Reseña.- DIRTY SOUND MAGNET “Transgenic”

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El trío suizo DIRTY SOUND MAGNET publica su tercer trabajo “TRANSGENIC”, demostrando que la banda sigue evolucionando desde unos inicios en los que el blues estaba mucho presente. Con su segundo álbum incidían en escenarios psicodélicos que culminan en este álbum abriendo más sus horizontes y rescatando sonidos de los últimos 50 años con una mirada particular y personal. El álbum presenta una visión inquietante del presente y del futuro cercano, con el significado de las redes sociales y temas ecológicos cada vez más alarmantes que dan forma a una distopía Orwelliana. Hace tan solo unas semanas el trío estuvo de tour por España culminando en el Festival Tabernas Desert-rock Fest donde comprobamos el gran potencial que poseen, siendo una de las bandas que mas sorprendió al personal por su capacidad para conjugar distintos estilos e influencias con un sonido masivo y monumental en el que a su vez reflejaban la frescura que tiene su música. Con indudables momentos de neo-.psicodelica consiguen no encasillarse y ofrecer temas modernos llenos de atrevimiento. DIRTY SOUND MAGNET no necesitan alargar sus temas para conseguir su objetivo, elaborando canciones cortas y directas a excepción de los casi nueve minutos de “Skull Drawing Rose”. Resulta curioso la versatilidad de ses sonidos a pesar de no haberse usado sintetizadores en la ejecución de los temas, obteniendo un resultado brillante.

“Organic sacrifice” surge con desvergüenza con pegadizos ritmos y estribillos en tonos inspirados en la psicodelia de los sesenta, pero con la suficiente capacidad como arrastraste en sus surcos con un hipnotismo innato. Un corte directo y resolutivo con constantes parones que no le hacen perder el ritmo y unos coros melodiosos y dulces sin caer en lo empalagoso.

Los registros vocales marcan un trabajo que pudiera parecer noño pero que son utilizadas con precisión no cayendo en esos estados. Así, USA, LSD, BNB, HIV” incide en es fórmula con momentos más lisérgicos. Un estado entre la neo-psicodelia, lo kraut e incluso algún momento indie que rescata momentos más pop pero manteniendo una riqueza instrumental superlativa. Modernos sonidos que no reniegan del legado de décadas pasadas. Un reflejo de la sociedad actual es la base sobre la que se construyen el corte. Es probable que si lo analizamos en profundidad, podemos encortar en forma de flashes momentos de distintos momentos de las últimas décadas.

Mas exóticos y con tonos casi indie, “Rigid soul” se sustenta en sonidos más propios de los noventa para evolucionar ampuloso por territorios semi-progresivos. Siempre desde una mirada contemporánea. Dejando de lado el vigor y el dinamismo la calma preside otro tema que usa elementos electrónicos en una efectiva combinación de lo analógico con la tecnología moderna.  Tal y como pudimos comprobar hace unas semanas en su directo, la capacidad para crear sonidos de sus tres instrumentos es digna de elogio.  Mil matices que hace que cada tema te sorprenda con cada acorde y cada giro. Éste podría ser un nuevo ejemplo, dejando más protagonismo a la base rítmica que al sonido de la guitarra. 

“Skull Drawing Rose”, el tema más largo del álbum se instala en el rock clásico. Siempre con esos parones y giros y los constantes coros apacibles y melodiosos, la psicodelia, y el fuzz aparecen entre elementos progresivos y sinfónicos. Un relato que se viste de ropajes floydianos con un mayor protagonismo de la guitarra fielmente custodiada por sus escuderos en la base rítmica. Coros poppies entre complejas estructuras instrumentales que giran y giran en una avance que nunca nos deja claro hacia donde van a ir. Momentos vintage en un tema instalado en sonido setenteros en los que la guitarra de Stavros brilla en todo su esplendor. Si escarbamos en su interior podemos intuir momento mas propios de Yes, que contrastan con el sonido moderno de los temas precedentes. El tema quita los posibles complejos que el oyente haya tenido al escuchar los primeros cortes del álbum. 

En esta evolución de sonidos, “Social media girl” nos devuelve al sonido de su anterior álbum “WESTERN LIES”, con tonos exóticos de psicodelia apacible. Aires orientales que le aportan frescura a otro luminoso tema con letras sobre el demoníaco poder de las redes sociales en el que no faltan buenos solos de guitarra sobre una cadente pero incisiva base rítmica. 

Con poco  mas de medio minuto “Transgenic” es un interludio sinfónico que nos adentra en otro tema de corte kraut como es “Social media boy”. La electrónica aparece nuevamente en una fusión con lo vintage. Una lucha constante entre lo antiguo y lo nuevo. Sus coros pegadizos y alegres hace que el tema sea toda un fiesta en la que no falta a su cita los tonos psych.

El lado más apacible y psicodélico lo encontramos en “Hashtag love”. Un oscuro y enigmático caleidoscopio con reminiscencias de la psicodelia más profunda y underground de finales de los sesenta con tenues momentos en los que agudos y penetrantes pasajes de guitarra nos llevan a una magnética dimensión mas allá de la razón. 

Una nueva cara de la banda aparece en “The Death of Beauty”, en la que los sonidos acústicos se mantienen el el otro lado del espejo. Sinfónicos y casi espaciales pasajes describen un nuevo mundo hasta diluirse. 

DIRTY SOUND MAGNET lo componen Stavros Dzodzos (guitarra y voz)  Maxime Cosandey (batería y coros) y Marco Mottolini (bajo y coros). “TRANSGENIC” fue grabado en Eko Studio, mezclado por Leopold SchwallerStéphane Chapelle y Marco Mottolini , siendo publicado por Hummus Records.

https://www.facebook.com/dirtysoundmagnet/

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Reseña.- MOCKERS.- “Oreka Ahula”

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Tercer álbum del trío vizcaino compuesto por Jon García (bajo y voces) Asier Elías (batería y Ritxi Blanco (guitarra y teclados) desde su debut en 2.015. Un trabajo que se fundamenta en una particular visión del yin y el yan. El equilibrio entre conceptos contrapuestos en la condición humana que se refleja en la variedad de estilos que podemos encontrar entre sus surcos. Con un denominador común que parte de las voces en euskera, como si de una declaración de intenciones se tratara en cuanto a no renunciar a sus raices, consiguen ofrecernos un coctel de estilos en siete temas que toman influencias del hard rock setentero, del post-rock, de la psicodelia, o del post-hardcore, del rock progresivo del stoner más desértico así como especialmente del rock más reivindicativo. Todo ello elaborado y ejecutado desde una mirada alternativa que nace del rock vasco que tanta gloria dio a esa tierra en los años noventa. No se si el hecho de haber grabado el álbum en Andalucia (Trafalgar Estudios) haya influido en los guiños que hacen a los ecos progresivos de aquellos lares de hace cuatro décadas, pero el resultado es un disco ameno y variado en el que podemos encontrar distintas vibraciones bien complementadas como para que el resultado sea de lo mas apetecible. Desde el rock radical vasco hasta los ecos sinfónicos andaluces, MOCKERS van contruyendo sus temas sin ningún tipo de complejo. El álbum está editado por el pujante sello de Algeciras Spinda Records, que cada día va viendo como los esfuerzos de Berto van dando sus frutos. “OREKA AHULA” supone un soplo de aire fresco ante la gran cantidad de trabajos estereotipados con los que nos encontramos cada día. ¿Es una apuesta arriesgada?, la respuesta es que sí. Pero no debemos olvidar que el que no apuesta no gana, y más cuando tienes claro tu objetivo, y estos chicos parecen que lo tienen.

En una primera escucha nos llegará más el peso de  las voces alternativas, pero si quitamos ese envoltorio, descubriremos la riqueza de aromas y matices que tienen unos temas bien construidos y ejecutados. Versatilidad y originalidad que seguramente no te dejarán indiferente y que acabarán conquistándote.

Una breve introducción, nos sorprende en el preludio de “Taurus”. “Oreka ahula”, se fundamenta en unos acordes acústicos con arpegios y unos sutiles coros místicos para inmediatamente arremeter por la senda del hard rock mas rabiososo con tonos retro de vocación setentera. Las voces en euskera me trasladan a momentos de juventud en los que el rock alternativo vasco se escuchaba en cada esquina del pais. Una atrevida fusión entre un espíritu alternativo y el hard rock más clásico. Rock vintage que decae en espacios heavy-psych para resurgir de sus cenizas con pegadizos estribillos y una estructura de lo mas atractiva.

Sin darnos un respiro, “Érebo” da una vuelta de tuerca al tema anterior sumergiendose en aguas mas propias del rock progresivo, sin perder el aura de rock clásico. Si a eso unimos el punto que mas personalidad da al álbum, como son las voces en euskera, la sorpresa acaba siendo mayúscula. Ondulando con firmeza y dando más protagonismo a las melodías en detrimento de la virulencia de “Taurus”, entran en oscuros espacios más propios del nacimiento del rock andaluz. Como si estuvieramos ante bandas como Guadalquivir o Imán,  MOCKER’S nos presentan su propia visión de aquellos momentos. Complejos desarrollos que se elevan bajo los vigorosos ritmos de la batería de Asier, mientrás la guitarra de Richi abre las puertas a momentos netamente psicodélicos. Mientrás, la cadencia vocal no ofrece la garra de antes, sino que se modula para no desentonar en la estructura del tema. Fuzz y una envolvente capa atmosférica cubren uno de las pistas más destacadas del álbum.

Aprovechando los vientos psico-progresivos construyen el siguiente corte. “Marte”, nace la languidez de una voz que nos acaricia con delicadeza en una especie de pseudo-balada llena de sentimiento.  Un soplo de psicodelia masajea el avance del tema. Una acidez corrosiva con tintes espaciales y una estructura más progresiva se aleja de la parte alternativa y reinvindicativa de la banda. Aquí no tiene tanta influencia el registro vocal alternativo que encontramos en otros de los temas del disco. Estamos ante una travesía llena de épica en la que la banda muestra su faceta más experimental creando un tema complejo pero efectivo. Un clima de extásis no exento de fuerza, especialemtne en su parte final.

“Chrono” nos devuelve a los momentos mas alternativos. Una potente batería y unos gruesos riffs, unido al desgarro vocal más reivindicativo, acaba sucumbiendo a una estructura progresiva. Una contraposición de la que salen con soltura a pesar de la diferencia entre ambas.

Los acordes acústicos de los que nace “Libra”, unido a la lánguida y melancólica voz nos conducen a atmósferas progresivas en las que poco a poco van incrustando guitarras retro. Sin salirse del sinfonísmo, esas guitarras aportan la luz a un oscuro corte de tonos grises. Netamente inmersos en esos espacios psico-progresivos van ondulando la estructura con brillantes momentos para acabar arrivando a momentos más propios de bandas contemporáneas como My Sleeping Karma en las que la fuerza de los riffs no reniega de los momentos de bella calma. Con coqueteos post-rock y mucha psicodelia “Libra” se convierte en otro puntal de “OREKA AHULA”. Mántricos, intenso y sutiles acaban disipando el tema en el infinito en un big-bang final.

“Pegaso”, el tema mas corto del álbum, es una nueva incursión en sonidos de los setenta que cabalgan a a lomos de riffs retro en un viaje de ida y vuelta entre los noventa y los setenta.  Estribillos pegadizos adornan ese transito entre espacios aparentemente tan contrapuestos.

El cierre corresponde a “Pangea”, el tema mas largo del disco con sus algo mas de nueve minutos va fluyendo sin prisa pero sin pausa. Una cadencia sosegada que se instala en espacios progresivos. Nuevamente la riqueza compositiva se siente entre los espacios de oscuridad en los que se desarrolla. Cada nota y acorde, se miden en pos de ese reconfortante objetivo. Con una intensa y constante ondulación poco a poco nos envuelve entre sus hechizantes y seductoras atmósferas.  Pocos sobresaltos hasta una parte final en la que aprietan el pedal de la intensidad y el ritmo, especialmente con la dinámica batería hasta dejarnos con suavidad en remansos de paz más propios para la meditación. En toda esa vorágine no faltan brillantes guitarras en un segundo plano. El resultado es un “todo” compacto y brillante que concluye en unos coros que desaparecen en la lejanía.

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Reseña.- WELCOME INSIDE THE BRAIN.-“Queen Of The Day Flies”

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Es un placer recibir una nueva entrega del quinteto alemán. tras haberles descubierto con su anterior álbum “CELEBRATE THE DEPRESSION”, el cual me sorprendió gratamente por su facilidad para ejecutar sonidos progresivos llenos de frescura, un año y medio después vuelven a crean una  gran obra. Con un sonido que se sustenta en el poderoso órgano retro de Johann Fritsche, sobre el que se desarrollan todos los temas. Ese sonido tan peculiar en décadas pasadas, y que WELCOME INSIDE THE BRAIN lo devuelve a la actualidad con unas composiciones que se basan en el blues y el jazz sin renunciar al rock clásico. fuertemente influenciados por Frank Zappa, los de Leipizg vuelven a dar en el clavo con este nuevo trabajo. Desconocidos para muchos, es una de esas bandas que cuando la escuchas se incorporan a tu colección de imprescindibles. Si la base de sus temas parte del sonido del órgano, unas veces en modo pastoral, otras en pura línea sinfónica, y otras en tonos retros tan de actualidad en los tiempos actuales, no solo de órgano vive la banda. Las guitarras de Georg Spieß y la cautivadora voz de Frank Mühlenberg hace que estemos ante un álbum versátil e intenso. Un disco de esos que nos deparan grandes momentos a los melómanos. Hablar de influencias en su sonido es hablar de Frank Zappa y las formación de rock progresivo setenteras, no en vano, la banda compartió escenario con Banned From Utopiala banda que original de Zappa. Definitivamente en “QUEEN OF THE DAY FLIES”, parecen centran más sonido en vibraciones netamente progresivas. el disco está disponible vía Tonzonen Records, un sello que ya nos tiene acostumbrados a este tipo de apuestas que se salen de los cánones convencionales y que aportan una frescura y creatividad a la escena alternativa, lo que es todo un acierto.

“Baptist preacher”, es un ejercicio de rock progresivo setentero . Sinfonismo que se conjuga con unas eficaces voces que nos trasladan momentos Jethro Tull, Camel, o Caravan. Caminando por el lado hard, pero sin despreciar todos los sonidos experimentales construyen un tema lleno de frescura. La vocación por elementos jazz aparece en constantes cambios y giros que no se apartan de una propuesta particular de la banda.  Aquí no hay sonidos pesados ni riffs hirientes, simplemente canciones bien hechas.

Sobre tonos de guitarras sureñas se va construyendo “Nacked Philosopher”. En una linea retro-rock sus riffs recuerdan grandes momentos hard-rock. Si a eso unimos ciertos tonos jazz psicodélicos con reminiscencias doorsianas. Una composición que se asemeja a la propuesta de Ray Manzarek, pero que se combina con elementos blues y vientos sureños. todo un cuadro multicolor en el que las guitarras le quitan por momentos protagonismo a los teclados. Finalmente el corte acaba sucumbiendo a los dictado sdel rock progresivo a pesar de las muchas influencias y estilos que se pueden encontrar en sus surcos. Seguramente estamos ante lo momentos más rockeros del álbum a pesar de que su parte final escarba en espacios más propios de Yes con los desarrollos de los teclados.

Las dulces melodías de “Broken record”, suponen una mirada melancólica en espacios situados entre el soft-rock y el sintonismo setentero. Un tema de una belleza serena sobre medios tiempos. Aquí cabría destacar, algo que ya no nos puede sorprender, la capacidad para combinar las voces en un entramado sinfónico que siempre tiene su luminosidad. Otra atractivo corte que no hace sino darle más brillo a un album bien construido.

“Queen of the day flies” cabalga entre el blues y el hard progresivo sobre unos parámetros que nos recuerdan a Captain Beefheart o el mismísimo Arthur Brown. Oscuro y monumental, el tema experimenta con episodios de psicodelia traídos por la guitarra. Retro-rock progresivo sería una definición apropiada. muy hábiles en esa conjunción planetaria de solos ácidos y órgano puramente retro.

Evidentemente si al principio hablaba de una herencia Zappa, solo hay que escuchar “White room” para comprobar que mis palabras no estaban vacías.  la cadencia progessiva junto a las voces teatrales, crean un corte oscuro en el que la banda coquetea con el jazz-rock. Elegancia compositiva que no prescinde de grandes momentos guitarrísticos ni de agradables pasajes melancólicos de los que surgen bucólicas voces en tonos florales. un tema que puede parecer distinto, y alejado del estilo escogido por la banda, pero en el que volvemos a encontrar grandes momentos sinfónicos.

Ese sintonismo se siente también en “Call me a liar”, en el que el jazz vuelve a hacer acto de presencia de una forma sutil, especialmente a través de la guitarra. susurrantes voces completan un cuadro sonoro muy bien construido.

“Hometown” puede que sea el corte más experimental. Con sus extraños y misteriosos pasajes en los que se sumergen en espacios avant-garde. aquí parece que la banda se deja llevar por sus instintos más experimentales sin ningún rubor. un tema de los que no entra fácilmente en el oído del oyente, pero que sirve como ejercicio recuperar el legado más difícil de Zappa.

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Reseña.- RAY TEMPLE.- “Ray temple”

a0353984926_10Hubo un tiempo en el que los amantes de la música como yo comprábamos algunos álbumes por su portada, sin saber realmente el contenido. El debut de RAY TEMPLE, seguramente hubiera sido uno de ellos. Una sugerente portada que presagia un contenido a la altura, y si, el contenido está a su altura. El jóven quinteto alemán había publicado un par de Ep’s en los que se podía intuir la calidad que atesoran. La publicación de “RAY TEMPLE” confirma que aquellas sensaciones eran correctas, incluso, menores al verdadero potencial de este álbum.  y dicho ésto, puede surgir una pregunta…. ¿Qué contienen sus surcos? Si atendemos a la definición que la banda hace de su propia música: psicodelia, stoner, fuzz sonidos de los setenta, garage, progresivo….. Puede parecer algo pretencioso presentarse con un abanico de estilos así, pero ciertamente sus surcos contiene todas esas vibraciones adaptadas de una forma personal. Diez temas en los que la banda toma prestados resonancias de los años noventa, el fuzz llegado del desierto, y los sonidos de los setenta en los que el blues está presente. Unas canciones dinámicas, de fácil digestión, que rápidamente te enganchan. Con muchos momentos en los que las vibraciones heavy-psych nos envuelven en un cálido manto. Con momentos en los que incluso podemos intuir ecos de The Doors o hipnóticos pasajes espaciales. Un fantástico groovy vocal se conjuga con una brillante ejecución haciendo que el resultado sea muy apetecible. Un viaje muy apetecible.

“Zampano” abre con ásperos ritmos que son coloreados con momentos de vibrante psicodelia bajo una cálida voz que a caballo entre los registros de los noventa y el garage de finales de los sesenta. Pegadizos coros ponen la guinda a un tema en el que el fuzz está presente. 

Ésto es una constante en gran parte de los temas, unas veces usado de una forma calmada y otras completamente cegadora.  En ésta última faceta “Slot machine” rezuma stoner y blues. voces desgarradas conviven con bellas melodías y guitarras sucias y rugosas. Los ritmos stoner van señalando el camino de un tema que contiene muchos requiebros en el camino.

A primeros de año nos habían anticipado “Galaktica”. Un tema que cabalga  entre los noventa y los setenta a lomos de riffs desérticos con mucho fuzz.  Cabalgando al trote se visten de tonos retro en un tema fluido.

El blues de “Meteor”, conjuga momentos en los que sus acordes y voces parecen meterse en una coctelera en la que están ZZ Top, The Doors, Colour Haze o Kyuss.  las voces doorsianas nos van describiendo momentos en los que el tema transita por el desierto tomando unas dosis de peyote, para acabar floreciendo en pantanos cuyos efluvios nos intoxican. Un corte arenoso y versátil que visita el lado más psicotrópico de la psicodelia. 

Bajo sonidos garage más propios de Nebula, “Alpha” nos introduce en una espiral de efectos, con un cadente ritmo. Dinámico y a su vez contenido, la batería va marcando un corte en el que no faltan tonos vintage que son coloreados por esas incisivas guitarras. Si normalmente, tras la tempestad llega la calma, aquí la calma y la tempestad van intercambiándose los roles. 

La versatilidad de RAY TEMPLE para incorporar sonidos que nos resultan familiares es uno de sus activos. Si escuchas “High away” no te será difícil vislumbrar a Dire Straits o momentos de pub-rock británico. Puede parecer sorprendente que haga referencia a Dire Straits, pero la primera mitad de este tema, a pesar de su aura desértica hubiera triunfado en los ochenta. En la segunda parte del tema, los alemanes se toman un ácido para describirnos espacios heavy-psych con ese registro que se asemeja al Jim Morrison más chamánico antes de retomar los ritmos iniciales.

“Umbrela” sigue una estela parecido sobre ritmos alternativos y estribillos pegadizos. ritmos sobre los que la banda va construyendo un muro arenoso a base del fuzz insistente.

Desde luego no estamos ante una banda que suene como muchas de las bandas de la escena alternativa. 

Uno de los temas que más despertaron mis sentidos ha sido “Word going blind”. Fuzz hendrixiano que se inclina a espacios funky mientras la base rítmica pisotea las arenas del desierto.

Nuevamente combinando ritmos densos ritmos stoner y psicodelia humeante  construyen “Manuka honey”. Usando esquemas de Colour Haze y mezclándolos con clásicos sonidos del desierto consiguen un corte efectivo.

La guinda de éste álbum la pone el tema que lo cierra. “Desert rain” hace que por sí mismo el álbum merezca la pena. nuevamente bajo esa cálida voz que me recuerda a Morrison, crean un tema nacido del ácido lisérgico y el blues. Chamánicos, mágnetizantes, esa voz ecualizada y los rasgueos de la penetrante guitarra y sus pedales van construyendo un corte que bien podría haber sido compuesto a finales de los sesenta en un viaje de tripi. Completamente psicotrópico está construido con una cadencia de psicodelia profunda e hipnotizante.  Garra vocal con fantásticos solos de guitarra custodiados por un bajo firme y protector, así como una cadente batería. insisto, sólo por este tema, el álbum merece la pena. Notable debut de una banda a la que debemos de seguir la pista. 

 

Reseña.- LAMP OF THE UNIVERSE.- “Align in the Fourth Dimension”

a1956682335_10El proyecto en solitario de Craig Williamson tiene una nueva entrega con este maravilloso “ALIGN IN THE FOURTH DIMENSION” publicado por el sello Sulatron Records. Después de mas una decena álbumes en su haber, y distintos proyectos musicales como ARC OF ASCENT, DATURA o AZAZEL, el músico neozelandés nos ofrece uno de esos trabajos que transmite bienestar. Una terapia curativa con el objetivo que encontrar la paz interior. Un álbum para la relajación lleno de mística y espiritualidad. Alejado de las resonancias pesadas, su música es todo un reconstituyente para el alma. Con vientos orientales, psicodelia relajante y unas apacibles y reparadoras voces estamos ante uno de esos discos para disfrutar desde la calma. Una necesaria mirada hacia el interior en mundo frenético que hace que necesitemos tomarnos un respiro. Ocho bellos temas que podrán ayudarnos a hacer esa necesaria parada en la rutina y gozar poniendo en funcionamiento nuestros sentidos. Guitarras acústicas, mellotron, violines, flautas, guitarras, sitar, chamánicas voces, elementos de vientos y un sinfonismo apacible que hará que tu mente y tu cuerpo se sientan reconfortados con sus vibraciones terapéuticas.  Por otro lado hay que destacar la magnifica ejecución y versatilidad de Craig usando instrumentos tan dispares. Todo un soplo de ternura en un maravilloso álbum que te hará flotar. ¡No te arrepentirás del viaje! 

Con acordes acústicos envueltos en efectos comienza la singladura de “Visitors”. Unas voces espirituales generan un mantra lisérgico a paso lento. Todo sucede con calma, sin prisas. Un tema lleno de espiritualidad envuelto en efectos de vocación  espacial que vigilan atentamente su desarrollo.

Los elementos psicodélicos se hacen más presentes en “Rite of spheres”. Un ritual en el que acompasados e hipnóticos ritmos van dando forma bajo tonos enigmáticos a otro gran corte en el que las guitarras toman protagonismo. Mucho más ácido, el sonido del órgano le acerca a cierto tufillo kraut bajo chamánicas voces.

El atrayentes sonidos del sitar nos introducen en territorios raga-rock en “Light reciever”. El sonido de la guitara en tonos acústicos con cantos redentores procedentes de remotos lugares en los que la espiritualidad reina lo convierte en un canto de optimismo en el que la belleza y la magia se muestran como antítesis al mundo occidental.

Las lánguidas voces de “New forms” siguen marcando esa línea de espiritualidad que contiene todo el álbum. En esta ocasión bajo un sinfonísmo más adormecedor sobre unas atmósferas que se oscurecen, sin perder su karma.

Mucho más triste se presenta “The leaving”. Una estampa llena de bucolismo en el la combinación del sonido acústico de la guitarra con la sección de vientos dota de un sinfonismo ya apreciado en algún tema anterior. Seguramente encontramos una mayor modulación de las melodías vocales. En un plano distinto, los desarrollo de la guitarra fuzz se mantiene como en un estrato distinto Estamos ante una mezcla de temas, como si estuvieran sonando simultáneamente dos canciones distintas, en un curioso y efectivo ejercicio compositivo. 

El raga-rock más al uso se recupera en “Absolution through the third eye”, otro tema presidido por percusiones y el siempre atrayente sonido del sitar. Coros espirituales hacen el resto para que la mezcla sea de lo mas atrayente. Con cantos tibetanos LAMP OF THE UNIVERSE completan otro ejercicio de mística espiritual. No falta la psicodelia traída por los efectos de la guitarra en este chakra místico.

Olvidándose de los efectos y usando como herramienta el sonido acústico de la guitarra y su voz, “Call from beyond” es otro corte lleno de belleza. Hecho desde la sencillez, demostrando que no son necesarios artificios para crean una obra hermosa y que a la vez consigue transmitir sentimientos. Este tema minimalista, sin duda, lo consigue. Este tema está incluido en como bonus en la versión del CD.

 “Seasons of love”, con casi nueve minutos. mantiene el aura psych del álbum. Aquí los sintetizadores, y los violines generan esa humeante atmósfera que protege los cánticos espirituales de Craig.

Seguramente después de una escucha completa de “ALIGN IN THE FOURTH DIMENSION”, tu espíritu se sentirá mucho más reconfortado, ya que estamos ante uno de esos discos, que logra transmitir sentimientos, y eso dice mucho a su favor. 

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HÍBRIDO.- “I”

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“Rock Post-Alternativo, Psicodelia Progresivo…o algo así…desde Algeciras…2/3 partes de Viaje a 800 y Atavismo mezclado con otra guitarra asesina”. Así definen HÍBRIDO su sonido, y lo cierto es que no están desacertados en esa descripción. Éste primer disco nos trae resonancias psico-progresivas con un linaje setentero en las que encontramos grandísimos momentos creativos. Habiendo tenido la suerte de ver su presentación como banda en Madrid junto a SOULBREAKER COMPANY, he de decir que lo que ví aquella noche me sorprendió. Una banda que estaba casi en pañales en aquellos momentos y que ahora se gradua cum-laude con su debut.

Bebiendo de alguna manera del néctar del que han mamado Atavismo, los sonidos herederos de los pioneros del rock andaluz, se reflejan en algunos de los cinco largos temas que contienen sus surcos. Unas letras llenas de épica sobre pesados ritmos, y notas de melancolía presiden un sorprendente y sólido trabajo que se inició hace cuatro años.

“Pensando en un eco de instinto interior”. Ya solo el nombre, nos incita a sumergirnos en las armonías de un tema en el que las guitarras y sintetizadores revolotean de una forma hipnótica e insistente sobre unas ampulosas estructuras rítmicas. Trabajados solos de guitarra y unas mazas que salen de los brazos de Sandri, su batería, así como el incansable y narcótico bajo de Poti, van creando un caleidoscopio lleno de épica. Los coros y voces ayudan a crean ese ambiente en el que la brumosa y densa instrumentación se colorea con los trazos que salen de la paleta de la guitarras. Un tema para introspección, ideal para una mirada interior de nuestros sentimientos en la que están presentes elementos psico-progresivos provenientes de los setenta, contraponiéndose con sonidos mas contemporáneos. Una libertad instrumental que por momentos se muestra caótica, pero que acaba formando un todo en el que las cosas parecen tener sentido.

En una linea similar, la épica vuelve a estar presente en “Nada libre”. un desgarrador tema que describe un estado de ánimo a través de su desgarradora letra. Una voz trascendental que sale a la luz desde oscuros espacios progresivos, con hipnóticos solos de guitarra como compañía. Una ampulosa construcción en las que las oscilaciones son una constante, sin salirse del carácter de psicodelia sinfónica. Con una parte final en la que los ecos setenteros aparecen más nitidamente.

Por un sendero acústico escapa HÍBRIDO de las estructuras elaboradas, para poner unos cimientos sólidos a un nuevo corte progresivo en el que la influencia de los noruegos Motorpsycho están presentes. “Escarlata”,  salpimenta los pasajes progresivos con coros y momentos psicodélicos. En esta ocasión, desde la calma, incluyen un cierto sinfonísmo que colorea de ocre el tema. Unos solos de guitarra que van y vienen, ponen el broche de oro un tema con mucha carga compositiva generando toda una epopeya sonora.

“Les pilules vertes”,, con acentos setenteros y connotaciones progresivas así como  tonos melancólicos en las voces, recupera los vestigios andaluces. Sosegados espacios de tonos grises van construyendo un relato de corte sinfónico, que se rearma con una instrumentación más densa, así como incisivos y a la vez elegantes solos de guitarra dolorosa. Con innumerables cambios y giros inesperados, a los que ya nos tienen acostumbrados. pasajes en los que las guitarras entablan una conversación con sus acordes bajo la atenta mirada de una batería implacable. Conversaciones que acaban atascándose con discursos particulares en una completa experimentación en línea King Crimson en el tema más largo del disco con sus casi catorce minutos. Una alquimia diabólica y paranoide en la que la banda se deja llevar con efectos y distorsiones.

En “Ente”, la calma sigue estando presente. hipnóticos pasajes de guitarra van dando paso a nuevos momentos de experimentación con un hipnótico bajo. con las voces, todo vuelve a su ser, rescatando la espesa instrumentación en momentos de oscuridad. Los interrogantes y la tensión se resuelven con atmósferas de oscura psicodelia pesada. Encontramos acordes con mucha enjundia que se alejan de cualquier estereotipo comercial y que traspasan la frontera progresiva. Entre monstruosas y aterradoras voces ahogadas, se van a cercando a ampulosos escenarios post-rock. Un sublime corte que te acaba sabiendo a poco por lo sabroso de su contenido.

“I” sale publicado via Spinda Records el 21 de enero.

 

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BONES OF MINERVA.- “Blue mountains”

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Tras haberse agotado las existencias de la primera edición de “BLUE MOUNTAINS”, La Rubia Producciones y Nooirax Producciones publican una edición especial con dos temas nuevos que demuestran la evolución de las madrileñas. La edición contiene una atractiva portada a la que se le han incorporados detalles en tinta dorada.

BONES OF MINERVA son una apisonadora con gran poderío dentro de la escena alternativa nacional. Su pesados sonidos caminan por oscuras cañadas de montañas psych-doom, con intrincados momentos de metal y heavy rock suavizados con bellos soplos de calma progresiva.

Abriendo con sosegados paisajes psicodélicos, su cantante hace las veces de gran sacerdotisa, elevando sus plegarias respaldada por sus súbditos, que la arropan con reverberaciones que se acercan a postulados doom, envueltas en la nebulosa ácida. Los registros vocales de Blue en “Overcoming” quedan ya reflejados, mostrándonos su versatilidad.

Sobre estructuras de Stoner-metal, “Fear a biscuit”, arremete con fuerza sobre las voces heavy.

“Defenders” baja la intensidad, con armonías más sosegadas. Una mayor sutileza sobre una densa instrumentación, y ciertos tonos pseudo-orientales, el corte tiende a inclinarse ampulosos espacios post-rock.

BONES OF MINERVA actúan como un Dr. Jekyll Y Mr. Hyde, ofreciendo dos versiones de sí mismas, que en realidad conforman un único ser, con sus peculiaridades. Ofreciendo su cara más amable, “Eery octopus” es un tema oscuro y calmado, con una cierta lírica, un sosiego que ecos metálicos, en esa capa de tinieblas en la que se mueve.

Recuperando momentos de psycho-doom, “Plastic Crown” desata la furia terrorífica de su cantante Blue. El enérgico ritmo se ve salpicado con voces y coros que reciben la embestida puntual de la gutural voz que sale de las cuerdas sus cuerdas vocales. Vomitando chillidos terroríficos venidos de las más oscuras tenebrosas cavernas.

El enérgico ritmo heavy que imprime la batería y el potente bajo a “Aces” hace que parezca que estemos ante una numerosa estampida de búfalos que se nos acerca amenazante. Fuerza y contundencia con algún aullido ensordecedor.

Tras la tempestad llega la calma, y no deja de sorprendernos que “Whales”, camine por atmósferas puramente post-rock, tras la explosión anterior. Bellos momentos líricos acompañan atractivas melodías que susurran y acarician los sentidos del oyente. Si a esto unes el sentimiento que trasmite la voz, la ecuación queda resuelta.

En uno de los dos temas nuevos que contiene esta edición de “BLUE MOUNTAINS”, las voces toman nuevamente un gran protagonismo. Un vómito, producido por la metamorfosis que sufre la garganta de su sacerdotisa, Blue, pasando de guturales y terroríficos chillidos a chamánicos y seductores momentos en ‘Privilege’. Seducción y terror en todos sus temas, siempre combinándolos con maestría. Especial atención a ‘Vehemence’, tema escrito para la película “Call Tv”, del director cántabro Norberto Ramos del Val, dejando claro que con sus armonías son capaces de aplacar la furia. Un amplio abanico de registros tanto vocales como instrumentales que convierten las cavernas más abyectas y metálicas en paraísos reconfortantes llenos de psicotrópicos narcotizantes y viceversa. Su solidez las hace tener un futuro alentador por delante.

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