JAKOB SKOTT.- “Instrumentality”

 

El batería de CAUSA SUIJakob Skøtt desata con “INSTRUMENTALITY” su visión más personal e introspectiva hasta la fecha. Una experimentación en la que los componentes de su fórmula son los sintetizadores, y la baterías con altas dosis de efectos, todo ello, bajo intensos e hipnóticos ritmos vanguardistas que se encuadran dentro de su madurez musical.

Una espiral de efectos con tonos espaciales y momentos de gran paranoia, siempre custodiados con solventes y narcóticos ritmos. siempre repetitivos, pero en constante movimiento. Desde los micro movimientos en los polirritmos con inmersiones hasta las profundidades de los nervios astillados, reconectándose con su flujo natural. A veces perdido pero siempre lleno de experimentación.

Así, “The dura plane”, con una incisiva sección de batería y efectos sobrevolando, atraviesa la estratosfera con estructuras repetitivas que inciden en el oyente. Las plomizas vibraciones del tema son complementadas con una temática sideral.

Surcos profundos que por otro lado se reducen a lo minimalista. Si algo tiene esta trabajo es la persistencia de los efectos y lo grandioso de los poderosos ritmos de percusión. 

En “Second foundation” los elevados efectos no quietan la mirada a los contundentes ritmos de la batería de Jakob. Un a ida y vuelta constante en óvalo oscilante. La sombra futurista pseudo-espacial persiste Una maraña sonora incisiva y profunda. Una espiral de la que logra salir disminuyendo la intensidad con ingravitarios momentos drone marcados por los sintetizadores. 

Estados de alteración son descritos en “Altered state”. Como su propio nombre indica. El conjunto del tema relata ese estado con inquietantes y paranoides ritmos machacones. Una, perturbación del estado de ánimo en el que la melodía desaparece parta conseguir describir esa disposición. 

Sobre terrenos más psicodélicos, “Purple visage”, en atmósferas más pausadas se aleja de alguna manera del histrionismo. La ambientación espacial  viene marcada por estalas de polvo sideral de tintes futuristas.

Sobre extraños efectos con la batería como protagonista, “Tapping the source with the lords instrumentality”, los sonidos kraut repetitivos continuan en esa apuesta por atmósferas futuristas interplanetarias con surcos profundos e intensos. Unos fangosos sintetizadores que miran hacia el interior y que crean un conjunto absolutamente experimental.

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VESPERO.- “Hollow moon”

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Un nuevo viaje sideral de la formación rusa VESPERO. En su sexto trabajo “HOLLOW MOON” continúan ofreciéndonos la versatilidad a la que nos tienen acostumbrados. En el disco no faltan a su habitual apuesta por la psicodelia, pero aquí, se inclinan más a espacios progresivos en los que el denominador común sigue siendo las atmósferas astrales. Dotando a su música de bastantes elementos electrónicos y sonidos étnicos. Una atmósfera siempre futurista con una profusión de cambios y elementos de distinta procedencia en una constante mutación sonora.  Rock espacial con matices progresivos y jazzisticos sin perder de vista la mirada psicodélica de la banda. 

Con atmosféricos e interestelares sonidos de sintetizadores la mirada sobre el horizonte lunar queda reflejada desde la lejanía en “Watching the moon”. Un dinámico tránsito en el que una batería de corte marcial rodeada de numerosos efectos abre un hueco a la guitarra generando una nueve de meteoritos. Una maraña sonora en la que todo parece difuso. “Flight of the lieutenant” acaba descendiendo a espacios ingravitatorios en los que la guitarra , con sus solos, se lleva el protagonismo. Espacial y futurista, la psicodelia está presente en unas notas que navegan entre una histriónica instrumentación que coquetea con momentos free-jazz en los que los sonidos de saxo hacen acto de presencia.

Si la voluptuosidad de alguno de los momentos de la banda puede parecer excesiva, los acordes acústicos de “Sublunarian” consiguen bajar el pistón de la intensidad acercándonos a espacios mucho más sinfónicos. Agradables sonidos de violines se van recostando poco a poco sobre territorios de fusión jazz consiguiendo una frescura a través de la guitarra hasta que nuevamente el saxo hace que la maquinaria se desboque alborotándose hacia esos momentos precedentes de free-jazz. Para recuperar la sutileza anterior a base de esparcir leves efectos espaciales.

Los elementos kraut electrónicos están presentes en “Moon-trovans”. Ocho minutos de repeticiones hipnóticas que vuelven a inclinarse hacia escenarios de fusión jazzística de tinte espacial.

Evocando entornos de naturaleza virgen, “Mare ingenii” con sus suaves pasajes nos transmiten ese confort usando nuevamente el saxo y los violines en un bello tema.

Mas enigmático, “Feast of selenites”, con sus once minutos en los que nuevamente la fusión jazzística, combinada con una difusa instrumentación y momentos de ampuloso rock progresivos, intercala una guitarra tan ácida como en sus anteriores discos. Los elementos étnicos son mucho más evidentes en este nuevo espacio interestelar que nos propone VESPERO. La combinación y giros que da el tema consigue una intensidad adornada con gotas lisérgicas en un mar de espacios orientales.

Siempre intensos, y versátiles, los rusos a través de efectos sostenidos en espacios enigmáticos consiguen reflejar una belleza bucólica en “Watershed point”. Nuevamente en el espacio exterior los violines y los omnipresentes sintetizadores nos relajan después de la intensidad precedente.

Usando nuevamente esos elementos étnicos tan presentes en “HOLLOW MOON”, “Tardigrada’s milk” refleja la ingravidez dese una mirada pausada con mucho acento sinfónico. Momentos de clasicismo aparecen con unos teclados y sintetizadores que colorean de efectos la aparente oscuridad en la que desarrolla el tema.

Con una mayor intensidad, “Space clipper’s wreckage” la experimentación psico-progresiva se ejecuta siguiendo lo ya visto desde sus comienzos.

VESPERO cierra el que es posiblemente su trabajo más experimental con la relajación y placidez que nos transmite la susurrante “Watching the earth rise”.

“HOLLOW MOON” está disponible via Tonzonen Records y en él han participado:

Ivan Fedotov (batería, percusión y efectos de percusión)
Arkady Fedotov (bajo sintetizadores, y efectos)s
Alexander Kuzovlev (guitarra y mandolina
Alexey Klabukov (teclados y sintetizadores)
Vitaly Borodin (violín y acordeón)
Pavel Alekseev (Saxo tenor)

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https://www.tonzonen.de/

UNIVERSO ROJO.- “Impermanencia”

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Desde las orillas del Pacífico, en la región de Valparaiso UNIVERSO ROJO nos presenta su primer trabajo, “IMPERMANENCIA”. Un disco conceptual de rock espacial en el que no faltan los elementos kraut así como vestigios doom, dentro de un marco lisérgico; en el que, según palabras de la propia banda, se describe un tránsito desde la muerte hasta el todo unificador, desde la desencarnación de la consciencia.
Estamos ante un album misterioso e inquietante, a la par que intenso. Ya desde su inicio la banda nos plantea sus enigmas. ¿A donde ir?, el primero de los temas, nos plantea la primera incognita. En realidad se trata de las primera de las fases en ese transito entre la vida y la muerte. A través de sintetizadores UNIVERSO ROJO profundiza en esa incógnita con el uso de envolventes efectos espaciales. La repetición kraut está presente en el estado de disolución de lo material. Indefinidos espaciós cósmicos se presentan ante nosotros con una fornida instrumentación. Distorisones e incisivos ritmos profundizan en el dilema hasta la liberación final en un jeroglifico que no para de fluir.
Un cauce que desemboca en un océano donde los enígmas se resolverán.
El tránsito cósmico entre la vida y muerte el descanso infinito sigue describiendose en “Visión planetaria”. Extrañas voces mántricas nos acompañan en ese tránsito espacial. A modo de bálsamo las voces sosiegan la enigmática composición dentro de su propio ritual. Esquivando tormentas de meteoritos  en el que la percusión aumenta progresivamente en intensidad a medida que se desarrolla la pista, dando el espacio necesario para que las diferentes personalidades de los instrumentos en ejecución converjan en una tormenta de psicodelia espacial profunda. La guitarra, los sintetizadores y el bajo proporcionan los colores de este océano multicolor.
Sonidos de clarinete acompañan la sucesión de efectos espaciales en “Cinco (La quinta dimensión)”. Una vez traspasada la frontera hacia ese mundo paralelo tras el deceso, el tema describe desde elementos cósmicos ese espacio que sucede a la muerte. Lo divino se muestra enigmático generando expectación ante esa nueva dimensión. Una ingravidez que levanta las almas en un espacio infinito. Morfínico y relanjante tras la inquietud generada en su primara parte, el corte, se va disipando tenuemente. Las vocels se escuchan en la lejanía susurantes e indescriptibles a su vez.
El album se cierra con “Inmaterialización del Sentimiento Cósmico”. La razñon y lo humano ha desaparecido de la porpuesta de la banda. Describiendo entornos siderales, los sintetizadores y los efectos se suceden. aparecen nuevamente los elementos kraut. Una vez atrapados en sus surcos, el trance es total. Usando el sonido de una bateria incesante en la lejanía, desde otra dimensión a los efectos, poco a poco la intensidad va aumentando. Como si todo fuera a desaparecer en un nuevo big-bang el corte evoluciona  histrionicamente hasta su total desvanecimiento.. 
UNIVERSO ROJO está compuesto por  Ferro Vargas-Larraguibel (Guitarra, Clarinete, Voz, Bucles y Efectos) Naim Chamás (Batería) Cristóbal Montenegro (Bajo) y Francisco Arellano (Sintetizadores)

ACID MOTHERS TEMPLE.- “Electric Dream Ecstasy”

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“ELECTRIC DREAM ECSTASY”, el nuevo capítulo de ACID MOTHERS TEMPLE AND THE MELTING PARADISO U.F.O., nos trae poderosos sonidos que emanan y fluyen llenos de efectos y con una sección rítmica renovada y fuerte que presenta a dos jóvenes y extremadamente talentosos músicos japoneses,- Satoshima Nani en la batería y Wolf, en el bajo, un vocalista único, Jyonson Tsu, el maestro gurú Kawabata Makoto está claramente re-energizado y totalmente en sincronía con su cosmos.

Publicado el pasado 13 de abril, se encuentra disponible a través de Essence music, en formato, CD, vinilo y en una edición especial.  Producido y mezclado por Kawabata Makoto. Masterizado por Justin Weis en Trakworx, y portada de Penabranca

“ELECTRIC DREAM ECSTASY” abarca uno de los mejores momentos absolutos de este legendario grupo de rock psicodélico japonés. Desde la canción de apertura, que pronto se convertirá en un clásico salvaje, pero hermosamente compuesta, “From Planet Orb With Love”. Un corte en el que la experimentación psicotrópica llena de efectos una atmósfera difusa que atraviesa la burbuja de la instrumentación, dispersándose sobre el oyente. Con unos cambios de ritmos salpicados por reconfortantes voces que incitan al relax más plácido.

Con dos diferentes versiones de “Pink Lady Lemonade”. (You’re my orb) y (Electric dream ecstasy). Un tema con una acústica con arreglos de cuerdas pastorales, complejos sintetizadores fantasmales y armónica. Una composición proto-disco épica de lado largo fuertemente sostenida por la nueva sección rítmica y su repetición hipnótica influenciada por Kraut. en la que no faltan los floydianos fluidos lisérgicos.

“Sycamore trees” indice de alguna manera en esa línea floydiana que vimos en el tema anterior, esta vez con extraños efectos. Lángidas voces llenas de desasosiego, flotando por encima de una calmada y melancólica instrumentación. Un tema mucho más terrenal, al márgen del istrionismo de alguno de sus solos de guitarra causantes de ese desasosiego.

Cruzando las fronteras de la improvisación y avanzando hacia la composición libre, “ELECTRIC DREAM ECSTASY” es un verdadero hito de una de las bandas más queridas de todos los tiempos.

Edición de CD limitada a 500 copias. Empaquetado de portada mini-LP de punta firme en el que se muestran ilustraciones completamente diferentes de la edición LP. Incluye una tira de OBI y una pista adicional. 

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JONAS MUNK.- “Absorber Fabric Cascade”

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Disponible nuevamente a través de El Paraiso Records el segundo album del guitarrista de Causa Sui, Jonas Munk.
Tres piezas largas que no están definidas por el enfoque de guitarra característico de Munk, sino que es más bien una visión musical de sintetizadores clásicos, órganos, piano y electrónica analógica elegantemente entrelazados para crear extensas formaciones de sonido puro. La simplicidad armónica y la dedicación ilimitada al equilibrio sónico y la textura es una de las primeras en el cuerpo de trabajo de Munk. Esta es la música de patrones, caracterizada por construcciones lentas y transformaciones sutiles, pero refinadas, donde los cambios tectónicos graduales y los pequeños gestos armónicos generan vívidas respuestas emocionales. En lugar de imponer cualquier intención o significado directo, es un álbum que puede crear un entorno mental para que el oyente se expanda y se abra.
 
“Absorber”, ocupando todo el lado A, es una pieza de equilibrio meticuloso, estructurada a partir de técnicas que recuerdan a los minimalistas clásicos: patrones de sintetizador analógico suave y brillante en movimiento perpetuo, creando nuevo contenido armónico a medida que progresa cada barra. Poco a poco, se introducen los efectos modulares aleatorios, así como las capas de ruido blanco y los drones de guitarra desafinados, sobredimensionados, que bañan lentamente la pieza con pelusas filtradas con calor.
 
El lado B se abre con dos líneas idénticas de órgano tocadas una contra la otra. Después de unos minutos los órganos se traban en un flujo sin esfuerzo, rodando suavemente hacia un pico pastoral varios minutos más tarde, donde el piano y varias capas de electrónica entran en el paisaje sonoro, recordando el espiritualismo de Alice Coltrane o Popol Vuh.
 
La última canción del álbum, “Cascade”, se abre pacíficamente pero pronto se cruza con una psicodelia auto-oscilante multicultural, relacionada en espíritu con el anterior álbum solista de Munk, “PAN”, lanzado en 2012. Gradualmente las capas de sonido entrelazadas se elevan a enormes ondas de saturación sónica , donde cada dron armoniza contra capas de pulsos distorsionados.
 
La música como esta se percibe como increíblemente simple y de flujo libre, pero, como en el caso del mundo biológico, revela minuciosidades texturizadas y una intrincación entrelazada una vez estudiadas de cerca. Cada pequeño detalle sirve a la imagen más grande. Es música que prácticamente vibra con posibilidad.

SOUNDS OF NEW SOMA.- “Live At The Green Mushroom Festival”

 

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Después del gran éxito de su último álbum “La Grande Bellezza”, del que tanto la prensa como los fanáticos hablaron como el destacado Neo-Krautrock, SONS sorprende porque el nuevo álbum es una versión modificada de su sonido siempre emocionante y experimental.
Menos marcada por la electrónica que en los últimos álbumes, la tendencia hacia el rock espacial predomina en “LIVE AT THE GREEN MUSHROOM FESTIVAL”, fuertemente respaldado por sonidos analógicos en su amplia trayectoria de vuelo. 
El dúo Alexander Djelassi (guitarra, bajo, sintetizadores, efectos y  voz) y Dirk Raupach (sintetizador efectos y voces), logran incorporar nuevas experiencias en cada álbum, sin cambiar por completo el SOUNDS OF NEW SOMA más cósmico.
Con algunos músicos invitados entre los que estaba Armin Schopper, que ya realizó las percusiones en su anterior disco.
Publicado el pasado 23 de marzo, fue grabado y mezclado por SOUNDS OF NEW SOMA, correspondiento el proceso de masterización a EROC.

La portada es obra de Lana KinD Layout sobre un diseño de Dennis Gockel

Una gratificante y elajante introducción a base de teclados es el punto de partida de “Schein”. Voces ecualizadas con una mística sensorial anestesiante. A través de medidos pasajes  impregnados de fragancias reconfortantes que traspasan suavemente la linea de lo ambiental reinventándose así mismas. A lo largo de catorce minutos de vielo, planeando sobre nuestros sentidos y abriéndolos a una percepción en la que los estados de confort reparadores se apoderan del oyente.

Tras el trance del tema anterior, en “Om Namah”, una vez traspasada la dimensión sensorial realizada con su instrumentación, SOUNDS OF NEW SOMA genera un campo sonoro lleno de magnetísmo en el que los drones sobrevuelan nuestras cabezas con actitud liviana. Una fragilidad impostada y que sale de las entrañas de la banda. La composición se desvela como un ente con una gran fuerza interior. Una mística psicodélica, introvertida y a su vez transmisora de paz y confort interior. El resultado es un universo sensorial grandolocuente.

“Weinende Eidechsen”  explora el minimalismo espacial, tiñéndolo de armonías murmurantes. Bajo un cielo galáctico de proporciones infinitas los efectos ingravitarios hacen levitar las melodías en un ascenso hacia una nueva dimensión con tintes kraut.

 

Estructuradas electrónicas en la linea “KRAFTWERK” son dibujadas en “Projektionen” para introducirnos en inquietantes universos rebosantes de kosmikche-music a base de sintetizadores. Más cercanos al sonido de anteriores trabajos, los efectos y samplers se suceden minando poco a poco nuestras neuronas, abduciéndolas para su causa.

“Henriette Mutterkorn” cierra el disco con efectos espaciales en una composición de estructura libre en la que cada instrumento parece experimentar por si mismo con melodías y ritmos aleatorios. Toda una jam llena de tensión.

El disco está disponible a través de Tonzonen Records.

 

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FLYNOTES.- “Child in the woods”

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Procedentes de Rusia, Roman Komarov (guitarra, teclados) Natasha Bogulyan (batería) y Ilia Rytov (bajo) nos presenta su cuarto trabajo “CHILD IN THE WOODS”. Grabado en San Petesburgo en el invierno de 2018 en 2S Studio y masterizado por ELEMENTSTUDIO

Psicodelia pesada con ambientes refrescantes y perfumado en los que el aroma se vuelve intenso y penetrante. “Dark floyd” tiene momentos de bajo pesado y acordes de post-rock llenos de experimentación en su parte final.

“Wolf” describe una exhuberancia sonora que decae en oscuros pasajes inquietantes, sin faltar esos coqueteos post-rock que habían escuchado en el primer corte.

El peso de la batería y el bajo en los rusos es algo digno de destacar. “Green rodeo” es un claro ejemplo de ello. Toda una espiral difusa con riffs repetitivos y un inmenso trabajo de Natasha Bogulyan a la batería. Un lento bajo, una guitarra floreada mostrando un cierto virtuosismo. Tonos mágicos con los que FLYNOTES se mete de llenoen desarrollos experimentales con solos de guitarra que mutan en una especie de free-psycho tonificante y su vez inquietante.

“Witch” podría definirse como una pieza de post-metal exhuberante. Las distorsiones difusas y gruesas copan los desarrollos instrumentales. La batería es una apisonadora que cede terreno a un órgano hipnótico que desciende a territorios post-rock.

Los ambientes espaciales son también terretorio de los rusos. “Flower machine” es una viaje interplanetario a otra dimensión en la que el único vínculo con la tierra es el sonido de la guitarra. 

Coqueteos doom en un inquietante y repetitivo ejercicio de locura psycho y tensión es el contenido de “Marble”.

Una cosecha de sonidos llenos de experimentación psicotrópica con tintes doom. A ritmo lento, “Harvest time” para cavar hasta romper la barrera que le separa de otra dimensión.

Cierra el album “Child in the woods”, con un comienzo acústico, suave, dulce. ambientado en espacios intergalácticosque soportan las armonías de la guitarra acústica.  

 

 

http://www.flynotes.ru/

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