Reseña: MAUD THE MOTH.- “Orphnē”

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Siempre he sido de la opinión de que tanto en la vida como en la música, debemos de salir de nuestra zona de confort. El nuevo álbum de MAUD THE MOTH, (tercero de su discografia) es un claro ejemplo de las maravillas que puedes encontrarte si sales de escuchar la misma música siempre y te aventuras en nuevas propuestas distintas a las que estas acostumbrado. En “ORPHNE” no vas a encontrar ritmos pesados, ni solos afilados, ni ecos desérticos, pero si te vas encontrar con un álbum intimista e introspectivo lleno de sensibilidad que puede depararte algo mas de media hora muy placentera. Un álbum creado sin incidir sobre un género concreto, pero tratando de generar el ambiente idóneo para transmitir emociones y acercarnos a un mundo mágico e irreal en temas atmosféricos con cuidados elementos decorativos. Cualquier ornamento es válido para que las canciones escapen de la tradición estructural del pop y progresen como evocadores cuentos que beben estéticamente del jazz, la música clásica contemporánea, el avant garde, el soul y, más en espíritu que en forma, del metal. Siempre bajo una apacible atmósfera de oscuridad, los temas fluyen delicados, sensuales y llenos de emotividad gracias a una prodigiosa voz que se hace acompañar de los elementos justos para que nada parezca sobrecargado ni impostado.  “ORPHNE” es un álbum intimista, bello pero a su vez perturbador y sobre todo es el perfecto escaparate para descubrir la prodigiosa voz de Amaya, el verdadero pilar de este trabajo

Nacido en 2010 como el proyecto en solitario de la autora madrileña Amaya López-CarromeroMAUD THE MOTH ha evolucionado a través de varias formaciones pero siempre con el piano como elemento estructural en torno al cual se enroscan y crecen las capas y texturas vocales. 

“ORPHNE” (Ὀρφνή) u “oscuridad”, era una ninfa mítica que habitaba en el submundo de la antigua mitología griega. Este término comparte raíz lingüística con la palabra “huérfano” (ὀρφανός), que originalmente significa sin padre, afligido o desolado. Al vincular ambos términos, “ORPHNE” reflexiona sobre el desarraigo y la identidad brumosa de una mujer desterrada y fragmentada. Los papeles tradicionales de la familia y el apoyo familiar se consideran una luz que está ausente o se ha agotado, lo que fomenta un sentimiento de desolación y alienación de la sociedad.

Las elecciones estéticas en la composición, la letra y los arreglos están fuertemente inspirados en el romanticismo tardío, el art-deco y el surrealismo, como la Isla de los Muertos de Böcklin, las Metamorfosis de Segundo de Chomón, o las obras para piano de inspiración popular de Ravel. Orphnē escapa de lo mundano y se sumerge en un mundo fantástico y desconocido lo que pone los cimientos necesarios para una exploración del yo, el trauma, la pérdida y la parálisis emocional a través de la figura de la fábula.

El yo se define como algo eliminado del plano material que habita el mundo y el universo tal como lo concibieron los antiguos griegos, donde la tierra está encerrada en un firmamento y sostenida por los pilares de la tierra. El yo existe en un estado de ceguera e impotencia, pudiendo pasar a través de la porosa frontera del inframundo, que está a sólo unos metros bajo nuestros pies y no es exclusivo del reino de los muertos.

“Ecdypsis”  nos abre la puerta a una sal llena de clasicismo entre acordes de piano y violines entre bellas melodías de las que aflora la prodigiosa voz de Amaya. Bajo una atmósfera oscura predominante en todo el álbum y algún aroma mediterráneo se combinan elementos románticos llenos de fuerza con un cierto aire atormentado entre esa neblina sinfónica. 

Misterioso y casi minimalista, “The mirror door” se nutre de voces y coros susurrantes. Un canto melancólico tenue e intimista con una vocación atmosférica. 

A modo de interludio, “The stairwell” crea un misterioso ambiente narrativo entre registros líricos algo devocionales.  

“The abattoir” el sinfonismo se manifiesta sobre acordes llenos de un romanticismo clásico y una voz lírica que parte de la penumbra para abrirse paso a la luz. Intrigantes pasajes narrados contrastan con angelicales momentos de esa bella y bien trabajada voz. 

Entre una nebulosa inquietante a modo de apertura y atormentados pasajes de violín “Finisterrae” deja volar cual espectro las voces corales en un espacio algo tétrico del que aflora esa prodigiosa garganta bien arropada por sutiles coros con aires exóticos llegados de oriente con una instrumentación algo más intrincada. 

“As above, so below” es un canto lleno de la oscuridad omnipresente en todo el álbum. Nuevamente los juegos corales sobrevuelan la tenebrosa e inquietante instrumentación. 

Con una vocación jazz “Mormo as a well” conjuga ritmos más vivaces entre sus armonías clásicas. Un tempo diferente al resto de los temas, hace que me sienta confundido en un tema que por otro lado contiene una gran riqueza compositiva y que no termina de definir claramente su camino. 

El álbum cierra con “Epoxy bonds”, un tema que viven entre sombras y claros con una vocación de abrirse a la luz entre el profundo sonido de violines que ceden a armonías mas perturbadoras. 

“ORPHNE” es obra de Amaya López-Carromero (voces, piano, celeste, sintetizadores y percusión), Paúl González (batería), Guillaume Martin (guitarra), Alicia García (violín) e Iván Caramés (cello). La música y letra fue compuesta por  Amaya López-Carromero, los arreglos de cuerda fueron de Alicia García, correspondiendo los arreglos de batería a Paúl González y los de guitarra Guillaume Martin. Las baterias fueron grabadas por Jaime Gómez Arellano en Orgone studios, UK. Las voces y arreglos de cuerda se grabaron en Sonorous Studio (UK) por Amaya López-Carromero y Guillaume Martin y los pianos se grabaron en Reid Hall (UK)
El álbum fue mezclado y masterizado por Jaime Gómez Arellano en Orgone Studios 2019.
El arte de portada es obra de Charles Boisart correspondiendo el folleto interior a Anna Frigat.

“ORPHNE” está disponible vía La Rubia Producciones, Nooirax Producciones y Música Máxica.

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Reseña: HABITAR LA MAR.- “Comedia Yoica”

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Si desde DenpaFuzz siempre os invitamos a salir de la la zona de confort para descubrir nuevas propuestas, en esta ocasión me aplico a mi mismo el cuento para desgranar el nuevo álbum de los jienenses HABITAR LA MAR. Un álbum que se aleja en cierta manera de los sonidos habituales en esta casa, y que nos trae un disco conceptual que se presenta como un monográfico sobre el ego tanto en sus manifestaciones personales como sociales. Algo menos de dos años de vida y con algún cambio en la formación, la  banda se adentra en el mestizaje de distintas vibraciones alternativas como el post-hardcore, el noise o el math-rock, así como una evidente vocación punk. Crudos y descarnados sus sonidos metálicos tratan de crear la atmósfera propicia en cada uno de los temas llenos de rabia que contiene su interior. Filosofía y ruido, mucho ruido,  que les sitúa en el espacio mas mugriento y oscuro dentro de la escena alternativa nacional. Un caos controlado, o no, pero ciertamente un caos en el que se desenvuelven como peces en el agua y se muestran incluso más experimentales que en su anterior trabajo “REALISMO HISTÉRICO”.  

Desde el inicio del tema que abre el álbum, “Anti”, la banda se desfoga en estructuras de math-rock con voces hardcore y una cierta vocación post-metal. Ritmos inconexos e hipnóticos a su vez nos golpean con virulencia entre la esquizoide armonía.  Desgarradores y reivindicativos las sutilezas no existen para ellos. 

“Colisiones” es una breve tema que entre gritos desgarradores y ritmos exaltados entra en un trance punk con extrañas atmósferas que se debaten entre la razón y los instintos más primarios. 

Sencillos y repetitivos riffs de guitarras construyen “Fantasmas”. Lleno de rabia, el tema cuenta con la colaboración de Anxela Baltar (BALA) en las voces. sintiendose cómodos en lo mugriento, sus proclamas salen destrozando las tapas de las alcantarillas para mostrar al mundo todo su poder perturbador.  Mas elaborado que los cortes anteriores no ceden en su ímpetu ni un solo instante.

Con un breve corte a modo de interludio, “Espirales” con su voz cansad y una extraña instrumentación math-rock avanza parsimonioso con pasajes recitados sobre un ambiente de misterio y oscuridad con guitarras drone.

“Caos” con su cadente ritmo de batería y rodeado de envolventes efectos sobre un grueso ritmo se eleva poco a poco amenazante. En esta ocasión con la voz desplegando sus atormentados y desgarrados lamentos que se nos clavan antes de dejarse llevar por pasajes más melodiosos sin salir de las tinieblas. Un tema más asequible para oídos no acostumbrados como el mio a este tipo de vibraciones en el que se combinan voces en ingles y en español con la presencia de  Donna Diane (DJUNAH).

“Arsonista de mí”  nos aturde con su torbellino rítmico en una fusión de hardcore y math-rock desgarrado y sin sutilezas. Vibraciones punk entre frenéticos ritmos que rezuman sudor entre los estribillos más pegadizos de todo el álbum.

El álbum cierra con “La Tara”. Tema que palpita y explota en una nueva andanada de ritmos endiablados entre perturbadas voces. Con parones y acelerones en un tema se estira y encoge como goma.

“COMEDIA YOICA” ha sido co-editado por los sellos The Braves Records, Nooirax Producciones, Spinda Records, Odio Sonoro, Fuzz T-Shirts, Violence in the Veins, Bandera Records, Borx Records, Gato Encerrado Records, Long Live Records, Kill Vinyl Records, Monasterio de Cultura y Quebranta Records.

Las baterías y bajos han sido grabados en OVNI Estudio de Asturias por Pablo de Desakato, contando allí además con la ayuda deGonzalo Presa (Orthodox, De la Cuna a La Tumba, Delobos…) en la producción, mientras que el resto del disco se ha grabado en Black Bunker Records de Jaén, con Gonzalo PresaKike Frego de la propia banda en la producción. Allí se ha desarrollado de nuevo ese sonido afilado tan característico de la banda y han dado forma a la voz de Kantz, que una vez más se muestra sincrético en doctrinas estilísticas habitualmente divergentes.

Para la masterización han contado con Brad Boatright(Converge, Pentagram, High on Fire…) de Audiosiege en Portland (EE.UU.)  y así acabar de dar el empaque a este nuevo trabajo que sin duda les otorga su confirmación como banda y un puesto de relevancia dentro del underground patrio.

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Reseña.- RAINBOWS ARE FREE.- “Head pains”

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La banda compuesta por Brandon Kistler (voz), Richie Tarver (guitarra), Joey Powell (guitarra rítmica), Jason Smith (bajo) y Bobby Onspaugh (batería) regresa cinco años después con su tercer álbum, y no podía hacer de mejor manera. Los de Oklahoma, crean un álbum inclasificable pero sobresaliente. Altas dosis de versátil psicodelia que conviven con oscuros momentos góticos mas propios de Sister of Mercy o Bauhaus  con una notable influencia del legado Morrison. Sonidos alternativos con poderosos ritmos y mucho fuzz. Si a esto añadimos que se atreven a sumergirnos en sinfónicos momentos progresivos el cóctel puede parecer atrevido. Pero precisamente de ahí es de donde la banda saca todo lo mejor que tiene dentro. Sin ceñirse a ningún guión, lograr que el post-punk, el hard rock, los sonidos arenosos rebosantes de fuzz confraternicen de la mejor manera posible. Siempre sorprendiéndonos con cada tema, su versatilidad es su mayor aval. Toda una garantía de que escuchando “HEAD PAINS”, no hay lugar para el aburrimiento. La larga espera ha tenido su recompensa y serán muchos los que se congratulen con éste nuevo álbum. Para otros una oportunidad irrechazable de conocer a una gran banda.  El álbum es publicado vía Argonauta Records y Horton Records.

“The sound inside” abre el álbum con esa psicodelia intrigantes que se eleva misteriosa entre oscuras brumas. Cadente y con voces catártica herederas de momentos góticos de los ochenta. La new wave y el post-punk versus la herencia doorsiana entre efectos espaciales y ritmos salidos de catacumbas alternativas.  

Gordos, pesados y primitivos, los sonidos alternativos contemporáneos de RAINBOWS ARE FREE logran conjugar distintas vibraciones en “Electricity on wax” que van desde el blues, la psicodelia, y una oscuridad generada por un grueso manto de fuzz catártico.    Con las mejores galas de estética underground los oscuros ecos de los ochenta hacen acto de presencia entre andanadas de nebuloso fuzz. tormento y desasosiego entre magnícias guitarras.Uno de los mejores temas del album.  

Cadenciosa y misterioso “Shapeshifter” se abre paso entre atmósferas psych que crean la suficiente tensión como para mantenernos atentos. Una cálida voz con tonos bluseros, la insaciable batería y cadente bajo y unos solos incisivos y ácidos lograr crean el clima pretendido por los de Oklahoma. Fuzz nebuloso en un tema gris que se agranda adquiriendo cada vez mas intensidad. Catártico y atractivo puede crearnos una perplejidad que nos hace querer mas. El tema juega con distintos elementos psicodelicos para crean un magnético enjambre sonoro que nos atrapa entre su fauces. Un hechizo catártico  entre las tinieblas en las que tan bien se mueve la banda. dejándose llevar por esta apuesta psicodelia hasta terrenos que rozan la estratosfera. Contraponiendo ritmos gruesos con afilados e hirientes solos bajo los hipnóticos ritmos que evolucionan en una espiral caleidoscópica en la que los alucinógenos salen de cada nota. Se trata del tema mas largo del álbum, y se muestra como una oportunidad para desarrollar toda la psicodelia que llevan dentro. Esa voz a caballo entre las apuestas del rock gótico británico de los ochenta y el Morrison mas chamánico junto a combinación de elementos lisérgicos logra un gran y original resultado.

“Covered in dawn” da un cierto giro de tuerca con sus desérticos riffs humeantes. Fuzz garagero y arenoso y voces alternativas herederas de Bauhaus o Sister of Mercy. Intenso, desgarrador, atormentado, su sonido se engrosa gracias al trabajo del bajo. Otra combinación entre los ecos del desierto y las catacumbas de la escena alternativa de las islas que habitan entre tinieblas.

En un nuevo giro inesperado, “Lady of the Woods​/​Psychonaut” se construyen desde acordes acústico y efectos lisérgicos. Una sinfonísmo en los mismos tonos grises de los temas precedentes pero en esta ocasión con un carácter progresivo. Voces mas propias de hard-progresivo melódicos construyen melodías desgarradoras e intensas. Pareciera que estamos ante otra banda. La guitarras y sus bellos acordes y solos entre ritmos hard-rock. Elementos de distintos estilos que son tejidos con firmeza y gran habilidad para que nada resulte impostado.  Incluso su angelicales coros encuentran un hueco entre el poderoso ritmo y la cadencia del inquebrantable bajo. Completamente sorprendente. 

Para poner la guinda a un pastel que está creado con multitud de ingredientes, “The nile song” nos muestra a RAINBOWS ARE FREE en plena efervescencia hard & heavy ochentera. un tema al que no falta a su cita el siempre presente envoltorio fuzz. 

Mucha mas pesada “A Penny’s worth” incide en los ecos heavy-rock y stoner con una mirada retrospectiva a la escena alternativa del pasado siglo. Solos virtuosos completan un viaje de ida y vuelta a la escena proto-metal bajo autopistas psicodélicas. 

Otra vez la acústica folk se presenta ante nosotros en “Eunice”. Casi medieval, el tema se acompaña de angelicales coros que nos elevan a un luminosos espacio que no habíamos visto en ninguno de los temas anteriores. Un cuento de ensueño que contrasta con la fuerza de todo el álbum mostrando el lado mas sensual de la banda. 

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Reseña: SURYA.- “Overthrown”

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“OVERTHROWN” es una de esas gratas sorpresas que nos encontramos de vez en cuando. El primer álbum de la banda de Jerez de la Frontera que irrumpe en la escena con la fuerza de un huracán. Después de haber publicado en el año 2.017 un EP,  Antonio Hierro (voces y guitarras), José Moares (guitarras y sintetizadores), José Mª Zapata (bajo y percusión) y Carlos Camisón (batería, guitarras y voces) graban en Estudio 79 a los mandos de Rafa Camisón, y con la masterización de Mario G. Alberni. en Kadifornia los ocho temas que componen este álbum conceptual que navega entre las aguas de los sonidos arenosos salidos de los desiertos californianos en los noventa y las corrientes hard-rock que nacieron en la década de los setenta. Un equilibrio que se sostiene en poderosos ritmos aliñados con un exuberante fuzz y riffs monolíticos sin renunciar a cuidadas melodías que se recuestan en remansos psicodélicos en los que se vislumbra una cierta esencia andaluza. El resultado es un atractivo y atrayente trabajo que fluye con soltura en cada uno de sus temas y acaba por sorprendernos gracias a la madurez que refleja cada uno de sus temas. Guitarras que su superponen en distintos niveles para conformar temas prietos y efectivos que se colorean con distintas influencias para acabar construyendo un sólido oleo multicolor.  La temática del álbum se circunscribe la venganza de un hijo que fue repudiado por su padre, conformando cada tema un capítulo de dicha historia. 

“Tales of the great Fharats” parte con pegadizos y repetitivos riffs stoner que no se andan con contemplaciones. Directos a la yugular derrochan fuzz bajo esquemas ortodoxos de rock desértico que nos golpean con fuerza.  Un tema que acaba ondulando sin salirse del camino y en el que encontramos una poderosa y fornida línea de bajo que contrasta con la finura de los solos de las guitarras. Ciertos vientos sureños refrescan el envite al que nos someten refrescan el tema con tonos setenteros en su parte final.  

Sobre unos cimientos sencillos pero efectivos, “Sundazed” parece seguir la estela del corte precedente. un olor a “noventas” se percibe especialmente en la cadencia vocal junto a sus difusos riffs. Un puente de ida y vuelta que sirve de espacio para construir una autopista de fuzz a través de la cual contar la historia de Fharats ardiendo por el conjuro de su hijo. Serpenteando sobre el riff que está construido, finalmente acaba modulándose hacia espacios más psicodélicos en su última parte. Sin perder su vocación arenosa el tema cae en ciénagas lisérgicas. unas arenas movedizas que hacen que el tema gire en una espiral que acaba diluyéndose poco a poco.

Largas rectas de autopista, desierto y fuzz nos evoca “Crystal gate”. Con un riff repetido el tema transcurre con un cierto aroma retro. Un corte pesado que mantiene la frescura y dinamismo con su contagioso ritmo. Sus cálidos tonos siguen la constante del resto de temas, aquí de una forma algo más serena y lineal. El corte más largo del álbum incluye algún momento progresivo en sus surcos. su larga duración permite más la experimentación con otros sonidos. La lucha entre padre e hijo queda abierta a tenor del resultado del tema con un final en el que los jerezanos descienden a plácidos pasajes más psicodélicos. 

A modo de continuación con el tema anterior, “Thousand years bridge” mantiene la vocación psico-progresiva. Calmados acordes semi-acústicos y susurrante voces nos envuelven en un agradable manto. Su magnetismo difiere de la fuerza de los temas precedentes, variando aquí la propuesta musical. Una agradable sorpresa que nos da muestra de la versatilidad de la banda narrando de forma aleatoria la historia sobre la que se basa el álbum. 

“Golden tower” rescata la senda desértica para avanzar guiados por un inquietante bajo a través de amplios espacios en los que el fuzz humeante regresa con fuerza. componiendo en dos estratos distintos, la base rítmica se colorea con profundos solos de guitarra que se estiran en una exploración psicodélica.  Aquí la banda parece sentirse cómoda y eso se nota en el acabado del tema que rezuma aroman noventeros en sus riffs. Tras la muerte del padre, el hijo contempla su reino. toda una serpiente multicolor en la que el desert-rock zigzaguea con gruesos e incisivos riffs en bucle entre tonos llegados del sur que evocan momentos de gloria de la escena andaluza.

Volviendo a los sonidos acústicos, “Turtle shaman”, describe el ocaso a través de arpegios que retratan su habilidad y técnica. Con distintos elementos estilísticos van construyendo un oscuro relato instrumental en el que las voces progresiva herederas de los setenta hacen que el tema se incline a momentos progresivos. giros inesperados que se desatan en una estampida rítmica que acaba por arrollarnos en otro ejemplo colorista de que la banda no se aferra a un estilo concreto. El resultado es un tema lleno de magnetismo que relata como se adquiere la sabiduría a través ese chaman encontrado en sus viajes y que le sirve al hijo para el conjuro que acaba con su padre. 

Una nueva sorpresa nos espera en “Begone”. Hard rock cavernícola con tonos funk y un groovy alegre y cadencioso. Fuzz y wah wah a la vieja usanza tiñe de ocre un tema que podríamos considerar algo vintage pero que todavía vigente. Sin sonar a rancio, su sencilla estructura resulta ser lo suficientemente efectiva para que se cumpla la máxima de que a veces “menos es mas”. Aquí no  encontramos complicados desarrollos, sino hard rock sin pretensiones. 

“No Further” cierra el álbum con una inquietante línea de bajo sobre pasajes heavy-psych que se elevan ondulando como banderas guiadas por el viento. La suficiente dosis de fuzz como para ir elevando la intensidad sin renunciar a momento psicodélicos sin perder su cadencia rítmica en ningún momento. Un fujo constante que permite avanzar sin mirar atrás. 

“OVERTHROWN” supone una magnífica carta de presentación que nos confirmar el renacer de la escena andaluza con un nuevo retoño que se una a la cada vez mas larga lista de nuevas banda que tantas satisfacciones nos están dando en los últimos tiempos. 

El álbum ve la luz con la unión de los esfuerzos de pequeños sellos nacionales que siguen apostando por nuevas bandas, lo cual es todo un reto que los aficionados debemos de agradecer y que poco a poco a de ir dando sus frutos. El álbum se encuentra disponible a través de  Spinda Records, Surnia Records, Monasterio de Cultura, Violence In The Veins, Bandera Records, Sacramento Records, Odio Sonoro, Gato Encerrado Records, Discos X Mil y Noizeland Records.

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Reseña: THE DRY MOUTHS.- “Lo​-​Fi Sounds For Hi​-​Fi People”

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Segundo álbum de los almerienses en 2.019, tal y como habían prometido. Estamos ante unas grabaciones efectuadas con el malogrado Andrés (bajo y coros), con Josh Morales (batería y coros) , así como Chris O. Rodríguez (guitarra, sintetizadores y voz), habiéndose grabado la batería, bajo y guitarras rítmicas en directo en las mismas sesiones que su anterior álbum “MEMORIES FROM PINES BRIDGE”, incorporando posteriormente los arreglos y voces. De hecho, la idea inicial de la banda era la publicación de un álbum doble, con dos caras de su música, pero finalmente las circunstancias han hecho que vean la luz por separado, convirtiéndose en el séptimo trabajo de la banda. Mostrando toda su madurez y esplendor así como su culmen compositivo, ofreciendo todo el abanico creativo de los almerienses. Los sonidos desérticos siguen siendo el leitmotiv de THE DRY MOUTHS y aquí siguen están muy presentes esas vibraciones. Hace ahora un mes, tuve la oportunidad de verlos por primera vez en su Almería natal, en el marco del Tabernas Desert Rock Fest, y si algo me sorprendió, es la capacidad y la fuerza para transmitir que tienen cada una de sus composiciones, y “LO​-​FI SOUNDS FOR HI​-​FI PEOPLE” refleja de alguna manera aquella experiencia vivida in situ. Con el punto de mira puesto en bandas como Yawning Man especialmente, logran conjugar todo el romanticismo y belleza de las bucólicas puestas de sol en el desierto, con toda su magia; así como los ecos más ásperos de los sonidos alternativos de los noventa sin renunciar a una cierta pesadez. 

Finos y misterios acordes nos introducen a “L.P. Lie too”, la marcada linea de bajo y la sutileza hechizante de la guitarra de Chris evocan vastos territorios donde la soledad se describe con un sonido pesado innato en la banda y entre la fina instrumentación que coquetea con el post-rock mas atrayente.   

Sin sutilezas “Limoncello” nos golpea con potentes riffs, en una nueva estructura envolvente en la que el fuzz desértico esta presente. Ecos grunge de los noventa conviven con los áridos sonidos stoner. Un tema recio y dinámico con pinceladas y brochazos de guitarras a modo ornamental que acaban puliendo la aspereza de sus riffs.

“Los pollos hermanos” es el single que los almerienses nos adelantaban hace días. otro tema en la herencia de los noventa se percibe en cada acorde. Hard, grunge y tonos stoner unidos por una causa alternativa común.   Ondulante y pegadizo el fuzz fluye de sus venas en una hemorragia de riffs contagiosos. 

Aún habiendo sido grabado en las mismas sesiones que “MEMORIES FROM PINES BRIDGE” indudablemente en este álbum encontramos mayoritariamente un enfoque distinto. Eso si, escuchando temas como “Ellis Lahm” podemos encontrar el nexo que une ambos registros. Momentos de psicodelia con melancólica que explotan en desarrollos monumentales elevándose a un estado superior. 

“Psychomental V Code: Rosaura” nos devuelve a la faceta mas atmosférica de THE DRY MOUTHS. Bellas y susurrantes melodías en esa línea tan cercana a Wawning Man que flirtea con escenarios post-rock desde su ubicación entre los cactus. pausados desarrollos instrumentales que avanzan con lentitud en una evolución constante. Incisivos pero reconfortantes, en un canto que vive de la melancolía y se dota de momentos de desesperanza. Una tristeza que se viste de belleza pausadamente. 

El stoner desértico de “La mascotta” me evoca aquella mágica noche de hace unas semanas en el desierto de Tabernas. Una banda sólida y con unos vigorosos riffs pesados que sabe construir canciones con armonías sin renunciar a las melodías vocales. Otro tema que toma prestados elementos alternativos mas propios de fin del siglo XX para vestirles con ornamentos del siglo XXI.

“Toe motion” refleja el lado mas alternativo. tonos oscuros y siempre atmosféricos, se van tornando hacía espacios psicodélicos en un camino lleno de meandros en los que las aguas del tema van incrementando su fuerza para reposar en calmados remansos antes de precipitarse nuevamente. 

La psicodelia más enigmática y oscura hace acto de presencia en “A Farewell For The Princess”. Otro oscuro tema instrumental que sigue la línea de su anterior álbum. Susurrante y atmosférico nos ofrece un estado de introspección adornado con efectos.

Con la intención de captar la naturalidad y dinámicas de la banda en vivo, se grabaron en directo tanto la batería como el bajo y guitarras rítmicas en el estudio Sonobalance (Granada). Posteriormente en los Desert City Studios (Almería), la banda grabó overdubs, arreglos, sintetizadores y las voces. El encargado del mastering ha sido su habitual Brad Boatright en Audiosiege (Oregon, USA).

“LO​-​FI SOUNDS FOR HI​-​FI PEOPLE” se co-edita por los sellos Spinda Records, Gato Encerrado Records, Desorden Sonoro, Odio Sonoro, Zona Rock Productions, Fuzz T-Shirts, Violence in The Veins , Bandera Negra Records y Aneurisma Records.

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