Reseña.- BRIGHT CURSE “Time of the healer”

a0441295661_10

Nuevo trabajo de BRIGHT CURSE con muchos cambios respecto a su anterior álbum “BEFORE THE SHORE”. Han pasado tres años y el sonido de la banda ha sufrido modificaciones con su nueva alineación. Convertidos en cuarteto con Romain Daut (miembro fundador) guitarra y voz, Tommy Foster (guitarra), Sammy Deveille  (bajo) y Mark Buckwell (batería), dan una vuelta de tuerca a la escena pesada y psicodélica con un trabajo en el que a través de cinco largos temas consiguen tocar estilos tan variados como el jazz, blues, psicodelia, progresivo, stoner…. Todo soportado por un rock de origen setentero, desarrollando cada tema con esmero, para conseguir crear una historia común. Incorporando hábilmente sonidos de saxo o de flauta que pueden descolocarte en un principio, pero que finalmente saben a gloria bendita. Delicados en sus melodías, la dupla de guitarras siguen aullando al unísono sobre una base rítmica que siempre se presenta contenida. Si unimos la fuerza vocal de Ramain, y los pasajes en los que se sumergen en aguas heavy-psych, nos encontramos toda una joya que rompe estereotipos. Si, muchos lo definirán como retro-rock, otros como heavy-psych, pero muchos, es posible que no logren encontrar las palabras adecuadas para describir un álbum superlativo. ¿Y eso que más da?. En “TIME OF THE HEALER” lo verdaderamente importante, no es el estilo que usan, sino como lo usan. Temas que te dejan con la boca abierta, en los que lo sutil se combina con lo firme. Maravillosas melodías que se colorean de una amplia paleta de tonos para lograr un cuadro sonoro digno del museo más reputado. Tengo que reconocer que desde la primera escucha me atrapó, y en cada nueva audición sigo sacando más y más matices. Una belleza superlativa e intensa de la que no quiero escapar. Podríamos encontrar momentos en los que escuchamos a All Them Witches, pero también tenemos muchos otros en los que los ecos de cualquier afamada banda retro aparecen sin darnos cuenta.  Magnéticos y hechizantes en sus pasajes, consiguen que la magia aparezca. Por otro lado, las locuciones que incorporan al final de cada tema, son difíciles de encajar, pero a buen seguro, la banda tendrá su razón para ellas. Para mí, es única incógnita que no he sabido descifrar, pero ésto no desmerece un trabajo en el que cada nota fluye con naturalidad a pesar de los numerosos cambios de ritmo y de registros. ¡¡Grandioso!!! Como recomendación, si en una primera escucha no te ha enganchado, repite, los nuevos viajes son cada vez más placenteros. Otro gran fichaje de Ripple Music, y ya van unos cuantos….

Unos suaves y apacibles pasajes nos introducen en “Smoke in the past”. Susurrante, los ecos setenteros en tonos progresivos van poco a poco construyendo un tema que va evolucionando a lomos del dulce sonido de una flauta que complementa a la cálida voz. BRIGHT CURSE nos va atrapando en tema en el que los elementos psicodelicos se entremezclan con pasajes que beben de momentos blues. Calma y sosiego bajo la atenta mirada de unos ritmos retro que van elevándose majestuosos ante nuestros sentidos. Ya desde el principio el poderío compositivo se deja notar. Ritmo, voz, melodía y sentimiento que se complementa con la dualidad de guitarras.  Cercanos a algunos postulados ya transitados por All Them Witches, los solos ácidos aparecen entre la bruma por la que nos dirigen. La culminación se produce en la parte final donde los momentos heavy-psych de apoderan del protagonismo custodiados por ritmos retro stoner que son tratados con delicadeza.

Sin muchos artificios, y usando el blues y la psicodelia, “Laura” nos muestra unas magníficas guitarras soportando la cálida y aterciopelada voz. Enmoquetados pasajes que se ven asaltados por un saxo que a nadie dejará frío. Lleno de belleza el tema crea un clima para la relajación y el sosiego. Las melodías son cuidadas con esmero utilizando elementos shoegaze para dotarlos de ecos jazzeros . Ese saxo me mata!!!!, pero de placer…. Esta es la prueba de que se puede ser creativo sin abandonar determinados esquemas. Nuevamente una extraña locución aparece en la parte final. espero en algún momento descubrir su sentido, que seguro lo tiene.

Si los dos temas anteriores nos han dejado estupefactos por su creatividad y calidad, “Une virée”, va más allá. Con una base de jazz, y cantando en francés cual artista de la canción francesa más clásica, construyen un corte alejado de cualquier estándar de la escena pesada psicodélica. Puede que no todo el mundo pueda apreciar ese giro compositivo, pero, sin duda, es genial.

“Shadows” sigue la el camino de la calma a través de senderos de psicodelia de tintes retro. Creando misteriosos entornos llenan de misticismo unos surcos sólidos . Cálidos susurros con acordes pegadizos a pesar de su sosiego. Incluso me atrevería a decir que se intuye alguna influencia chamánica que recuerda a Jim Morrison. Magnetismo y hechizante combina momentos de blues con voces shoegaze. Blues psicodelico de muchos quilates que explota con poderosos riffs en los que las guitarras vuelven coordinarse para ofrecernos retazos doom sobre esos mimbres. Casi recitando como lo hacía Morrison, una vez narcotizados vuelven a despertarnos a golpe de riff. Diez minutos apoteósicos llenos de fuerza y garra. Toda una epopeya sonora de dimensiones descomunales.

Tomando como punto de partida el rock clásico que residía en los setenta, la voz vuelve a marcar la entrada en “Time of the healer”. Un nuevo ejercicio creativo en el que los ecos de los noventa se fusionan con poderosos riffs stoner. Con momentos más cercanos a lo que nos tenían acostumbrados en sus anteriores trabajos, la garra sigue marcando otro tema lleno de meandros. Seguramente estemos ante un corte extraño, pero precisamente esa es su virtud. La habilidad para manejarse entre momentos que llegan a ser desérticos con calmadas lagunas en las que el jazz el Dios Neptuno. ¡¡¡Otra vez ese maldito saxo me revienta la cabeza!!!. “TIME OF THE HEALER” tiene la destreza siempre para mantenernos alerta.  Cuando más enchufados estados, nos vuelve a descolocar con extraños efectos dejándonos aletargados. Una vez allí resurge como el Ave Fenix de sus cenizas para devolvernos al hard rock más contundente.

El disco está disponible vía Ripple Music.

https://www.facebook.com/BrightCurse/

https://www.facebook.com/theripplemusic/

Anuncios

Reseña.- BRANT BJORK.- “Jacoozzi”

a2970822346_10

Uno de los pioneros del desierto presenta su nuevo álbum en solitario. Personalmente cada día me siento más atraído por su creación en solitario, a pesar de reconocer que con Kyuss fueron crearon un sonido que ha dado mucho de sí y cuya estela es enorme y sigue siendo fuente de inspiración para multitud de bandas.

“JACOOZZI” ve ahora la luz con grabaciones efectuadas en diciembre de 2.010, cuando BRANT BJORK, en una casa en Joshua Tree pretendía grabar otro disco en solitario. Cuatro días de grabaciones que el músico decidió abandonar las ocho canciones en las que estaba trabajando. Junto a su amigo e ingeniero Tony Manso, comenzó a grabar y a tocar la batería con improvisaciones espontáneas. Luego fue incorporando las guitarras, bajo y percusiones sin perder el espíritu de la improvisación.   Las grabaciones sin terminar se quedaron en un estante. Bjork había quedado más satisfecho con las sesiones improvisadas, recuperándolas ahora para gozo de sus seguidores. Los diez temas aquí contenidos, recogen aquellas sesiones reflejando toda la frescura de un músico que toca y se divierte. Un disco sin ataduras en el que se deja llevar por sus instintos, y ¡¡de qué manera!!.

Había noticias de estas cintas, pero la incertidumbre sobre si verían la luz en algún momento siempre existió. Ahora tenemos la respuesta ante nosotros.

En “JACOOZZI” encontramos la mejor versión posible de BRANT BJORK.  Puede que los acérrimos seguidores de Kyuss puedan verse defraudados, pero, si olvidan los complejos podrán disfrutar de un disco hecho con espontaneidad y en el que se ven reflejados una gran variedad de sonidos que hemos venido escuchando durante décadas, rock, blues, Funky, psicodelia, jazz, ecos west-coast, así como el desert-rock que le aupó a la fama. Todo un acierto que puede convertirle en uno de los albúmenes más destacados de su discografía.

Estamos ante un trabajo prácticamente instrumental basado en jams en el que cada tema tiene mil matices.

“Can’t out run the sun” deja claro que nos vamos a encontrar en los surcos de “JACOOZZI”. Improvisaciones bajo cadentes ritmos de batería repetitiva de hipnótica. Unos acordes que se repiten insistentemente a través de una introducción de casi dos minutos ejecutados con parsimonia. Un tema en el que parece que vayamos en un tren por el desierto desde cuya ventana vamos viendo pasar el paisaje. Un corte contemplativo con sutiles acordes de psicodelia apacible y olor a cactus.

En sus últimos discos, el músico de californiano nos ha ofrecido múltiples temas en los que el funky hacía acto de presencia. Aquí, “Guerrilla funk”, refleja ese groovy en el que el bajo y la batería adquieren una cadencia pegadiza y llena de frescura. Jugando con los ritmos a través de los distintos instrumentos, las melodías desaparecen. Cambiantes armonías van moldeando sus formas en improvisaciones sosegadas en las que demuestra su versatilidad y habilidad, tanto con la batería como con la guitarra. El tema refleja a un músico divirtiendo tocando, jugando con ritmos y acordes que repite a su antojo, y eso consigue transmitir que nos sentamos partícipes del mismo.

Si las influencias musicales que contiene “JACOOZZI”, son múltiples y variadas, solo hay que escuchar “Mexico city blues” para corroborarlo.

Con el protagonismo de la batería, una nueva jam con matices jazz coquetea con una guitarra que rezuma blues mirando a esas plantas que corretean por las arenas del desierto.  Tengo la completa sensación de que la grabación es fiel a la original, sin aditivos, ya que el resultado es como si el tema estuviera inacabado.

En poco más de medio minuto, ejecuta un calentamiento de batería, sin más, en “Five hundred thousand”. Siempre me pregunto porque muchas bandas incluyes cortes así en sus discos, que personalmente creo que aportan poco, pero supongo que su motivo tendrá. Bien es cierto que sirve de introducción a uno de los temas que personalmente más me gustan de todo el álbum. “Black White wonderland” nos lleva a paradisíacos espacios a través de ensoñadores acordes de guitarra que parten desde una calma y un sosiego introspectivo. Acordes melancólicos que evocan una cierta mirada al pasado. Un tema en el que la añoranza está presente y que contrasta con el distinto carácter que tienen las guitarras con respecto a la batería. Por otro lado hay que destacar el magnífico trabajo de bajo que contiene, un bajo que puede pasar desapercibido, pero que resulta fundamental en la construcción del corte.

Con pedales y distorsiones, “Oui” combina ritmos jazz con psicodelia relajante. Guitarras superpuestas en distintos estratos definiendo claramente su papel en los ritmos, y en los solos. Un soplo de fuzz humeante con el jazz muy presente. Otro tema brillante.

Si, el jazz está muy presente en “JACOOZZI”, así “Mixed nuts”, sigue esa cadencia musical, con un ritmo de batería y bajo tonos vintage en una nueva jam en la que la guitarra pone los tonos más oscuros e hipnóticos. Susurrantes, incorpora un órgano en segundo plano que tiñe de ocre un el tema.

El Brant más rítmico y bailable aparece en “Lost in race”, Compases funkys de percusión con un bajo hipnótico y pulsante prescindiendo de las guitarras

La psicodelia tiene un nuevo espacio donde desarrollarse en “Polarized”. Bajo ritmos de jazz, los solos más ácidos tienen su espacio aquí. Distorsiones y leves acordes de piano con una batería al ralentí, van arropando los momentos más diabólicos de Bjork y su guitarra.  Otro tema que se presenta como incompleto en su aspecto, y que ocupa el espacio lisérgico de este versátil trabajo.

Si los nueve primeros temas del álbum son jams instrumentales en las que la improvisación está presente, “Do you love your Word?”, es el único tema en el que ponemos escuchar la voz de Brant. Dulzura y con reminiscencias del verano del amor, las melodías y los sutiles acordes de la guitarra solo sirven de cobertura para una voz llena de sentimiento y calma. Un broche final perfecto para un trabajo que cuanto más escuches más te sentirás atraído por su contenido. Seguramente el hecho de publicar los temas en bruto hace que su valor se eleve, y se aprecie con un mayor reconocimiento. Frescura y naturalidad en estado puro.

https://www.facebook.com/BrantBjorkOfficial/

https://www.facebook.com/HEAVYPSYCHSOUNDS/

Reseña.- KAMALA.- “Your sugar”

a2325942514_16

Nacidos en la floreciente escena artística y musical de Leipzig, el quinteto alemán publica vía Tonzonen Records su tercer álbum “YOUR SUGAR”. Un sello que nos tiene acostumbrados a propuestas que se salen de modas y convencionalismos, lo cual es de agraceder. Su nacimiento en esa cuna creativa, da como resultado un álbum fresco que combina y toma prestados elementos que van desde la psicodelia, el swing, el kraut, las vibraciones Funky, por supuesto el rock y sobre todo el jazz. Tomando el legado de algunos sonidos de los setenta, KAMALA tiene su estilo propio como reflejan los siete temas incluidos en “YOUR SUGAR”. Ritmos divertidos y optimistas que palpitan en una amplia gama de melodías que transitan desde los sonidos más underground hasta momentos de melancolía. Todo envuelto en una vestimenta elegante y refinada.

Con un estilo personal y creativo sus siete temas son un soplo de atrevimiento y excelencia creativa. Desde la complejidad hasta la más absoluta sencillez, los temas fluyen con dinamismo. Delicados y versátiles, la incorporación del sonido del saxo les aporta un aire distintivo.

En temas como el que abre el disco como “Morning Sighs” o “Chronic Burden”, podemos encontrar una cadencia vocal que me recuerda al Zappa de los ochenta. Utilizando sonidos de fusión jazzística, llenas sus sonidos de luz sin renunciar a buenos solos de guitarras. Los temas van moldeándose con agilidad, con giros hacia escenarios rock e incluso algún momento cercano a dictados progresivos. Una cadencia exquisita y elegante en todas sus composiciones.

La ternura con la que transita “The sunshine of your love”, se acompaña de cadentes ritmos que se van tornando cada vez mas sugerentes. Aterciopelados y elegantes, el tema nos ofrece alguna guitarra que evoca algunos momentos del Santana más cercano a la fusión.

KAMALA logra combinar distintos ritmos en cada instrumento, si la batería sigue acordes jazz o kraut, podemos encontrarnos guitarras que transitan por el rock o la psicodelia sin que esto desluzca el tema, sino todo lo contrario. De esta manera la parte final del tema contiene uno de los momentos más intensos del disco.

Un refinamiento que denotan cortes como “Azucena” Ese rock elegante que hace décadas ejecutaron bandas como Steely Dan, y que, de alguna manera se ve ahora reflejado aquí. Las guitarras, bajo un aura de melancólica vocal coquetean con el funky y el swing, pero sin renegar del rock clásico.

En una línea más jazzera, “Country dog” o “Absorver” con los sonidos de vientos, vuelve a vestirse de etiqueta y pajarita. Cortes aterciopelados con reminiscencias de música de club selecto, avanzan divertidos y profundos.

Toda la ejecución se produce con una naturalidad que hace que pasemos del sonido de un saxo profundo a suaves pasajes de guitarra que ejecutan solos de psicodelia atractiva en la que el wah-wah hace acto de presencia enseñándonos la vena más psicodélica de los alemanes. Siempre luminosos, en “Absorver” se muestran algo más experimentales y versátiles todavía, con constantes cambios de registro en su creatividad.

“Losing it sometime” nace a partir de un bajo nítidamente jazz, mientras las armonías pop-rock y la profunda voz parecen ir por otro lado, cuando la realidad que el cuadro que generan tiene todo el sentido. Un oleo multicolor en el que los instrumentos aportan un grado de protagonismo suficiente como que el resultado sea de lo más apetecible con las guitarras más profundas e incisivas de todo el trabajo.

KAMALA está formado por:  Christian Kämper (voces), Henry Mitko (batería), Hannes Gernot Peter Gröschner (bajo), Theo Johannes Maria Rolfs (guitarra), Eric Glatze (guitarra) , acompañados por el saxo de Jörn Kleinbrahm

https://www.facebook.com/kamalapsych/

https://www.facebook.com/Tonzonen/

GROOVER VON KRÜGER.- “The Scientist and The Monkey”

a2130617058_16

El cuarteto de Melbourne GROOVER VON KRÜGER  nos trae “THE SCIENTIST AND THE MONKEY” siete años después de su primer registro. Seguramente será demasiado tiempo, pero lo cierto es que ofrecen una versatil combinación de estilos que van desde el hard rock hasta el funky, con una clara influencia de Frank Zappa en su sonido. Ellos mismos define su sonido como si Frank Zappa y Mr Bungle se encuentran con Turbonegro y Brant Bjork. No sé si será pretencioso, pero lo cierto es que estamos ante un variado y animado registro.

Los contundentes riffs de “Dynamite”, con clara influencia del hard rock de los setenta, se ven salpicados con voces que bien podrían recordarnos a Zappa. Una estructura oscilante y potente, con altas dosis de energía, en la que no faltan unos eficaces solos de guitarra a un rítmo vertiginoso.

Siguiendo esa estela “Pussy and pancakes” aparece como un corte más espeso, rescatando sonidos blues-rock y algún eco de Brant Bjork más pantanoso y humeante. Un groovy retro con una acidez evidente en la que el humo enturbia el ambiente.

A continuación The Scientist and The Monkey” nos muestra el lado más zapesco de la banda. Extraños ritmos bailables, con una linea de bajo y ciertos aires negroides, dan cabida a guitarras distorsionadas ejecutadas con virtusismo. 

Con voces en italiano, “Magic beans” colorea de sonidos vintage sesenteros a base de cajas de ritmos y sintetizadores. El bajo se muestra sólido y dominante con unos lisérgicos solos de  guitarra que se inmiscullen en la composición como venidos de otro espacio.

Con notas cercanas las pop-rock y al jazz que sale del piano, “Already gone”  es una conjunción de elementos musicales que abarcan distintos estilos. Las guitarra hirientes no faltan a su cita en este combo.  

Deficil definir cual es la verdadera apuesta de los australianos, pero lo cierto es que  el resultado de “THE SCIENTIST AND THE MONKEY” es mas que apetecible. Como una isla en una trillada escena retro,  GROOVER VON KRÜGER emergen con luz propia mostrándose como un nuevo brote que surge del prolifico arbol de la escena australiana, que continua dándonos muy buenos frutos.

 

https://www.facebook.com/Groover-von-Krueger-153935281329861/

INA MAKA “PRAYING ON SATELLITTES” (Australia) (28/02/2018) (Pepper Shaker records)

a4020940580_16

Nuevo proyecto musical de Frank Attard (MOTHER MARS, FROZEN PLANET….69, LITTLE BIG WOLF). El prólifico musico australiano nos sorprende a los seguidores de los sonidos psicodélicos de las bandas en las que milita con un exquisito trabajo musical.

El de Sidney, se pone el frac y la pajarita para regalarnos un disco elegante, lleno de sensualidad. En un ejercicio de fusión, a través de composiciones de smooth soul-jazz, blues, soft rock, salpicados por ciertas dosis de blues y de la psicodelia con aroma experimental que siempre ha estado presente en sus discos. Acompañado para la ocasión de la brillantísima cantante Opal Maka AM, Ray Ledesma (guitarra), Simon Kay (bajo), su compañero de viaje en MOTHERS MARS Y FROZEN PLANET… 69 Paul Attard (guitarra), encargándose él de la batería, percusión, teclados y bajo en alguno de los temas.

“PRAYING ON SATELLITES” se abre con una intro con efectos sintetizados de un minuto escaso, que nos deja confundidos de por dónde va a ir el disco.

Inmediatamente la primera sorpresa nos llega con los primeros acordes de “The Core”. Un suave y melódico tema con una cálida voz femenina con registros de jazz y soul, llena de elegancia. Ritmos jazz en la batería y el bajo. Nada parecido a lo conocíamos del australiano. Tras la confusión y estupefacción por los sonidos que saltan del disco a nuestros oídos, el sosiego y sensualidad de la voz de Opal Maka AM se apodera de nosotros en todo goce musical.

Esta línea se mantiene durante todos los temas del disco, aderezado de nuevos y variados elementos compositivos. “Kingdom maker” junto a la sensual voz llena de sentimiento, el resto de los instrumentos se contagian de ese registro vocal, mostrándose con una suavidad y tranquilidad propia de esos momentos de intimidad con uno mismo o con la persona querida. Ideal para veladas románticas. Con todo ello, no estamos ante un disco jazz  tradicional. La formación, se permite ejercicios en los que la guitarra transmite humos psicodélicos, sin que estemos hablando propiamente de una psicodelia pesada.

Sonidos con un acento de jazz más marcados aparecen en “Praying on satellites”, el corte que da título al disco. La batería y el bajo marcan el comienzo de un tema en el que la fusión entre el jazz y el soft-rock es evidente.  Un tema para amantes de los californianos Steely Dan, pero bajo un humo lisérgico, con una parte final en la que los instrumentos dominan la escena en un insistente ejercicio de experimentación.

Gratificantes acordes de guitarra acústica abren “Bird on a wire”. De nuevo la sensualidad vocal custodiada por una tranquila base rítmica, y un mayor protagonismo de la guitarra.

Si antes comentaba que no estamos hablando de un disco de stoner, ni siquiera de heavy-psych. Estemos hablando de un disco de jazz, y por si había dudas, “Carry me home” es la prueba de ello. La voz más “negra” hace acto de presencia, Como si estuviéramos escuchando a Billy Holiday el tema, va cabalgando hacia terrenos blues con un brillante solo final de guitarra.

Estamos ante músicos que viven entre psicodelia, y eso se nota en alguno de los pasajes de “Over the moon”.  Un bajo poderoso, y un acompasado ritmo de batería se mantienen durante los ejercicios lisérgicos que transmite la guitarra.

Acordes que se repiten como soporte y ritmo a un trabajado y estructurado tema en el que las guitarras más ácidas toman el protagonismo. Toda una delicia.

Si antes mencioné que estábamos ante un ejercicio de experimentación, “GGantija es prueba de ello. Sonidos tropicales se entremezclan con la psicodelia en un aparente caos espacial, lleno de efectos dónde cada instrumento se ejercita a su placer.

“Red man blue star” Es una lograda mestizaje de estilos que conviven en armonía. Sonidos retro se fusionan con el funk, la psicodelia, el soul y el jazz en un tema lleno de ritmo subliminal.

“A million years” nos devuelve al jazz lisérgico, en otro logrado tema.

Evidentemente, nos encontramos ante un grandísimo disco que sorprenderá a muchos. Seguramente éste no es el disco más indicado para los amantes de los sonidos más pesados, ni para muchos fieles seguidores del stoner. Pero la calidad contenida en “PRAYING ON SATELLITTES” está fuera de toda duda. Hay una frase que suele estar en mi boca con frecuencia…. “mente abierta a nuevos sonidos”. Y esto es lo que recomiendo para disfrutar de INA MAKA.

Un álbum, en el que en una escucha detenida, van apareciendo matices sonoros que la primera audición seguramente habrán pasado imperceptibles. Es de los discos que cuanto más escuchas, más te gustan. Y eso significa algo…….