayor parte de las formaciones actuales. Una energía vital que brotaba de los acordes de una guitarra, de las baquetas de una batería o de un tipo desaliñado que se dejaba la voz delante de un micrófono.  Sonidos psico-progresivos con una bucólica voz  arropada por una guitarra que se abre paso lentamente para ir creciendo, engrandeciéndose. El hippismo y el lirismo conjugados con energía en un corte evolutivo y que sobresale un poco por encima del resto de los temas. 

Con esta premisa, las ganas de sumergirme en el siguiente corte me generan nerviosismo. ¿Que vendrá después? ¿Es un espejismo, o es real?. Algo tan sencillo como unas atmósferas de hard-progresivo, rocoso, con fuerte sinfonísmo  en el que la melancolía y una cierta magia están presentes en todo el álbum.“El sendero” es un corte más enérgico, quizás un poco más cercano a lo presentado en “DEVASTACIÓN”, y en el que la guitarra tiene una mayor presencia. Algo más nebulosa y mucha más tensión vocal, que logran otro corte completo en el que es más palpable la herencia del hard-rock clásico, pero a su vez, comienza a tener pequeñas pinceladas del origen de su música, que no es otro que la esencia del rock andaluz. 

Esas pinceladas de las que hablo, se convierten en brochazos de trazo gordo en el tema que nos anticiparon hace semanas como single de presentación de “FUENTE VIEJA”. “A punto de arder”. Si he estado escuchando comparaciones de su sonido con una formación como Triana, pienso aunque esa influencia existe, la cosa va un poco más allá. Ciertamente existe un rescate muy apetecible de los ecos que brotaban de Andalucía en la mitad de los setenta, como ya hemos visto con sus paisanos ATAVISMO, en su último trabajo. Para los no iniciados, hay que recordar que aún siendo una pieza fundamental y básica en el nacimiento del rock andaluz, había vida antes de Triana, y desde mi  modesto punto de vista, esa es la verdadera “fuente vieja” de la que beben BOURBON. Los tonos melancólicos, en los que la nostalgia se mastica, el sentimiento que se transmite de sus letras, y esa fuerza intrínseca que tiene el tema nos llevan a retroceder a SMASH, CAI, o EXPREXIÓN. Aquella primera oleada que nacía en Andalucía con bandas como Gong, All & Nothing o Nuevos Tiempos y que fueron el germen de lo que posteriormente supuso el rock andaluz a finales de los setenta. Ahí ubico (no se sé si acertadamente o no) esa fuente de la que hablan en el título del disco, aún sabiendo que el origen del nombre del álbum corresponde a una plaza situada en Sanlucar de Barrameda. Curiosa coincidencia que formaciones del sur pongan nombre a sus discos de lugares de su entorno. Últimamente lo han hecho ATAVISMO con su “Valdeinfierno”, pero debemos recordar que ya SMASH hizo lo mismo con  “Glorieta de los lotos” (un estanque en el parque de María Luisa en Sevilla)  allá por 1970.  Imagino que simplemente será una casualidad y mi referencia es solo una ocurrencia por mi parte, pero, es una coincidencia más.

El sonido de rock progresivo andaluz queda patente más que nunca en el tema que da nombre al disco. “Fuente vieja”, refleja esa melancolía, esa especie de añoranza de tiempos pasados. La incorporación de los teclados le da un toque especial, así como esos acordes de guitarra que transpira aires andaluces. Con tonos en blanco y negro, el bucolísmo y ese toque de hippismo que le dota de una cierta morriña, gracias especialmente a los teclados, para luego explotar esplendoroso con unos cambios perfectamente trabajados con unos arreglos de composición brillantes.   La dupla de guitarra eléctrica y acústica denota un gran trabajo de composición.

Mucho más colorido “La triste realidad”,  a pesar de su nombre, se presenta como un corte luminoso. la combinación de guitarra con teclado lo convierte en un temas en el que los aires mediterráneos se intercalan con lo andaluz, bajo una estética más progresiva.  A pesar de las lánguidas voces la evolución a espacios más ampulosos refresca el bucolísmo que lleva intrínseco.

Los tonos de tristeza se intensifican gracias al trabajo del bajo y a unos acordes de guitarra en “Hacia el sol”. Una crudeza desgarradora que se traduce en su letra. el dolor a flor de piel unido a su lírica genera momentos de añoranzas pasadas. 

Si estamos ante un trabajo íntimo, nostálgico, también estamos ante un disco vivo y esperanzador. El dato de que la banda no cante en inglés es un elemento que hace que su mensaje cale mucho más, y tanto la nostalgia como la esperanza sean reflejadas con mayor acierto.

Así, “Destierro”, el tema más largo del álbum con sus ocho minutos resume esas sensaciones sobre unos esquemas en los que encajan tanto los sonidos psicodélicos como los sonidos progresivos. todo ello, sin olvidar de que estamos ante una banda de rock. lo cierto es que la versatilidad que tiene “FUENTE VIEJA”, lo convierte en un disco sobresaliente.  La gran pregunta es si un trabajo así, llegará a los amantes del rock andaluz del que tanto tiene en su interior, o pasará inadvertido para todos los nostálgicos de aquella etapa. el tiempo nos ofrecerá la respuesta.

“FUENTE VIEJA” es publicado por el sello Spinda Records

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LA CADENA PSYCH JAMBAND.- “Hope?”

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Ya desde la portada de “HOPE” podemos intuir que en su interior puede haber algo grande. La formación sevillana LA CADENA PSYCH JAMBAND en su tercer álbum nos ofrece siete pistas en las que investigan en los sonidos psicodélicos con una clara inclinación hacia escenarios progresivos. Y si, la portada hace honor a la grandeza de su contenido es muy grande!!!. Además estamos ante un registro que fue grabado en vivo en el estudio lo que le da todavía más valor. 

Los suaves acordes con los que se inicia “Going home?” son suficientes para que la relajación llegue a nuestra mente. Un predominante y placentero órgano soporta el peso de una composición en la que sutilmente se van sucediendo agradables melodías que son acrecentadas con la susurrante guitarra que va apareciendo entre sus armonías. Con vocación progresiva la intensidad se va elevando sutilmente, sin estridencias.

Conjugando notablemente la vocación progresiva de la formación con el espíritu psicodélico, “Guilty”, un tema dividido en dos partes, comienza a remontar a laderas más cercanas a posicionamientos de psicodelia pesada con algún ligero guiño stoner. Las voces no permiten que la situación se desmande, y hacer regresar a los paisajes en los que la relajación y la mística dominan el entorno. La aparente suavidad no impide que estemos ante una instrumentación y una narración intensa. No necesitamos salir fuera de nuestras fronteras para encontrar apuestas más promiscuas al norte de los Pirineos. 

Navegando por escenarios drone siderales, en la segunda de las partes, el bajo toma las riendas de la nave para dirigirla hace inescrutables territorios en los que la banda se siente cómoda experimentando con elementos espaciales. Una vez llegados a este punto, el retorno ha las atmósferas psico-progresivas se produce con una naturalidad digna de admiración. Todo compactado, con una gran maestría en la ejecución, los susurros de sus acordes, aterrizan en espacios sinfónicos vislumbrándose en la lejanía aires andaluces que seguramente llegan de su Sevilla natal.. Cuando nos hemos rendidos a su morfínica propuesta la guitarra da un paso adelante. Las voces que evocan desesperación con sus lamentos generan un cambio de escenario hacia un a psicodelia pesada que se transmuta en momentos de hard-rock donde los efectos de guitarra la intensidad de su batería y la velocidad en la ejecución. Todo un balanceo entre columpios de psicodelia, progresivo y hard que se va tensando: La conjunción de la solidez con lo liviano, que queda de manifiesto con unos solas de guitarra herederos de Pink Floyd. Belleza y magia que hacen de “Guilty II” el tema más brillante del disco.

Tras una breve incursión libre en territorios de oscura experimentación en “Ground”, los sevillanos hacen honor a su nombre en forma de jam que acaba en los confines del universo. 

El duelo de guitarra y bajo que se produce en “Beyond the sades”, adquiere unas cuotas de intensidad que nos hacen viajar a los setenta. El momento dorado de las bandas de hard-progresivo queda reflejado en un oscilante tema que usando registros vocales  cercanos al hard&heavy, aterriza en pistas más terrenales y tranquilas usando amenazadores registros vocales operísticos sobre esa experimentación instrumental de tintes progresivos.

Si hay dos cosas que me sorprenden en “HOPE?” son la facilidad con la que encajan  las complejas piezas compositivas para que el puzzle no se resienta y la facilidad para transitar por distintos estilos con una cohesión en la que no se aprecian los cambios.

Unas campanas eclesiásticas y unos coros pastorales dan paso a un ejercicio de hard-progresvio setentero de libro en “Children”.  Un tema que parece sacado de un disco de los británicos GRAVY TRAIN; inevitable la comparación. Y esto es una comparación en positivo,  puesto que hablamos de una magnífica banda. Pasajes progresivos, coros, psicodelia ácida, ritmo, órgano retro, guitarra que  regala fuzz a raudales. incluso aparecen voces pseudo-árabes que le dan el toque oriental o andalusí a un bello tema evocador de momentos de gloria de grandes imperios.  

El broche final este compendio de buen hacer es tarea de “Home”.  Con relajantes momentos acústicos, sobre un cielo gris, luna grave y viril voz nos narcotiza antes del aquelarre somnífero de los momentos de una susurrante guitarra, que nos adormece creando una atmósfera de relajación y bienestar que adquiere profundidad con unos teclados que culminan una composición relajada pero con una solidez que no admite margen de duda.

Es fácil ponerse a escribir de trabajos de estas características y mucho más si vienen de la escena psico-progresiva nacional. Un empujón para seguir teniendo “ESPERANZA” en la buena música y en los buenos discos y .”HOPE?”, lo es!!! todo un canto a la calidad musical.

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