TESOROS DEL SIGLO XX: STONE HARBOUR.- “Emerges”

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El incansable sello Guerssen recupera una nueva joya escondida publicando esta semana “EMERGES”, el único álbum del dúo de Ohio STONE HARBOUR.

Editado originalmente en un prensaje privado en 1974 es uno de esos álbumes que siempre ha sido codiciado y valorado en el mercado del coleccionismo. Ahora tenemos la ocasión de disfrutarlo. Psicodelia llena de melancolía con unas guitarras ácidas que se desangran en profundos lamentos con cálidas voces que nos arropan en cada acorde. Oscuros y underground, sus temas fluyen de las profundidades del sótano en el que fue creado entre tenues. Ecos de garage y sencillo rock and roll que por momentos recuerda 13th Floor Elevators . Los jóvenes Ric Ballas y Dave McCarty plasmaban sus sueños y sus inquietudes en diez temas cuya sencillez se convierte en su mayor virtud. Psicodelia y folk unidos en una causa común en la que ensoñadores voces suponen un gratificante arrullo. Entre esos apacibles pasajes de folk psych, sorprenden algunos momentos en los que sin salirse de esa propuesta toman prestados elementos más propios de Hawkwind. lo cierto es que el sonido de los británicos Tractor parece adecuarse más a la definición de su propuesta musical, especialmente en los momentos acústicos de temas como “Summer magic is gone”, toda una belleza de canción que nos susurra placenteramente generándo un estado de bienestar terapéutico y reconfortante,  o “Stone’s trow”, en la que las guitarras acústicas conviven con ácidos pasajes eléctricos en un segundo plano. El título del álbum es ciertamente premonitorio, ya que los temas emergen con gran naturalidad.

En definitiva, un trabajo introspectivo, tenue pero lleno de una magia intrínseca que contiene muchos matices ocultos en cada surco. Psicodelia de baja fidelidad que se viste de rock and roll hilarante y psicotrópico en cortes como “Still Like That Rock & Roll” o “Rock and roll puzzle”. ácidos en “Grainds of sand” y folkies en cortes como “Dying to love you”.

El álbum cierra con “Working for the queen”, un tema sucio en el que las distorsiones  cabalgan entre el garage punk y los dictados de Hawkwind a bajas revoluciones.

 

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Reseña: THE DRY MOUTHS.- “Lo​-​Fi Sounds For Hi​-​Fi People”

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Segundo álbum de los almerienses en 2.019, tal y como habían prometido. Estamos ante unas grabaciones efectuadas con el malogrado Andrés (bajo y coros), con Josh Morales (batería y coros) , así como Chris O. Rodríguez (guitarra, sintetizadores y voz), habiéndose grabado la batería, bajo y guitarras rítmicas en directo en las mismas sesiones que su anterior álbum “MEMORIES FROM PINES BRIDGE”, incorporando posteriormente los arreglos y voces. De hecho, la idea inicial de la banda era la publicación de un álbum doble, con dos caras de su música, pero finalmente las circunstancias han hecho que vean la luz por separado, convirtiéndose en el séptimo trabajo de la banda. Mostrando toda su madurez y esplendor así como su culmen compositivo, ofreciendo todo el abanico creativo de los almerienses. Los sonidos desérticos siguen siendo el leitmotiv de THE DRY MOUTHS y aquí siguen están muy presentes esas vibraciones. Hace ahora un mes, tuve la oportunidad de verlos por primera vez en su Almería natal, en el marco del Tabernas Desert Rock Fest, y si algo me sorprendió, es la capacidad y la fuerza para transmitir que tienen cada una de sus composiciones, y “LO​-​FI SOUNDS FOR HI​-​FI PEOPLE” refleja de alguna manera aquella experiencia vivida in situ. Con el punto de mira puesto en bandas como Yawning Man especialmente, logran conjugar todo el romanticismo y belleza de las bucólicas puestas de sol en el desierto, con toda su magia; así como los ecos más ásperos de los sonidos alternativos de los noventa sin renunciar a una cierta pesadez. 

Finos y misterios acordes nos introducen a “L.P. Lie too”, la marcada linea de bajo y la sutileza hechizante de la guitarra de Chris evocan vastos territorios donde la soledad se describe con un sonido pesado innato en la banda y entre la fina instrumentación que coquetea con el post-rock mas atrayente.   

Sin sutilezas “Limoncello” nos golpea con potentes riffs, en una nueva estructura envolvente en la que el fuzz desértico esta presente. Ecos grunge de los noventa conviven con los áridos sonidos stoner. Un tema recio y dinámico con pinceladas y brochazos de guitarras a modo ornamental que acaban puliendo la aspereza de sus riffs.

“Los pollos hermanos” es el single que los almerienses nos adelantaban hace días. otro tema en la herencia de los noventa se percibe en cada acorde. Hard, grunge y tonos stoner unidos por una causa alternativa común.   Ondulante y pegadizo el fuzz fluye de sus venas en una hemorragia de riffs contagiosos. 

Aún habiendo sido grabado en las mismas sesiones que “MEMORIES FROM PINES BRIDGE” indudablemente en este álbum encontramos mayoritariamente un enfoque distinto. Eso si, escuchando temas como “Ellis Lahm” podemos encontrar el nexo que une ambos registros. Momentos de psicodelia con melancólica que explotan en desarrollos monumentales elevándose a un estado superior. 

“Psychomental V Code: Rosaura” nos devuelve a la faceta mas atmosférica de THE DRY MOUTHS. Bellas y susurrantes melodías en esa línea tan cercana a Wawning Man que flirtea con escenarios post-rock desde su ubicación entre los cactus. pausados desarrollos instrumentales que avanzan con lentitud en una evolución constante. Incisivos pero reconfortantes, en un canto que vive de la melancolía y se dota de momentos de desesperanza. Una tristeza que se viste de belleza pausadamente. 

El stoner desértico de “La mascotta” me evoca aquella mágica noche de hace unas semanas en el desierto de Tabernas. Una banda sólida y con unos vigorosos riffs pesados que sabe construir canciones con armonías sin renunciar a las melodías vocales. Otro tema que toma prestados elementos alternativos mas propios de fin del siglo XX para vestirles con ornamentos del siglo XXI.

“Toe motion” refleja el lado mas alternativo. tonos oscuros y siempre atmosféricos, se van tornando hacía espacios psicodélicos en un camino lleno de meandros en los que las aguas del tema van incrementando su fuerza para reposar en calmados remansos antes de precipitarse nuevamente. 

La psicodelia más enigmática y oscura hace acto de presencia en “A Farewell For The Princess”. Otro oscuro tema instrumental que sigue la línea de su anterior álbum. Susurrante y atmosférico nos ofrece un estado de introspección adornado con efectos.

Con la intención de captar la naturalidad y dinámicas de la banda en vivo, se grabaron en directo tanto la batería como el bajo y guitarras rítmicas en el estudio Sonobalance (Granada). Posteriormente en los Desert City Studios (Almería), la banda grabó overdubs, arreglos, sintetizadores y las voces. El encargado del mastering ha sido su habitual Brad Boatright en Audiosiege (Oregon, USA).

“LO​-​FI SOUNDS FOR HI​-​FI PEOPLE” se co-edita por los sellos Spinda Records, Gato Encerrado Records, Desorden Sonoro, Odio Sonoro, Zona Rock Productions, Fuzz T-Shirts, Violence in The Veins , Bandera Negra Records y Aneurisma Records.

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Reseña: BLACK ROAD.- “Witch of the Future”

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Nada parece resultar casual en “WITCH OF THE FUTURE”, el álbum debut del cuarteto de Chiçago BLACK ROAD. Su publicación el día de Halloween, coincide con el tercer aniversario desde están juntos la formación actual. La banda lleva trabajando a pico y pala desde sus comienzos, sin dar un solo paso en falso. Su alabado EP homónimo les situó en la escena stoner doom, con unos temas en los que el blues estaba muy presente, pero BLACK ROAD no parece ser la típica banda psych-doom con su vocalista femenina al frente, los de Chicago van más allá, y Suzi Uzi tiene bien merecido el título del álbum como “La bruja del futuro”. Los ocho temas incluidos en “WITCH OF THE FUTURE” la elevan a unos altares reservados solo para las grandes sacerdotisas. Canciones que viven en atmósferas oscuras, sin perder la vocación doom, pero las tinieblas son atajadas con fantásticas melodías, tanto generadas por la guitarra de Tim M. con una combinación de armonías, como con la sensualidad de la portentosa voz de Suzi. Nebulosas que se construyen a fuego lento, sin que la luz de la hoguera explote en grandes deflagraciones, sino en tenues llamaradas atrayentes y cautivadoras. Chicago es una de las cunas del blues, y también éste sigue presente en alguno de los cortes, de una forma sutil y elegante.  Así el resultado es simplemente espectacular, un trabajo que rápidamente comenzará a recibir elogios por todos aquellos que se aventuren en sus entrañas, un interior lleno de riqueza compositiva y de belleza. Fragancias hechizantes y cautivadoras de las que es difícil escapar y de esos a los que vuelves una y otra vez haciéndote cantar sus canciones de encanto místico y mágico para los días más oscuros..

“Purgatory” nace de delicados pasajes de los que brota la sensual voz de Suzi. arropada por una virtuosa y sosegada guitarra que también reclama su momento de gloria. Susurrante, el tema va engrosando pausadamente su ritmo con una apacible cadencia. Un poderoso bajo aparece desde las tinieblas para arrancar “Radiador”. Aquí la banda recupera el legado Sabbath, con un tema mas oscuro y tenebroso. Cuando la oscuridad se apoderado del entorno la  voz de la sacerdotisa poco a poco resplandece con toda su magia.  La bella y reconfortante voz va desplegando toda su sensualidad repartiendo un agradable hechizo. Una dulzura que nos hace escapar de la oscuridad. Aquí pueden darse ciertos estereotipos de las bandas psycho-doom con cantante femenina, repitiendo la estructura, pero su grandeza está en todos esos matices que con sutileza se incorporan.Los riffs se muestran poderoso, sólidos, pero sin aplastarnos con su fuerza, estamos ante un vigor medido y a su vez, contenido que se transforma en momentos heavy-rock impregnados en psicotrópicos. 

Los diez minutos de “Witch of the future”, el tema que da nombre al álbum posiblemente sean los mejores construidos en toda su carrera. la sensualidad y la belleza toma el protagonismo a otro tema que avanza serpenteando suavemente entre momentos de gratificante psicodelia y algún eco blues. Un masaje sonoro reconfortante e intenso que nos susurra antes de explotar en pesados y lentos riffs llegados de las tinieblas mas inquietantes. Distintos estados de ánimo y de estilos musicales aparecen bajo la larga sombra doom, que acaban sucumbiendo ante el hechizo de la gran sacerdotisa.  En todo su esplendor vocal,   es custodiada por una corte de fornidos riffs para constriuir un relato rebosante de épica ocultista. encabritándose como si se despeñara por un barranco dominado por ritmos stoner que van mutando a momentos mas propios del heavy-rock, recubiertos de un aura psych que nos traslada a un relato de fantasía en el que tras la tempestad llega la calma. Una calma cubierta de un sinfonismo que nos hace regresar a los reconfortables y bellos pasajes iniciales donde la hermosura lo domina todo. Solo por este tema, el álbum ya merece la pena. Simplemente sublime.

“Torches” se construye sobre sólido muros doom en los que las plegarias son protegidas de las tinieblas por celestiales proclamas en forma de rezos típicamente psycho-doom. Ocultismo versus sensualidad que acaba tejiendo un tema mesurado a pesar de seguir muchos cánones del género. Pesado y lento y con su intoxicante nebulosa.

Por la senda del blues, “Blood on the blade”, mantiene de alguna forma la vocación psycho-doom. Esa fusión con la que nació la banda de blues psicodelia y doom queda fielmente reflejada aquí. mas rabia vocal acompañadas de solos que se desangran entre una base rítmica propiamente doom, y que consiguen salirse de los estereotipos.

El regreso a la oscuridad se produce en “Hash king”. la alargada sombra ocultista nos acecha nuevamente bajo nebulosas intoxicantes. nuevamente derrochando su poder de seducción Suzi, casi recitando asoma entre la oscuridad de un ritmo lento y pesado para acabar elevándose con crujientes riffs  que coquetean con el blues mas lisérgico. siete largos minutos de relato psyco-blues bajo los dominios del doom más ortodoxo.

“End of the man” se aleja del doom, para regresar a los orígenes blues llenos de momentos de psicodelia. Por momentos con una cadencia mas propia del heavy-rock más melódico, dejando escenario para el lucimiento y virtuosismo tanto de guitarra como de bajo.  

Este grandisimo álbum cierra con una sorpresa en forma clasicismo romántico. “Lament” es construido por Suzi únicamente con los acordes del piano. Alejado completamente de cualquiera de los temas anteriores, se toma una licencia con la que obtiene un bello resultado lleno de melancolía. 

WITCH OF THE FUTURE” fue creado en un año de trabajo compositivo, habiéndose grabado en Roosterbat Studios y masterizado para todos los formatos por el Tony Reed.

BLACK ROAD son: Suzi Uzi (voz, letras y piano), Tim M. (guitarras) Casey Papp (bajo) y
Robert Gonzales (batería).

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Reseña: GRIM COMET.- “Afterlife”

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“AFTERLIFE” supone un giro en el sonido de los madrileños GRIM COMET. Un álbum salido de la casualidad, ya que la intención primera de la banda era sacar un disco mucho más oscuro.  El resultado son nueve temas directos que viajan en un trayecto de ida y vuelta entre los setenta y el grunge de los noventa. Alejados del metal y del doom que les vio nacer, crean canciones que manan con naturalidad, sin forzar. Aquí no encontramos largos desarrollos de guitarra y viajes psicotrópicos de tintes metálicos, sino que todo resulta más sosegado, mas centrado en un rock alegre y sin ataduras. Cinco años de vida y dos álbumes anteriores, al margen de algún EP son un aval suficiente para entender que la formación está consolidada y de ahí, que estemos ante un disco al que le sobran etiquetas. GRIM COMET no suelen publicar discos de mucha duración, de hecho “AFTERLIFE” bien podría ser un EP. Algo menos de media hora que sirve para que comprobemos que estamos ante una gran banda que ya había demostrado todo su potencial ejecutando sonidos mas pesados, y que ahora es capaz de brillar con luz propia sobre melodías mas asequibles. Siempre usando la linea recta, sin rodeos, cada tema tiene una identidad propia, yendo al grano. Esto hace que entre sus surcos podamos vislumbrar ecos de ZZ Top, Thin Lizzy, y sobre todo Alice in Chains, especialmente en algunos registros vocales de Willy de Moya, su cantante y guitarra. Por otro lado, aún transitando por sendas poco virulentas, la fuerza que Juanma Cayuela imprime a su batería hace que no podamos bajar la guardia en ningún momento, mientras Raúl Cabañas hace que su bajo realice su papel, sin estridencias. Aún navegando entre distintas aguas, el timón que les marca el rumbo sigue siendo el grunge con el que crecieron, que ocupa un mayor protagonismo en sus genes musicales.  El álbum es publicado por Art Gate Records. y fue grabado en Goldfish Estudios (Torrelodones)

La primera sorpresa nos la da “Dig up her bones”. Como si nos hubieramos teletransportado a un local de Texas, el boogie-rock en pura línea ZZ Top, nos sorprende con la energía sureña de la que podemos encontrar en esos garitos con olor a humo y bourbon. Con unas buenas dosis de efluvios pantanosos que intoxican un tema que no pierde nunca el ritmo. la parte mas lúdica del rock and roll queda plasmada con precisión. 

Sin terminar de abandonar el medio-oeste, la potente batería un cambio de registro vocal, describen “Dead or alive”. Guiños metálicos que parecen un toque de nostalgia, caminan mas cerca de los desiertos stoner para golpearnos con fuerza. Uno de esos temas que te abofetean sin remisión. Riffs que se repiten como un martillo y de los que no puedes escapar sano y salvo. 

El grunge de los noventa asoma en “Over you”. Ondulando las melodías vocales, el ritmo parece ir cansino, como a trompicones, mientras Willy nos susurra y seduce con sutileza entre una fornida base rítmica. Una contraposición que culmina con un bello solo de guitarra que parece describir la nostalgia con sus notas antes de devolvernos la rabia.

En una linea similar y con un ritmo que se inicia con una cadencia que bien podrían haber firmado The Police, “All on me”. Dulces melodías sobre medios tiempos que avanzan impasibles  en un sencillo tema. 

Rugosos riffs dan el pistolezado de salida a “Born to die”. Una vuelta de tuerca al grunge primitivo pero con la mirada puesta en el hard setentero mientras los adornos son mas propios de los sonidos desérticos. El resultado es un corte vivaz y pegadizo que transcurre sin concesiones y en el que aparecen esas guitarras más afiladas que habíamos escuchado en sus anteriores trabajos.  

No podía faltar (afortunadamente), su guiño a las vibraciones más psicodélicas. “In the dark” es un oscuro pero apacible y gratificante paseo por amigables bosques   que no dejan pasar la luz. Para salir de esa atmósfera, los susurros de la cálida voz de Willy nos hacen compañía y nos apaciguan entre la umbría para emerger como un canto bucólico que acaricia nuestra piel hasta ponernos los vellos de punta.

“On & on” nuevamente traspasa la barrera del tiempo para partir de los setenta y vestirse de vibraciones mas contemporáneas. Difusos riffs que acompañan a la melodía en un tortuosos camino en el que  GRIM COMET dan muestra de que su pesadez no ha quedado en el baúl de los recuerdos, sino que la rescatan cuando les viene en gana, aunque sea con una intención distinta y medida. 

“A million sun” es un tema que sufrió una metamorfosis desde su nacimiento. Con la intención de hacer un tema acústico poco a poco fue transformándose  hasta convertirse en un alegre corte hard-rock en el que el legado de Thin Lizzy está muy presente. Una subida de revoluciones que confirma que la cabra tira al monte. Un pegadizo y divertido tema de esos que te engancha desde la primera escucha y que podría escucharse en mediados de los setenta en cualquier garito cañero. 

“AFTERLIFE” cierra de una forma sorprendente. sobre los bellos acordes de la guitarra española, “Azabache” refleja la esencia del sur, del flamenco y del clasicismo. Un bello tema que se sale completamente del camino del resto de temas del álbum pero que en cada nota transmite sentimientos. 

GRIM COMET estarán presentando “AFTERLIFE”, mañana, 31 de octubre en la Sala Honky Tonk de Madrid, una gran oportunidad para comprobar como se trasladan estas composiciones al directo.

 

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Reseña.- THOSE FURIOUS FLAMES.- “Heart”

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La banda Suiza con quince años de carrera a sus espaldas nos ofrece su quinto álbum “HEART”. Instalados en el rock clásico, el hard-rock, la psicodelia y el blues rock, ocupan y utilizan todos los estilos que reinaron en la década de los setenta para conseguir un sólido álbum. Siete atractivos temas con guitarras solventes, y una poderosa base rítmica que se ven marcados por el hipnótico órgano vintage que los envuelve. Frescura atrayente y una cadencia psicodélica en una personal apuesta que no solo es un viaje en el tiempo , sino que vive en la modernidad del siglo XXI. Poco conocidos por estos lares, este trabajo es una buena oportunidad para descubrir a una interesante banda que sorprenderá a mas de uno. Sonidos que resultan familiares y que contienen una fuerza sobrenatural en sus sus surcos.

“Children of the moon”, parte con un groovy rural en el que el blues-rock evoluciona a escenarios retro-rock. Ritmos y estribillos pegadizos con constantes cambios. Entre el hard-rock y el rock clásico al uso contiene un aroma lisérgico en su interior que se ve fortalecido por una buena voz. Ecos de stoner noventero y un órgano retro completan un tema divertido y de ritmos contagiosos al que difícilmente puedes resistirte. 

Un órgano heredero de John Lord y unos coros negroides de vocación funky marcan “Voodoo (the rythm of the ritual”. Un nombre obvio para un tema que podría haber compuesto Arthur Brown. Sólidos riffs que contrastan con ese sonido añejo que nos devuelve a los momentos mas bizarros de la década de los setenta. Elementos de viento que entablan una batalla con el órgano y la ardiente guitarra. El vodoo aparece sobre magnéticos pasajes que reflejan un auténtico ritual de magia negra que toma prestado algunos elementos afro-rock.

“Escape” sigue la senda del hard-rock stonerizado. Una cadencia vocal pausada sobre dinámicos y ondulantes ritmos crean un cuadro que es toda una huida hacia adelante en su sonido.  Una canción con un groovy contagioso que serpentea constantemente y que solo cede su ímpetu ante los dictados de su vocalista.

Cambiando el registro, los susurrante acordes de “Unknow song” crean una calmada atmósfera psicotrópica. un apacible tema en que el misterio se palpa. Hipnótico y envolvente parece ser un alto en el camino para retomar fuerzas antes de una nueva embestida.

Una introducción de órgano en “Under your spell” y una batería que desata las hostilidades nos llevan a un ejercicio de  hard-progresivo  con una voces que van transmitiendo distintos estado de ánimo. Siempre bajo un contagioso ritmo ondula en luminosos espacios retro que acaban oscureciéndose en simas psyco-blues.

“Hallucinogen Persisting Perception Disorder” toma el rock, el blues y el funk para meterlos en una coctelera a mezclarlos a toda velocidad. Un envoltorio cercano al stoner completa un resultado de corte retro-rock lleno de matices. Logrado tema psicodélico que se construye por la habilidad que tienen lo suizos en ensamblar todos esos elementos obteniendo un contagiosos y dinámico tema cuyo sonido resulta bastante familiar.

Naciendo de enérgicos riffs retro-rock, “Visions” nos ofrece otra faceta de THOSE FURIOUS FLAMES. La psicodelia oscilante y serpenteante se adorna con tonos orientales para dejarse llevar en un viaje lisérgico. Un paseo en el que el blues nos acompaña y cuyo destino final es una estación retro teñida de acidez.

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Reseña: GOLGOTHA.- “Erasing The Past”

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Nacidos a primeros de los noventa y con tres álbumes a sus espaldas, los mallorquines GOLGOTHA, después de catorce años de silencio publican un nuevo trabajo, “ERASING THE PAST”. La banda en la actualidad está formada por, Amon López, voz , Vicente Payá , guitarras, Tomeu Crespí (batería) Miguel A. Riutort (bajo y teclados)y ha contado con la colaboración de María Lladó  y Josep de Helevorn en las voces.

El disco fue grabado y mezclado en los estudios Psychosomatic Recording con el productor Miguel Ángel Riutort “Mega”, y es editado por Xtreme Music. Si bien en los últimos tiempos estoy degustando discos de doom, el metal más profundo no es un territorio en el que me desenvuelva con soltura y si algo tienen GOLGOTHA es su reputación en el panorama nacional del metal mas oscuro como una de las primeras bandas que se atrevían a hacer doom en este país.  Lo primero que me llama la atención (al margen de la oscuridad de su sonido) es la atmósfera melódica en la que se desarrolla todo el álbum. Temas que avanzan con lentitud y que se acercan al metal melódico, con momentos en los que las voces guturales salidas de las cavernas mas profundas y tétricas nos acechan amenazantes contrastando con pasajes melódico progresivos de gran sensibilidad. Otro de los factores que despiertan mi atención es el sonido de una batería mucho más rica en sonido a las que las bandas contemporáneas utilizan. No es el sonido de una batería minimalista, sino que intuyo el sonido de un doble bombo, y más que una caja de ritmos, algo a lo que hace años no estoy acostumbrado. Temas como “The way to your soul” combina esas voces guturales con registros de barítono con unas melodías que contienen un oscuro sinfonismo tras de sí. La épica está presente en un tema lento y contenido pero a su vez poderoso. La senda atmosférica se intensifica en “Distorted Tears”, otro tema mantiene el listón de la épica pesada. Oscilaciones y coros melodiosos bajo un mando de oscuridad tenebrosa.

“Enveloped in fog” me sorprende con el juego de voces. Apacibles y pesadas melodías se arman de una belleza que compite por un espacio de predominio con las guturales voces bajo los tétricos pasajes.  Avanzando cansino y plomizo, la pesadez del tema se mitiga con la atmósfera nebulosa que lo envuelve.

Mas áspero, “Burning the disease” hace oscilar las guitarras mientras la gutural voz lanza sus proclamas. La aspereza inicial vuelve a verse seducida por las melodías antes de resurgir de sus cenizas. Una constante oscilación con vocación de himno de metal melódico y progresivo.

Una épica post-apocalíptica en “New Hope” trata de combinar la garra vocal con las esmeradas melodías omnipresente en todo el trabajo. Siempre con paso lento pero firme estiran la zancada para pisar con suavidad en territorios de gran sinfonismo con unos atrayentes pasajes de guitarra.

El metal cavernícola aparece en “Rewrite your destiny” Otro tema salido de las profundidades mas tenebrosas que mantiene la tensión en busca de espacios más apacibles. Aquí volvemos a encontrar un gran trabajo de batería. 

En “Erasing the past”, el tema que da nombre al álbum, encontramos un gran trabajo melódico con la incorporación de las celestiales voces de María Llado, que contrastan con los registros guturales de Amon aportando cierta frescura. Pasajes progresivos  descritos con una gran parsimonia, lo que es una constante en todo el disco. Una lucha entre la fuerza y rugosidad tenebrosa con espacios celestiales entrelazados con ritmos cadentes.

“Land Of Defeat”. resulta ser un tema introspectivo. Una lucha interior por los propios demonios que se refleja en uno de los temas más ásperos, conclyundo con una liveración armoniosa. 

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Reseña: KADAVAR.- “For the dead travel fast”

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Con diez años de carrera y multitud de seguidores a sus espaldas, los alabados y queridos KADAVAR a estas alturas son capaces de hacer lo que quieran sin tener en cuenta nada ni nadie. Así es como ha nacido su sexto álbum “FOR THE DEAD TRAVEL FAST”. Un disco compuesto sin complejos y nacido desde la relajación de no tener que demostrar nada (como me comentaba Lupus en la entrevista que hicimos el pasado mes de Agosto). Un álbum que en una primera escucha me pareció sencillo y simple, dejándome un poco frío. Seguramente no era el trabajo que esperaba de ellos (como muchos de sus fans), pero tras sumergirme en sus surcos encuentro su atractivo a pesar de las notables diferencias respecto a sus trabajos anteriores, y alguna de ellas son bastante interesantes. Con atmósferas sombrías que bien podrían recrear la banda sonora de una vieja película y con un notable cambio en cuanto a los registros vocales, brillan con la presencia de mucha mas melodía y coros, con voces que juegan con “falsetes” con gran destreza. “FOR THE DEAD TRAVEL FAST” no es el álbum que retrata a los KADAVAR más crudos, sino a una banda que juega y explora escenarios mas progresivos. Como resultado, obtenemos el álbum más atmosférico del trío berlinés. La portada del álbum, así como las fotos promocionales muestran a unos tipos ataviados con ropajes más propios de otra época y eso se nota en unos temas lúgubres y oscuros. Premeditados sonidos vintage  con canciones sencillas que no acaban de explotar en esa deflagración pesada a la que nos tiene acostumbrados. Haciendo de la sencillez una virtud, las tinieblas cubren sus nueve temas con sonidos juegan con el heavy-rock, el hard y los ecos progresivos de finales de los setenta y primeros ochenta. Guiños sinfónicos más propios de los dinosaurios del rock progresivo se entrometen entre la inequívoca herencia Sabbath que de alguna manera siempre estuvo presente. No hay grandes alardes, ni grandes canciones, pero el disco puede ofrecernos agradables momentos. Incluso me atrevo pensar que con el tiempo será mucho más apreciado y valorado.

Una introducción atmosférica y misteriosa con suaves y tétricos acordes nos enseña el camino de la oscuridad en “The end”. Voces llevadas del mas allá nos enlazan con el siguiente tema, “The devil’s master”. Pasajes casi progresivos van elevándose entre la voz de Lupus y el cadente bajo de Simon, para iniciar el camino con riffs hard de tonalidad retro. Nebulosas vintage. El tema, como la mayoría de los del álbum, viene marcado por el particular registro vocal. Unas voces lánguidas que relatan episodios de nostalgia en un relato épico mas propio de otros tiempos. Un especial protagonismo de la base rítmica de Tiger y la guitarra nos recuerda momentos del heavy-rock de los años ochenta.  lo cierto es que por momento el tema tiene un “tempo” especial.

El hard-rock setentero más dinámico aparece en “Evil forces”. Riff que se repetien con una cierta herencia Sabbath y elemento puramente heavy-rock añejo, así como la voz y coros con “falsetes” preceden a momentos de guitarras que aullan. Es como si estuvieramos a una versión “light” del heavy-rock más tenebroso. La implacable batería mantiene el tipo en todo el tema. Me llama la atención esos “grititos” en vena diabólica.

Las atmósferas oscuras y tétricas son el escenario natural en el que se desarrolla la trama del álbum, y así lo refleja “Children of the night”. Tonos vintage en entornos pseudo-progresivos en el marco de la latente oscuridad  que tratan de obtener la luz con unos estribillos pegadizos que van modulando su tonalidad hacia una mayor calidez sobre los vivaces y repetitivos ritmos. La banda sonora de una película de misterio que poco a poco sucumbe a la melancolía con ramalazos de tétricas penumbras. Una especie de Sabbath progresivos con solos de fuzz desbordante que vuelven a elevar el tema antes del regreso a la penumbra. 

En esa linea progresiva en la que parecen instalados, “Dancing with the dead”  con voces más cálidas y reconfortantes, sucumbe a un sinfonismo en tonos melancólicos que acarícian las melodías bajo un soporte rítmico contenido. Un relato del pasado en el que destaca la cadente batería de Tiger mientras los solos de guitarra ondulan apacibles sobre un gran trabajo de bajo  para construir el tema más melódico. 

“Poison” muestra a la banda mas contundente y tenebrosa. Lúgubres pasajes bajo una implacable batería acercándose a Rush (en versión light) con las tinieblas como testigo. Voces desgarradoras y cambios de ritmos elevan el tema como si de un canto de esperanza se tratara. constantes parones y arrancadas. Lamentos entre luces y sombras y atmósferas psico-progresivas completan el corte. 

Con mucho mas fuzz y guitarras psicodélicas, “Demons in my mind” da lugar a una espiral diabólica que poco a poco se transforma con melodías hard & heavy de aspecto vintage. Un trasfondo sólido en el que los efectos y pedales se sosiegan cayendo en las tinieblas con la sombra de Sabbath en el horizonte. Oscuros y misteriosos bosques, mucho fuzz y la sensación de que cada instrumento va a su libre albedrío para acabar cohesionándose entre la espesura rítmica. Un corte, a pesar de todo que contiene gran dinamismo. 

“Saturnales” es una pseudo-balada en la que los efectos y los sintetizadores describen oscuros paisajes de una forma calmada e inquietante. 

El álbum se cierra con el tema mas largo y elaborado. “Long forgotten song” avanza por los mismos territorios que se desarrolla el resto del álbum. Lento pero a su vez pesado y grueso, la senda del hard-progresivo es transitada con amago de elevarse en su intensidad. Un simple espejismo que nos devuelve la sombríos pasajes con melodiosas voces que describen bellos y tristes pasajes. Susurrantes y magnéticos KADAVAR  acaban construyendo un tema que en otros tiempos pudiera convertirse en un himno.

Solo nos queda esperar como se desarrollan estos temas en directo en la próxima visita que nos harán el próximo mes junto a Hällas (con los que este trabajo tiene bastantes similitudes) y Mars Red Sky.

 

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